Distsipliini kokkuvõte:
Rahvakunst

Teema
"Fotograafia on nagu moodne kunstivorm."

Lõpetanud: M.S. Zakharova
Õpilane 529 - W RÜHM
Kontrollis: E. Streltsova

MOSKVA

2010
Sisu:

1 fotograafia sünd

2. Fotograafia meistrid

3. Vene fotograafid

4. Fotograafia liigid

Järeldus

1. Fotograafia sünd

Algselt portree- või looduspiltide fikseerimise viisina sündinud, kunstniku käega võrreldes palju kiiremini tehtud fotograafia tungis seejärel kõikidesse inimtegevuse sfääridesse. Fotopildi objektiivsus ja täpsus tegi sellest ühe tõhusaima reaalsuse kuvamise viisi, kõige olulisema teabe- ja dokumentatsioonivahendi. Kunstis kasutatakse laialdaselt fotograafiat, millest on tekkinud termin kunstfotograafia. Sai võimalikuks rääkida erinevatestfotograafia žanrid ... Erinevate materjalide võime jäädvustada pilti on muutunud laialdaselt nõutuks erinevates teadusharudes, määrates teadusfotograafia tekke. Tehnoloogias on ilma fotograafia osaluseta välja kujunenud sellised tööstusharud nagu trükkimine ja reprograafia. Fotograafia on võtnud igapäevaelus sama olulise koha. Vähem kui 200 aasta jooksul on maailmafotograafia läbinud pika ja raske pideva arengu ja täiustamise tee. Samal ajal arenesid kõik tööstuse aspektid orgaanilises seoses: fotomaterjalid ja füüsikalis-keemilised protsessid, piltide saamise põhimõtted, pildistamistehnika, žanrid ja loometehnikad.

Foto sünniajaks loetakse 7. jaanuari 1839, mil prantsuse füüsik D.F. Arago (1786-1853) teavitas Pariisi Teaduste Akadeemiat kunstniku ja leiutaja L. Zh.M. Daguerre (1787-1851) esimesest praktiliselt vastuvõetavast fotograafiameetodist, mida leiutaja nimetas dagerrotüübiks. Sellele protsessile eelnesid aga prantsuse leiutaja J.V. Niepce (1765-1833), mis on seotud valguse mõjul saadud objektide kujutise fikseerimise viiside otsimisega. Esimese säilinud kaamera obscura abil tehtud linnamaastiku jäljendi sai ta 1826. aastal. Niepce kasutas tina-, vask- või hõbetatud plaatidele valgustundliku kihina lavendliõlis asfaldilahust. Püüdes leiutist ellu viia, saatis autor 28. detsembril 1827 Briti Kuninglikule Seltsile "Märkme heliograafia kohta" ja oma töö näidised. Aastal 1829 sõlmis Niepce lepingu Daguerre'iga äriettevõtte Niepce-Daguerre asutamiseks, et teha koostööd Niepce'i ja Daguerre'i leiutatud meetodi täiustamiseks. Niepce'i arengu jätkuks oli Daguerre'i hilisem töö, kes avastas juba 1835. aastal elavhõbeda auru võime paljastada varjatud kujutise paljastatud jodeeritud mittehõbedasel plaadil ning 1837. aastal suutis ta fikseerida nähtava kujutise. Valgustundlikkuse erinevus võrreldes Niepce protsessiga hõbekloriidi kasutamisel oli 1:120.
Dagerrotüübi hiilgeaeg jääb 1840.-1860. aastatesse. Peaaegu samaaegselt Daguerre'iga ilmus inglise teadlase W.G.F. Talbot (1800–1877) sai 1835. aastal foto, kasutades oma varasemat "fotogeenilist joonistust". "Fotogeense joonistamise" oluline puudus oli pikk säritus. Daguerre'i ja Talboti meetodi sarnasust piiras hõbejodiidi kasutamine valgustundliku kihina. Muidu olid erinevused põhimõttelised: dagerrotüübis saadi korraga positiivne peegelpeegeldav hõbedane kujutis, mis lihtsustas protsessi, kuid muutis koopiate saamise võimatuks ja Talboti kalotüübis tehti negatiiv, millega suvaline väljatrükke suudeti teha, realiseeriti protsessi kaheastmeline negatiiv-positiivne jada - kaasaegse fotograafia prototüüp.
Ei Niepce, Daguerre ega Talbot ei kasutanud mõistet "fotograafia", mis legaliseeriti ja sai eksisteerimisõiguse alles 1878. aastal Prantsuse Akadeemia sõnaraamatus. Enamik fotoajaloolasi usub, et mõistet "fotograafia" kasutas esmakordselt inglane J. Herschel 14. märtsil 1839. Siiski on teada ka teine ​​versioon, mis eelistab Berliini astronoomi Johann von Madlerit (25. veebruar 1839).
Filmi leiutaja, Ameerika amatöörfotograaf G.V. Goodwin (1822-1900) taotles 1887. aastal "Fotograafiafilmi ja selle tootmisprotsessi" leiutamist. Fotofilmi kasutuselevõtt ja seejärel J. Eastmani (1854-1933) seda fotomaterjali kasutava fotograafiasüsteemi väljatöötamine tõi fototööstuses kaasa põhjalikud muutused, muutes fotograafia kättesaadavaks massitarbijale nii tehniliselt kui ka majanduslikult.
Edaspidi on fototehnika märgatavalt muutunud ja eelkõige selle optiline osa. Optika tegi olulise sammu edasi. Seal on paljuläätsede tüübid , mida hakati kasutama erinevat tüüpi pildistamiseks. Kunstiülesannete mitmekesisus on tekitanud fotograafidele vajaduse peenema ja diferentseerituma lähenemise järele nende teostamisel. Maastiku ja arhitektuuri pildistamiseks hakati kasutama kaadri "suurema mahutavuse" saavutamisekslainurkobjektiivid , mis osutus sellise fotograafiažanri nagu portree puhul kohaldamatuks, kuna viimase kasutamine põhjustab lähivõttel olulisi moonutusi. Samuti kompleksnevalgusfiltrid , võimaldades saavutada väga peent visuaalsete efektide korrektsiooni, meisterlikult juhtida värvide fikseerimist. Kuid kõik need tänapäevaste fototuvastusseadmete funktsioonid väärivad eraldi käsitlemist.

Fototehnika arendamine

Ühe objektiiviga peegelkaamera patenteeris inglane T. Sutton 1861. aastal. Hiljem kujundati tema peegelkaamera mudeli järgi mitmete välismaiste firmade seadmed. Kahe objektiiviga peegelkaamera leiutasid britid R. ja J. Beck (1880). 1929. aastal töötasid Saksa disainerid R. Heydicke ja P. Franke välja peegelkaamera "Rolleiflex", mida toodeti erinevates modifikatsioonides umbes 60 aastat ja millest sai märkimisväärne etapp kaameratööstuse arengus. 1955. aastal patenteeriti kastkaamera, mida sai panna naise võrku või arstikotti. Politsei jaoks töötas inglane T. Bolas 1981. aastal välja kaks käeshoitavat "detektiivi" kaamerat (üks neist raamatu kujul), mis võimaldasid saada hetktõmmiseid. "Detektiivi" kaameratele anti kottide, binoklite, kellade välimus.
Aastatel 1890-1950. laialt levinud on kaamerad, mida nimetatakse kastikaamerateks. Nende hulgas on silmapaistev koht Kodaki kaameral (1888), mis tähistas fototehnoloogia uue etapi algust. Kaamera võimaldas pildistada 100 kaadrit paberalusel filmile. Pärast säritamist töötlesid filmi, printisid ja kaamerat laadisid uuesti ettevõtte spetsialistid (“fotoviimistlejad”). Kaamera juhendis oli kirjas: “... Nüüd on pildistamine võimalik kõigil. Teie vajutate nuppu, meie teeme ülejäänu." Välimus 1890. aastatel. kõrge valgustundlikkusega fotomaterjalid, valgust varjava paberiga rullfilmi kasutuselevõtt andis tõuke fototehnoloogia edasisele arengule, millega kaasnes üleminek suhteliselt rasketelt ja kogukatelt kastkaameratelt kergematele ja miniatuursematele lainelise karusnahaga taskuvoldikkaameratele. Tuntuim ja tehniliselt täiuslikum oli "Iconta" tüüpi kaamerate perekond (Saksamaa), millest esimene valmis 1929. aastal.
1912. aastal valmistas ameeriklane J. Smith väikese formaadiga kaamera, mille kaadri suurus oli 24x36 mm 35 mm filmile. Seejärel ilmusid seda tüüpi kaamerad Prantsusmaal (Homeos-3, 1913), Saksamaal (Minograf, 1915) jt. Fototehnika arengule need aga märgatavat mõju ei avaldanud. 1913. aastal valmistas Saksa firma E. Leitz projekteerimisinsener O. Barnak väikeseformaadilise kaamera esimese prototüübi, mis sai hiljem nimeks "Pra-Leica". 1925. aastal valmistati esimene partii (1000 tk) väikeseformaadilisi fookussäriga, säriaegadega 1/20 kuni 1/500 s ja Elmax 3,5 / 50 objektiiviga Leika-1 kaameraid. Tänu valmistamise täpsusele, algsele paigutusele avas see kaamera uue etapi kaameratööstuses ja fotograafias.
Fototehnika areng tõi kaasa miniatuursete kaamerate (esimene arendus oli Riia elaniku V. Zappa Minox kaamera, 1935), ketasfotofilmi kasutavate kaamerate (D. Dilksi patent, 1926), tehnikafotograafia kaamerate loomiseni aastal. tööstus ja teadus (seadmete perekond "Saksa firma "Tehnika" Linhof "ja Šveitsi samanimelise ettevõtte aparaat" Sinar ").
Laialdane kasutamine XX sajandi teisel poolel. värvilised fotomaterjalid, aga ka must-valge, millel on suurem eraldusvõime, kuid väiksem fotograafiline laiuskraadi, tingis vajaduse võtteprotsessi juhtimiseks automaatse seadmetega kaamerate masstootmise järele. Selliste seadmete tootmist alustati 1950. aastate teisel poolel. Pärast poolautomaatse juhtimisega ("Agfa Siletta SL", 1956) ja automaatse säriaega ("Agfa Avtomatik 66", 1956) kaamerate ilmumist pakuti välja kujundused, millel oli sisemine särimõõtmine, punktvalguse mõõtmine ("Pentax Spotmatic"). ”, 1960), lokaalne valguse mõõtmine (“ Leukaflex “, 1965), heleduse mõõtmine töötaval diafragmal (" Asahi Pentax SP ", 1964), dünaamiline süsteem. kokkupuute kontroll TTLDM ("Olympus OM-2", 1969).
Esimesed fotod nõudsid märkimisväärset säritusaega, mõnikord kuni mitu tundi. Aastatel 1839-1840. L. Ibbetsonil, kes kasutas seadet, mis kasutas vesinik-hapniku leegis lubja hõõgumist (Drummondi valgus), õnnestus 5 minutiga saada korallitüki dagerrotüüp, mis nõudis üle 25-minutilist säritust, kui päikese käes laskmine. 1854. aastal patenteerisid Gaudin ja Delamar Prantsusmaal Bengali tule valgusallikana. Põlev segu koosnes väävlist, kaaliumi lämmastikhappest ja antimonist. Portree tegemiseks kulus vaid 2-3 sekundit. Esimese eduka katse elektrivalgust fotograafias kasutada tegi F. Talbot, kes kasutas Leydeni purgi tühjenemist kiiresti liikuva objekti pildistamiseks (1851). Elektrivalgustusega fotostuudiod ilmusid Inglismaal (1877), Prantsusmaal (1879) ja Saksamaal (1882). Magneesiumtraadi põlemisel kiirgava ereda aktiinilise valguse kasutamist valdasid R. Bunsen ja G. Roscoe (1859). Esimese portree elust, kasutades seda allikat, tegi A. Brothers aastal 1864. Mõiste "sähvatus" on levinud alates 1886. aastast, mil magneesiumipulbrit kasutati segus teiste valguse intensiivsust suurendavate ja süttimisperioodi lühendavate komponentidega. . 1893. aastal töötas Schaufer välja elektrisüütega magneesiumvälklambi, mis oli hapnikuga täidetud magneesiumtraadiga klaaskera. Selle puuduseks oli õhupalli hävimise võimalus hapniku paisumise tagajärjel kõrgel temperatuuril. Disain on ajakohane. Saksamaal J. Ostermeieri poolt 1929. aastal välja töötatud ohutud välklambid, milles õhupall täideti alumiiniumfooliumiga.
1932. aastal tegi ameeriklane G. Edgerton ettepaneku kasutada fotograafias korduvkasutatavat elektroonilist välklambi. 1939. aastal valmistas ta ksenoontoru baasil välklambi ja töötas välja meetodi välklambi süttimiseks kaamera katikust, mis seejärel levis. P. Metzi välja antud konstantse pinge transistormuunduriga välklamp "Meckablitz 100" tähistas elektrooniliste välgulampide tootmise algust (1958). Pildistamisprotsessi edasise kontrolli otsimine viis koordineeritud automaatse välklambi (Canon AE-1 kaamerale Canon Speedlight 155A, 1976) tekkimiseni, mis hoidikusse paigaldatuna suhtles kaameraga funktsionaalselt läbi lisajuhtimise. kontaktid.

2. Fotograafia meistrid

XIX sajandi teisel poolel. tehnika ja teaduse areng fotograafias on viinud uute tehnikate esilekerkimiseni, mis on iseloomulikud ainult fotograafiale. Üks uuendajatest oli inglise meister O. Reilander (1813–1875), kes toimetas 30 negatiivist allegoorilise kompositsiooni Two Life's Paths (1856).
Inglise kirjanik L. Carroll ("Alice Imedemaal" autor) tunnistati parimaks lastefotode meistriks.
Alates 1860. aastatest. levinud on välifotograafia tehnika. Kuni 1920. aastateni. see arenes välja maalilise maastiku jäljendamise vaimus: R. Lamar (Prantsusmaa), L. Misson (Belgia), A. Cayleigh (Suurbritannia) jne.
19. sajandi teise poole etnograafiline loodusfotograafia. seadis endale eesmärgiks rahva elu usaldusväärse fikseerimise. Samal perioodil ilmus reportaažfotograafia, näiteks pildistas R. Fenton episoode 1853–1856 Krimmi sõja rinnetelt; Brady, A. Gardner – Ameerika kodusõda 1861-1865, A.I. Ivanov, D.N. Nikitin, M.V. Revensky - Vene-Türgi sõda 1877-1878. Leiutis, seejärel fookustasandi katiku täiustamine, võimaldas pildistada liikuvaid objekte, mis andis tõuke reportaažfotograafia edasisele arengule.
XX sajandi alguses. fotograafide töödes on maalikunsti erinevate suundade mõju endiselt märgatav. Samal ajal kasvab fotograafias huvi pärismaailma vormide tõlgendamise vastu. Selle suuna esindajate teosed (nn avangardfoto) ühendavad endas vormimängu, joonte pretensioonikust, heledate toonide üleminekuid, ebarealistlikke perspektiivkonstruktsioone, mitteobjektiivseid kompositsioone. Fotograafid, kes pildistasid vana krohvi, asfaldilõhesid jms, muutes tundmatuseni mõõtkava ja faktuuri, lõid abstraktse kunsti vaimus kompositsioone. Otsingud avangardi teel ei olnud alati viljatud, need viisid fotograafias oma spetsiifiliste väljendusvahendite väljatöötamiseni, nagu näiteks ettelühenduste, lähivõtete, mitmetahuliste kompositsioonide kasutamine. Samal ajal kujunesid välja fotograafia dokumentaalsest olemusest lähtuvad kunstiliste lahenduste põhimõtted. Paljudes žanrites ilmnes fotograafia ajakirjanduslik jõud.
Sõjareportaažil oli oluline mõju fotograafia pöördumisele dokumentaalsete vormide poole, humanistliku fotoajakirjanduse tõusu suunas.

3. Vene fotograafid

Grekov avas Peterburis "kunstiuuringu" ja avaldas 1841. aastal Moskvas brošüüri "Pintslita ja värvideta maalija, kes teeb kõikvõimalikke pilte, portreesid, maastikke jne nende tõelises valguses ja kõigi varjunditega. mõne minuti pärast." 1840. aastatel. kuulus vene fotokunstnik S.L. Levitski. Eriti hea on tema tehtud grupifoto vene kirjanikest. 1849. aastal avas fotograaf Peterburis dagerrotüüpiaasutuse "Svetopis" ja 1859. aastal Pariisis töökoja, millest kujunes üks Euroopa parimaid portreedesalonge. Ta on pälvinud mitmeid auhindu rahvusvahelistel näitustel. S.L. Levitski oli Pariisi maailmanäitusel (1851) kuldmedali omanik fototööde eest. 1850. aastatel. A.I paistis silma. Denier (1820-1892) - kunstiakadeemia lõpetanud, kes avas Peterburis "Kunstnik Denieri dagerrotüüpia institutsiooni" (1851) ja andis välja Venemaal kuulsate inimeste fotoportreede albumi, mis sisaldas kuulsate inimeste pilte. Vene reisijad, teadlased, arstid, kunstnikud, kirjanikud. Varajase perioodi vene fotograafide viimane silmapaistev esindaja oli teine ​​kunstiakadeemia lõpetaja V.A. Carrick (umbes 1827-1878). Ta on kuulus Kesk-Venemaa piirkondade talupoegade žanri- ja liigifotograafia poolest. Kogud V.A. Carrickit on (konkurentsiväliselt) näidatud rahvusvahelistel näitustel Londonis ja Pariisis. 1876. aastal omistati meistrile Kunstiakadeemia fotograafi tiitel.

4. Fotograafia liigid

Must-valge fotograafia
Mustvalgete negatiivsete fotomaterjalide värvitundlikkus erineb inimese nägemisest. Kui sensibiliseerimata negatiivikilele eemaldada näiteks violetset ja kollast värvi objektid, siis violetsete kiirte mõjul muutub pilt mustaks ja kollase mõjul see ei paista ja jääb läbipaistvaks. Positiivsel printimisel (fotopaberile) reprodutseeritakse lilla värv valgena ja kollane värv mustana, see tähendab, et objekti heledus moondub toonide edastamisel mustvalgel fotograafias.

Värviline foto
Erinevalt must-valgest fotograafiast hõlmavad värvid kujutiste saamise meetodeid, mille puhul objekti heledus ja värviomadused taasesitatakse loomulike värvidega. Kolmekihiliste fotomaterjalide väljatöötamine võimaldas lahendada kvaliteetsete värvipiltide saamise probleemi nii filmile kui ka fotopaberile. See põhineb võimalusel saada kõiki värve, lisades kolme põhivärvi (punane, roheline, sinine) valgusvoogusid või lahutades valgusvood valgest, kasutades valgust selektiivselt neelavaid kihte. Üks levinumaid värvifotograafia meetodeid oli mitmekihilistel fotomaterjalidel värvilise kujutise saamise meetod.

Hõbehalogeniidi fotograafia
Seda tüüpi fotograafia aluseks on fotomaterjalide kasutamine: film, fotoplaadid ja fotopaber. Meetod on väga kallis!!!

Hõbedavaba pildistamine
Mittehõbedaste materjalide omadused: madal valgustundlikkus, halvasti reprodutseerivad pooltoonid ja "mürarikas" pilt; neile on värvilisi pilte võimatu või raske saada. Hõbedavaba fotomaterjale kasutatakse mikrofilmimisel, dokumentide paljundamiseks ja paljundamiseks, info kuvamiseks jne.

Lennuki pildistamine
Traditsiooniliste pildiliste fotograafia vahendite arsenali ja fotodokumentide objektiivsust piirab fotokujutiste kahemõõtmelisus. Must-valge ja värviline fotograafia, elektrograafia ja videosalvestus viitavad tasapinnalistele fotograafiatüüpidele ning ei võimalda kujutada objekti kolmemõõtmeliselt – nii, nagu silm seda näeb. Kolmanda mõõtme puudumine nendel fotopiltidel on tingitud tavalise (ebaühtlase) valguse omadustest, mida kasutatakse pildistamispraktikas.

Stereoskoopiline fotograafia
Stereoskoopiline fotograafia hõlmab fotograafiliste kujutiste saamise meetodeid, mille vaatamisel tekib nende mahulisuse (stereoskoopsuse) tunne. Stereoskoopilise kujutise erinevus tavapildist seisneb selles, et stereopilt koosneb kahest (minimaalselt) konjugeeritud kujutisest Konjugeeritud on kujutised, mis on saadud sama objekti pildistamisel silmade asukohale vastavatest punktidest ehk tehtud samas mõõtkavas. sama heledusega ja ühendatud ühe vaatenurgaga.

Holograafia
Pilt, mis on fotograafia objektile praktiliselt adekvaatne, saadakse holograafia abil – mis tahes teabe erilise salvestamise viisi kasutades koherentseid lainevälju. Erinevalt tavapärasest fotograafiast ei registreeri valgustundlikus kihis holograafia objekti optilist kujutist, mis iseloomustab selle detailide heleduse jaotust, vaid holograafilise objekti lainefrondi kuva õhukest ja keerulist interferentsimustrit, mis kannab terviklikku. teavet selle kohta. Erinevalt teistest fotograafialiikidest annab hämmastava täpsusega hologramm edasi ruumisuhteid: üksikute objektide erinevat kaugust vaatlejast, nende nurk- ja lineaarmõõtmeid, suhtelist asendit ruumis; võimaldab vaadata pilte erinevate nurkade alt ja saada täieliku illusiooni tõeliselt vaadeldavatest objektidest.

5. Fotograafia žanrid

Natüürmort (prantsuse keelest nature morte, sõna otseses mõttes - surnud loodus) - elutute majapidamistarvete kujutis, mis tahes tegevuse atribuudid, lilled, puuviljad.
Natüürmorti žanr hakkas ilmet võtma kohe koos fotograafia tekkimisega.
Natüürmordi mõistmist mõjutas ka fotograafia valdamine oma spetsiifiliste, maalist erineva visuaalsete vahenditega. Avardus natüürmordi objektide ja motiivide ring, sellesse tungis üha enam kunstnikku ümbritsev argireaalsus. Natüürmorti ainetesse ilmusid teiste žanrite elemendid.
Natüürmort on leidnud väärilise koha paljude maailmafotograafia esindajate loomingus.

Maastik (Prantsuse paysage, alates pays - riik, piirkond) - žanr, milles pildi objektiks on loodus.
Maastikužanr, nagu natüürmort, hakkas kujunema hetkest, mil fotograafia sündis.
Maastikužanri kõrgkunstiliste teoste loomiseks on oluline selgelt mõista fotomaastiku tajumise iseärasusi. Elusat loodust tajume teatavasti erinevate meeltega, kuid peamiselt nägemisega. Nägemine on binokulaarne ja fotograafiaga võrreldamatu ei katvuse, tajutava heledusvahemiku ega värvide taasesituse poolest.
Maastiku pildistamisel on üks olulisemaid ülesandeid ruumi veenvalt edasi anda. Looduses näeme seda pidevana.
Igal maastikul on alati ühine muutuv element, millel on ainuvõim meie emotsioonide üle: see on taevas. Kogu maailma maastikukogemus annab tunnistust sellest, et maastikumaalija peaks pildistama taevast ja ... kõike muud.
Kui eredaid aktsente ei asetata, paistavad väikesed detailid liiga palju silma.
Monokroomfotograafias on suur tähtsus kasutatud paberi värvil. See võib meie assotsiatsioone tugevdada või aeglustada.
Tänapäeva amatöörfotograafia maastik kannatab sageli pildi põhjendamatu konventsionaalsuse all ja loodusesse kiiluvad tänapäevased atribuudid hävitavad täielikult selle vaimse printsiibi. See vastuolu võib aga olla aluseks keskkonnaplaanidele, mis ei saa jätta meie kaasaega ükskõikseks.
Sageli võib arhitektuurne maastik, eriti mälestiste mõtlematu hävitamise või loodusliku hävimise korral, omandada ajaloolise dokumendi väärtuse. Kultuuriökoloogia on fotograafi jaoks väga aktuaalne ja ülimalt oluline teema, mida tuleks ilmselt lahendada mõnes temperamendis uudses, toretsevas vormis.
Huvitavad on ka fotomaastikud, mis orgaaniliselt kaasavad inimest kogu tema isiklike ilmingute mitmekesisusse.
Maastikužanril on visuaalse eneseharimise jaoks suur tähtsus. Viimasel ajal, kui maalikunstis oli looduspilt kõrgelt hinnatud, oli sketšiõpe, pildiline looduse uurimine iseenesestmõistetav, isegi suurtele meistritele. Pealegi on see vajalik hariduse, traditsioonide ja koolita fotograafidele. Oleks naiivne eeldada, et ainult tehnoloogia abil saab metsa välja näha nagu mets või vihm pärast vihma. Loodust tuleb pidevalt fotograafiliselt uurida ja ligipääsetavas looduses “läbi lasta” kõikvõimalikud seisundid, saavutades nende visuaalse taasesituse positiivsel alusel. Siis muutuvad hinnalised ainulaadsed süžeed, mis on fotograafi praktikas üldiselt haruldased, kättesaadavamaks ja sagedasemaks. Suhtumine loodusesse selle hävimisohtu silmas pidades, aga ka suhtumine kultuurimälestistesse on tänapäeval muutumas. See on eeldus maastikužanri uuele elavnemisele, milles fotograafia on loonud kunstiväärtusi, milleks pole midagi muud.
Portree on läbi aegade olnud üks populaarsemaid kujutava kunsti liike ja fotograafia-eelsel ajastul, mis on kirjutatud kunstniku käega, oli see üldiselt ainus viis inimese välimust jäädvustada, seda mälestuseks säilitada. järglased. Dagerrotüüpia tulekuga muutus see kättesaadavamaks ja portreefotograafia sai kohe väga populaarseks, julgedes võistelda ja teatud määral edukalt maalikunstiga (ehkki sai kunstnikelt põlgliku hüüdnime “vaeste maalimine”).
Kui rääkida fotoportree žanri arengust tervikuna, siis kaks omadust - ühelt poolt inimese iseloomu olemusse tungimise sügavus ja soov taasloodud detailide ülima usaldusväärsuse järele. foto seevastu - on kogu fotograafia ajaloole omased fundamentaalsed.
Stuudiofotoportrees on selle žanri sordid laialdaselt esindatud. Ekspressiivse portree pooldaja oli M. Sherling: tema fotodel olid inimesed kõige sagedamini kujutatud tormilises sisemises liikumises. Pole juhus, et see meister valis modellideks need, kes on loomult võimsa temperamendiga.
A. Shterenberg on end tõestanud portreemaalija-tekstide kirjutajana. Valgusvahemikku kasutades eelistas ta fotodel ülilähivõtteid: nendel näeme enamasti vaid inimese pead. Silmad mängivad neis portreedes erilist rolli.

Reportaaž portree ... (sündmus, süüdlased, pulmad)
Stuudioportree moodustab nüüd poole žanrist. Teine pool sellest antakse reportaažportreele, mis on osa dokumentaalfotograafiast. Sellistes populaarsetes fotoajakirjanduse žanrites nagu essee, seeriad, reportaažid on üha sagedamini pilte-portreesid tõsielusündmustes osalejatest. Erinevalt stuudiotöödest, kus autoril on võime inimese välisandmeid fotograafiliste vahenditega tõsiselt ümber kujundada, on siin tugev dokumentaalne algus.
jne.................

Fotograafia fotograafia tüli.

Sageli tehakse pilte vaid selleks, et peatada mõni hetk, säilitada mälestust sündmustest või kohtadest, kus inimene on viibinud – me nimetame seda žanri "mina ja palm". Aga vahel tahaks pildistada midagi, mis äratab emotsioone sõltumata mälestustest, tahan teha pilti, mis ripub seinal justkui avaks akna mingisse teise maailma, kus me pole käinud ja vaevalt, et ka hakkame. Aken kunstimaailma.

Jah, jah, see on just see kunst, mille te ise lõite – mitte Michelangelo, mitte Saryan ega Malevitš – see olete teie. Miks mitte? See on kõigile kättesaadav. Sa pead lihtsalt tahtma.

See on neile, kes püüavad teha selline foto ja meie ABC tuleb kasuks. Kõik need teadmised on "Mina ja peopesa" klassi fotosessioonide jaoks absoluutselt ebavajalikud - kaasaegsed digikaamerad on nii lihtsalt kasutatavad ja seest nii keerulised, et võimaldavad ilma vähimagi pingutuseta, hingelise ülekoormuseta pildistada "elukroonikaid". - ja suurepäraste tulemustega, mida saate kasutada, täitke string lihava 10x15 albumiga.

Kuidas defineerida – kunst või mitte?

Kui teil on kellegi teise fotot vaadates kahju, et te seda ei teinud, on see kunst. Nali. Aga ainult peaaegu.

Oletame, et teame alati oma meistriteoseid – lihtsalt ärge püüdke end vastupidises veenda. Mõned fotograafid püüavad nii kõvasti saavutada absoluutset täiuslikkust, et lihtne tavaline õnn jäetakse tähelepanuta. Ja seeläbi vaesustada nii ennast kui meid. Teised, vastupidi, näevad iga oma pilti ainult roosas filtris ja jätavad end ilma kriitilise hinnangu luksusest.

Kui selliseid äärmusi õnnestub vältida (ja ekstreemsused on alati äärmiselt kahjulikud), siis tuleb lihtsalt kuulata oma sisehäält. Tema omadele. Ta ei peta sind kunagi. Lõppude lõpuks on peamine, et pilt teile endale meeldiks. Loojale.

Ja kui pilt meeldib, on see kunst. Ja tõeline kunst on väärt massidesse jõudmist – trükki ja maailma.

Trükkimine kui hinnaline tulemus

Teie imelisest fotost saab tõeline meistriteos alles pärast seda, kui olete selle vaatajale esitanud. Ehkki ajad on juba ukse ees, mil galeriides või korterite seintel ripuvad plasmapaneelid maalide eksponeerimiseks (lauaarvuti elektroonilisi raame müüakse poodides juba täies mahus), kuid kõige lihtsam viis meistriteose realiseerimiseks on siiski trükkimine.

Pärast enam-vähem odavate tindiprinterite tulekut sai võimalikuks fotode printimine otse kodus ja mis kõige tähtsam, sai võimalikuks kontrollida kvaliteeti ja printimisprotsessi.

Protsessi juhtimine on väga oluline. Tõenäoliselt on iga kaameraomanik vähemalt korra sattunud sellisesse olukorda: tulete laborisse fotosid vastu võtma ja nad ...

• liiga punane...
• liiga sinine...
• liiga pilvine!
• ... aga need pole üldse sinu fotod !!!

Seetõttu on kodus piltide printimine turvalisem. Peate kulutama raha paberile (mis on parem, seda kallim!) Ja tindile (mis on originaalsed - see tähendab teie printeri tootjalt, kuid on odavamad - see tähendab, mitte teie printeri tootjalt) .

Kodus kvaliteetse prindi tegemine pole lihtne. Esiteks tuleb printer ja monitor kalibreerida, mille jaoks peate kasutama spetsiaalseid seadmeid. Teil on vaja ka oskusi värvide haldamisel, kontrasti, värvi, küllastuse ja paljude muude pildi omaduste muutmisel. Selle kõige kohta saate lugeda meie ABC-st.

Seda kõike pole aga vaja ise teha – tuleb vaid leida professionaalid, kes mõistliku hinna eest kõik Sinu eest ära teevad. Viimasel ajal ilmub selliseid teenuseid üha rohkem. Siin on oluline mitte teha oma valikul viga. Ja selleks on jällegi kasulik lugeda meie ABC lõpuni - lõppude lõpuks, isegi kui te oma meistriteoseid ise ei töötle ega trüki, võimaldab nende tehnoloogiatega tutvumine teil teadlikult valida kõige professionaalsema teostaja. teie tellimustest.

Fotograafia kui kujutava kunsti vormi teoreetilised aspektid. Fotograafia arengulugu, liikide liigitus, väljendusvahendid fotograafias. Fotograafia üks eesmärke on anda edasi pildistamisobjekti sisemist olemust. Fotod on visuaalselt jäädvustatud eluhetkede hoidla ja toimivad põlvkondadevahelise lülina.

Kui see töö teile ei sobinud, on lehe allosas nimekiri sarnastest töödest. Võite kasutada ka otsingunuppu

Fotograafia kunst On üks tähelepanuväärsemaid kunstivorme tänapäeva maailmas. Sageli ajavad inimesed tõe segi kirg fotograafia vastu paljude enda piltidega. Tõeline armastus fotograafia vastu on midagi enamat kui foto "mina ja monument". Võimalus peatada aja vool mõnel hämmastaval hetkel, väljendada oma emotsioone ja tundeid ühes väikeses pildis, laiendada oma "mina" piire - see on see, millest see koosneb pildistamise oskus... Pildistamisest haaratuna hakkad vaatama maailma hoopis teise pilguga, avastades enda jaoks aina uusi piire. Vihmapiisa jäädvustamine nii, et inimene, kes pilte vaatab, kuuleb selle heli – see on tõsi fotod, selleks tasub õppida pildistamist.

Inimestele, kes alles hakkavad fotograafiaga tutvust tegema, tundub see üsna lihtne harjutus. Püüdsin raami kinni, vajutasin nuppu ja kõik, ülejäänu teevad digitehnoloogiad. Nüüd ei pea te nagu varem istuma tunde pimedas vannitoas, kus on palju lahendusi ja arendajaid, et näha oma töö tulemust. Tänapäeval, tõsi küll, tänu sellistele digikaameratele, nagu siin http://www.e-katalog.ru/list/206/panasonic/, ja muule tehnikale jääb fotograafi töö oluliselt vähemaks. Kuid kaamera on vaid vahend pildi loomiseks ja juba teeb meister sellest mitte ainult pildi, vaid terve loo.

tegelikult fotograafia kunst peidab endas palju peensusi ja nüansse. Sõna "" on kreeka keelest tõlgitud kui "valgusmaal" - tegelikult tähendab see valgusega maalimist, see selgitab veidi protsessi tehnilisi komponente. Kogu foto loomise tehnoloogia seisneb õige kompositsiooni, õige valgustuse ja foto enda leidmises. Seda kõike määrab ta ise, lähtudes oma oskustest ja võimetest ning loomulikult isiklikust maitsest.

Tänapäeval on meie maailma ilma fotograafiata raske ette kujutada. Iga inimene annab oma piltidele teatud tähenduse. Kellegi jaoks kunstifotograafia kunst- see on kõige väärtuslikum dokument, mis sisaldab kogu elulugu. Mõne jaoks on see viis jõuda maailma poole, viis rääkida. Kaasaegne fotograafia- see on suurepärane suhtlusviis, esiteks selle abil tutvustate ennast suurele hulgale inimestele ja teiseks on see dialoog iseendaga. Uurite ennast, oma emotsioone, loomingulisi võimalusi. Foto tekitab igas inimeses mingeid assotsiatsioone, mälestusi, uusi ideid enda ja ümbritseva reaalsuse kohta, võimaldab tal tõmmata teiste tähelepanu. Fotokunstis saab igaüks rääkida oma soovidest, tunnetest ja fantaasiatest ilma tagasi vaatamata.

Fotograafia kui kunsti arengus on olulisim aspekt objektiivne kriitika. Esiteks peab meister ise suutma eristada oma töö miinuseid eelistest. Sama olulist rolli mängib ka teiste kriitika. Mida pädevamalt ja autoriteetsemalt hakatakse kritiseerima algajate meistrite fototöid, seda kiiremini kaovad fotomaailmast tähelepanu hajuvad ja segavad kõrgkunsti loomist ja selle vaatlemist segavad amatöörlikud vaidlused.

Fotograafia žanr Tegelikult on see meistri eneseväljendus. Tõeline kunst ületab tavalise foto piirid. See võib kombineerida nii uusimaid meetodeid, nagu arvutigraafika, kui ka väga vanu materjale ja seadmeid – jämedateralist fotopaberit, toonimist, monokulaarseid objektiive. Igal juhul on fotograafiakunsti peamine tegur koht, mille see meie elus hõivab. Selliseid pilte ei tehta eritellimusel, need on loodud galeriidele ja erakogudele, see on põhiline erinevus amatöörfotograafia ja fotograafia vahel.

Tänapäeval ei kahtle meist keegi, et kunstfotograafia on kunst, mis peegeldab fotograafi kui kunstniku loomingulist visiooni. Ent ka fotograafia mitmekümne aasta pikkuse arengu koidikul oli terav küsimus, kas fotograafia saab seostada kunstiga või on see lihtsalt vahend meid ümbritseva maailma kohta teabe salvestamiseks ja edastamiseks.

Fotograafial kulus palju aastaid, et taastada oma koht kunstimaailmas koos skulptuuri, kino, maali ja teatriga. Kuid nüüd saab iga fotograaf väljendada oma suhtumist ümbritsevasse maailma ja nähtustesse selliste pildistamisvahendite kaudu nagu rakurss, värv või pildistamishetke valik.

Kui ilmusid esimesed fotojäljed, ei võtnud keegi fotograafiat tõsiselt. Teda peeti vaid lihtsaks hellitamiseks ja lapselikuks mänguks piiratud ringi inimeste jaoks. Esimestel aastatel pärast algust ei saanud fotograafia tehniliste piirangute tõttu pretendeerida ei dokumentaalsele kvaliteedile ega kunstilisele väärtusele ega valguslahenduste ja fotograafi loomingulise nägemuse vabadusele.

19. sajandil oli levinud arvamus, et kunsti alla saab liigitada ainult inimese tehtud tööd. Sellest tulenevalt ei saanud erinevate füüsikaliste ja keemiliste meetodite abil saadud fototrükised lihtsalt pretendeerida kunsti staatusele. Hoolimata sellest, et juba esimene fotograafide põlvkond püüdis oma fotode kompositsiooni mõne huvitava tehnika ja lähenemisega taaselustada, jäi fotograafia siiski avaliku arvamuse silmis lõbusaks nipsasjaks.

Tolleaegsed kriitikud pidasid fotograafiat vaid reaalsuse mehaaniliseks koopiaks, mis oli võimeline olema vaid kunstilise maalikunst. Kuni 1920. ja 1930. aastateni käsitleti artiklites ja väljaannetes tõsiselt küsimust, kas fotograafia on kunst või on see lihtsalt rakenduslik praktiline oskus, kus võtmerolli mängib tehnika, mitte fotograaf ise.

Fotograafia kui kunsti arengus võib eristada mitmeid perioode. Ka fotograafia arengu koidikul ei erinenud see palju maalikunstist ehk fotograafid püüdsid fotograafias kasutada neile tuttavaid maalitehnikaid. Nad pildistasid peamiselt monumentaalseid, liikumatuid objekte. Need esimesed fotopildid kuulusid portree või maastiku žanrisse. Lisaks on fotograafia 19. sajandil ajalehetööstuse esilekerkimise tõttu hõivanud teatud sündmuste lihtsate dokumentaalsete tõendite niši. Võib öelda, et tollal ei räägitud veel fotograafia väljendusrikkusest ja kunstilisusest. Millal sai fotograafiast päriselt kunst?

Tõenäoliselt ei saa täpset kuupäeva öelda. Kuid fotokunsti ajaloolased märgivad enda jaoks märkimisväärset sündmust, mis juhtus 1856. aastal. Seejärel tegi rootslane Oscar G. Reilander kolmekümnest erinevast retušeeritud negatiivist ainulaadse kombineeritud trükise. Tema foto pealkirjaga "Elu kaks teed" näis kirjeldavat iidset saagat kahe noore inimese ellu astumisest. Üks peategelane fotol pöördub erinevate vooruste, halastuse, religiooni ja käsitöö poole, teist aga, vastupidi, kannavad endasse sellised patused elurõõmud nagu hasartmängud, vein ja amoraalsus. See allegooriline foto sai koheselt laialt tuntuks. Ja pärast näitust Manchesteris omandas kuninganna Victoria ise prints Alberti kollektsiooni jaoks Reylanderi foto.

Selle kombineeritud foto võib õigustatult omistada ühele esimestest iseseisvatest fotograafiaga seotud töödest. Oscar G. Reilanderi loominguline lähenemine toetus loomulikult Rooma Akadeemias saadud klassikalisele kunstiajalooharidusele. Tulevikus seostuvad tema nimega erinevad katsed fotomontaažiga, topeltsärituse arendamisega ja vapustava mitme säritusega fotograafiaga.

Reilanderi juhtumit jätkas andekas kunstnik ja fotograaf Henry Peach Robinson, kes sai tuntuks viie negatiiviga tehtud kombineeritud fotoga "The Walking Out". Sellel kunstifotol on näha tugitoolis suremas tüdrukut, kelle kohal seisavad kurvalt ema ja õde ning isa vaatab avatud aknast välja. Pilti "Lahkumine" kritiseeriti tõe moonutamise pärast, kuid sellest hoolimata sai see laialt tuntuks. Inglise kuninglik õukond omandas selle kohe ja kroonprints andis Robinsonile isegi püsikorralduse ühe sellise foto väljatrükkimiseks.

Robinsonist endast sai Inglismaa ja Euroopa juhtiv nn pildifotograafia esindaja. See fotograafia suund omas fotograafias domineerivat positsiooni kuni 20. sajandi esimese kümnendini. Pildifotograafias kasutati palju pildiefekte ja -võtteid.

Peab ütlema, et fotograafia ei suutnud pikka aega lahkuda maalikunsti "varjust". Fotograafia kui iseseisva kunsti kujunemisele eelmise sajandi alguses aitasid aga suuresti kaasa regulaarsed näitused, millel lihtsate kaunite kaadrite kõrval võis vaataja näha huvitavaid fotosid, mis väärivad «kunstiteose» tiitlit. Üks esimesi selliseid rahvusvahelisi näitusi oli tagasihoidliku nimega 291 fotogalerii, mille avas Alfred Stiglitz 1905. aastal New Yorgis. See oli tõeline kaasaegse kunsti näitus, kus kuulsate kunstnike nimed olid fotograafidega samal tasemel.

1920. ja 1930. aastate algusega algas fotokunstis uus periood, mis oli otseselt seotud ajalehtede ja ajakirjade massilise ilmumisega. Fotograafia muudab oma stiili dokumentaalfilmide ja reportaažide kasuks. Dokumentaalne ja kunstiline teostus põimusid fotograafias järk-järgult ühtseks tervikuks. Ilmus uus põlvkond fotograafe, kes läbi reportaaži- ja dokumentaalfotograafia tegid igapäevaselt oma riigi ja kogu maailma ajalugu. Sel perioodil oli fotograafias kunstiline väljendusvõime ideoloogilise ja sotsiaalse komponendiga tihedalt seotud.

Fotograafiast saab teatud ajaloolise tõe kandja, tegelike sündmuste peegeldus. Mitte ilmaasjata ei olnud 1920.–1930. aastatel erilise väärtusega erinevad plakatid, fotoalbumid ja ajakirjad. Just neil aastatel hakkasid tekkima fotograafide kogukonnad ja seltsid, mis püüdsid muuta fotograafiat iseseisvaks kunstivormiks.

Meie riigis aga need positiivsed protsessid 30ndate lõpus olid tegelikult külmunud. Raudne eesriie eraldas Venemaa fotograafia pikka aega rahvusvahelise kunstielu suundumustest. Andekad nõukogude fotograafid olid sunnitud tegelema ainult sotsrealistliku fotograafiaga. Teise maailmasõja ajal külastasid paljud neist lahingurinnet ja suutsid jäädvustada meeldejäävaid hetki suurest võidust filmilindile.

60ndatel ja 70ndatel hakati fotosid taas käsitlema iseseisvate kunstiteostena. See on fotorealismi ja erinevate fototehnoloogiate ja kunstitehnikatega julgete katsetuste ajastu. Sellest ajast alates said kõik avalikkuse tähelepanu perifeerias olnud fotograafia suunad lõpuks õiguse esineda kunstis iseseisva kunstiväärtusena. Ilmuvad uued fotograafia žanrid, mille võtmehetkeks saavad autori kavatsus ja fotograafi loominguline nägemus. Tuntud tolleaegsed fotograafid hakkasid oma kunstitöös puudutama selliseid ikoonilisi sotsiaalseid probleeme nagu sotsiaalne ebavõrdsus, vaesus, lapstööjõu ärakasutamine ja paljud teised.

Järgmise fotograafia revolutsiooni eest võlgneme ülemineku filmilt digikaameratele. Digitaalne pildivorming on võimaldanud fotograafidel eemalduda neid ümbritseva tegelikkuse lihtsast peegelpildist. Digikaamerate, arvutite ja graafiliste toimetajate tulekuga suutis fotograaf oma pilte ümber kujundada nii, et vaatajal oli võimalus tutvuda pildi looja loomingulise nägemusega ja sukelduda tema sürreaalsesse maailma. . Kuigi fotograafia on tänapäeval muutunud massiliseks nähtuseks, on fotograafia kui kunsti jaoks endiselt oluline selektiivsus ja eriline isiklik "nägemus", mis võimaldab inimesel fotograafiliste vahenditega luua tõelise kunstiteose.

Vaatamata sellele, et digikaameraga saab mõne minutiga teha mitusada pilti, ei saa loomulikult iga kaadrit kunstiliseks liigitada. Kaasaegne fotokunstnik väljendab oma nägemust maailmast või autori kavatsusest ettenägeliku, oskusliku valguse ja varju mängu, võttehetke peene valiku ja muude tehnikate kaudu. Seega jääb fotokunsti keskmesse fotograaf, mitte tehnik. Ainult inimene suudab pildile panna osa oma sisemaailmast, nii et pilt “kasvab” uute emotsioonidega ja paljastab fotograafi enda ande.