ประวัติศาสตร์การวาดภาพ: เอ็ดวาร์ด มุงค์ การสุกแก่ (จิตรกรรม) Edvard Munch ความหมายของการสุกแก่ของภาพเขียน

แฟรงก์ ฮอยเฟิร์ด

พาโนรามานานาชาติ

หมายเลขนิตยสาร:

“THE SCREAM” โดย EDWARD MUNK คือรูปลักษณ์ที่แท้จริงของผู้ชายยุคใหม่ ซึ่งเกือบจะเป็นภาพที่โด่งดังที่สุดในโลก ซึ่งเป็นผลงานอันเป็นเอกลักษณ์ของการแสดงออก ภาพนี้เป็นภาพที่สะท้อนถึงความเปราะบางและโศกนาฏกรรมของการดำรงอยู่ของมนุษย์ MUNK (1863-1944) มีส่วนร่วมอย่างสร้างสรรค์กับ VINCENT VAN GOGH และ PAUL GAUGIN มุ่งมั่นสร้างสรรค์งานศิลปะใหม่อันล้ำลึกและแท้จริง วันนี้ "เสียงกรีดร้อง" ของเขาได้กลายมาเป็นหนึ่งในภาพที่โด่งดังที่สุด - มันเป็นส่วนหนึ่งของวัฒนธรรมพื้นบ้าน และในขณะเดียวกัน "การจัดสรร" ที่น่าขันของลัทธิหลังสมัยใหม่ สุดขั้วทั้งสองนี้เกี่ยวข้องกับการทำความเข้าใจบริบทของราคาที่น่าประทับใจสูงถึง 120 ล้าน เงินดอลลาร์ที่จ่ายในฤดูใบไม้ผลิ 2555 สำหรับภาพสีพาสเทลนี้ ความรุ่งโรจน์ของ “THE SCREAM” มีมากกว่าความรุ่งโรจน์ของผู้แต่ง แม้ว่าจะอยู่ในนิทรรศการระดับนานาชาติขนาดใหญ่ ซึ่งสาธารณชนค่อนข้างตระหนักดีถึงมรดกทางการสร้างสรรค์ของมังค์ ช่องว่างดังกล่าวดูเหมือนจะไม่เกิดขึ้น การนำเสนอผลงานของมังค์ที่น่าทึ่งที่สุดเกิดขึ้นในออสโลในฤดูร้อนปี 2556 ในโอกาสครบรอบ 150 ปีวันเกิดของศิลปิน

Munch เติบโตขึ้นมาในเมืองหลวงของนอร์เวย์ Christiania (ต่อมาคือ Christiania จากออสโลในปี 1925) พ่อของเขาซึ่งเป็นแพทย์ทหาร เป็นคนเคร่งศาสนามาก แม่ของเขา (อายุน้อยกว่าสามี 20 ปี) เสียชีวิตด้วยโรควัณโรคเมื่อเอ็ดเวิร์ดอายุได้ห้าขวบ โซฟี น้องสาวของเขาเสียชีวิตด้วยโรคเดียวกันเมื่ออายุ 15 ปี น้องสาวของลอร่าได้รับการวินิจฉัยว่าเป็นโรคทางจิตตั้งแต่อายุยังน้อย บราเดอร์แอนเดรียสเสียชีวิตด้วยโรคปอดบวมเมื่ออายุ 30 ปี และเอ็ดเวิร์ดมีสุขภาพไม่ดีตั้งแต่ยังเด็ก ความสำคัญของสถานการณ์ทั้งหมดนี้สำหรับงานของ Munch ไม่สามารถโต้แย้งได้ แต่เขาหันกลับมาโดยเฉพาะในช่วงทศวรรษที่ 1890 ไปสู่ความทรงจำอันน่าเศร้าในวัยเด็กของเขา ทั้งในภาพที่แสดงออกและในบทกวี: "ความเจ็บป่วย ความบ้าคลั่ง และความตายเป็นเทวดาสีดำ ที่เปลของฉัน"1. ด้วยเหตุนี้ เราจึงอดไม่ได้ที่จะยอมรับว่าครอบครัวของเขาพร้อมสนับสนุนแรงบันดาลใจทางวัฒนธรรมของเขา ในเดือนพฤษภาคม พ.ศ. 2427 ลอร่าน้องสาวของเขาเขียนในสมุดบันทึกของเธอว่าเธอไปที่ห้องสมุดและนำบทละครของเฮนริกอิบเซ่นเรื่อง "ซีซาร์และกาลิเลียน" มาให้พี่ชายที่ป่วยของเธอซึ่งเป็นงานที่ค่อนข้างจริงจังและยากสำหรับเด็กชายอายุยี่สิบปีที่จะเข้าใจ 2 .

ยุค "รัสเซีย"
Munch สามารถใช้ประโยชน์จากโอกาสที่จำกัดมากซึ่งนอร์เวย์ในขณะนั้นมอบให้กับศิลปินผู้ทะเยอทะยาน โดยเฉพาะอย่างยิ่งการศึกษาด้านศิลปะโดยไม่มีค่าใช้จ่าย ครูของเขากลายเป็น Christian Krogh นักสัจนิยมผู้แข็งขัน - อิทธิพลนี้ค่อนข้างเห็นได้ชัดเจนในผลงานยุคแรก ๆ ของ Munch ในปีพ. ศ. 2428 Munch ก้าวไปสู่ระดับใหม่ของความคิดสร้างสรรค์โดยสร้างภาพวาด "The Sick Girl" ซึ่งเป็นการแตกหักอย่างเด็ดขาดด้วยภาษาแห่งความสมจริง เมื่อนึกถึงโซฟี น้องสาวของเขา เขาเล่าถึงวิธีที่เขาพยายามรื้อฟื้น "ความประทับใจแรกพบ" วิธีค้นหาภาพที่ยอมรับได้เทียบเท่ากับความทรงจำอันเจ็บปวดส่วนตัว 3 เมื่อละทิ้งเปอร์สเปคทีฟและการสร้างแบบจำลองเชิงปริมาตร เขาจึงมาถึงรูปแบบการเรียบเรียงใกล้กับไอคอน ในเนื้อสัมผัสของงาน มองเห็นร่องรอยของกระบวนการทำงานที่ยาวนานและต้องใช้แรงงานเข้มข้นได้ชัดเจน นักวิจารณ์อย่างเป็นทางการไม่ยอมรับงานนี้ โดยพูดค่อนข้างรุนแรงเกี่ยวกับเรื่องนี้ ดังนั้นหลังจากที่ Munch นี้กลายเป็นสิ่งที่น่ากลัวในหมู่ศิลปินรุ่นเยาว์

กลางทศวรรษที่ 1880 มีการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ในชีวิตและมุมมองทางศิลปะของเขา ในเวลานี้ Munch เริ่มสื่อสารกับกลุ่มอนาธิปไตยหัวรุนแรงจาก Christiania - ต้องยอมรับว่าพวกเขาไม่มีอะไรมากไปกว่าเงาสีซีดของคนรุ่นราวคราวเดียวกันซึ่งเป็นพวกทำลายล้างจากเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก 4 วรรณกรรมรัสเซียในเวลานั้นได้รับชื่อเสียงอย่างมากดังนั้นจึงไม่น่าแปลกใจที่ในปี พ.ศ. 2426 นวนิยายของ F.M. ได้รับการแปลเป็นภาษานอร์เวย์ ดอสโตเยฟสกี "อาชญากรรมและการลงโทษ" การสำรวจความลึกของจิตวิทยามนุษย์ของหนังสือเล่มนี้ดึงดูดความสนใจของ Munch ทันที: "บางหน้าเป็นงานศิลปะอิสระ" เขาเขียนในจดหมายถึงเพื่อน 5 . ต่อมา เมื่อมองย้อนกลับไปในช่วงทศวรรษปี 1880 เขาจะถามว่า “เมื่อใดจะมีใครสามารถอธิบายช่วงเวลาเหล่านั้นได้? ต้องใช้ Dostoevsky หรืออย่างน้อยก็ส่วนผสมของ Krogh, Jaeger และบางทีอาจจะเป็นตัวฉันเองในการอธิบายอย่างน่าเชื่อถือเช่นเดียวกับที่ Dostoevsky ทำกับตัวอย่างของเมืองไซบีเรียในรัสเซีย พืชพรรณใน Christiania - ไม่เพียงแต่ในตอนนั้นเท่านั้น แต่ยังรวมถึงตอนนี้ด้วย” 6 ในคริสเตียเนีย ฮันส์ เยเกอร์เป็นบุคคลสำคัญของโบฮีเมีย เขาถูกตัดสินให้จำคุกด้วยข้อหานวนิยายเร้าใจ ซึ่งเป็นกุญแจสำคัญจากชีวิตของโบฮีเมียคนเดียวกัน Munch ไม่เพียงแต่วาดภาพเหมือนของ Jaeger ในปี 1889 เท่านั้น แต่ยังได้รับแรงบันดาลใจจากข้อกำหนดของโปรแกรม "คุณต้องอธิบายชีวิตของคุณ" เขาเริ่มจดบันทึกโดยละเอียด

ฝรั่งเศส
หลังจากนิทรรศการเดี่ยวครั้งใหญ่ในปี พ.ศ. 2432 Munch ได้รับทุนรัฐบาลเพื่อสำเร็จการศึกษาในต่างประเทศ เขาใช้เวลาสามฤดูหนาวถัดไปในฝรั่งเศส ที่นั่นเขาได้เห็นความก้าวหน้าของโพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์และการทดลองต่างๆ ที่มุ่งต่อต้านการยึดติดกับธรรมชาติอย่างไร้เหตุผล ซึ่งช่วยให้เขารู้สึกเป็นอิสระ: “กล้องไม่สามารถแข่งขันกับพู่กันและจานสีได้ เพราะมันใช้ไม่ได้ทั้งในนรกหรือในสวรรค์” 7.

ในงาน "Night in Saint-Cloud" ร่างที่โดดเดี่ยวในการตกแต่งภายในที่มืดมิดซึ่งแสดงด้วยโทนสีน้ำเงินเข้มชวนให้นึกถึงความกลมกลืนของกลางคืนของ James Whistler - นี่คือการตอบสนองต่อข่าวที่ได้รับในเดือนพฤศจิกายนเกี่ยวกับการเสียชีวิตอย่างกะทันหันของ พ่อของเขา. มีเสียงสะท้อนที่ชัดเจนจากบันทึกประจำวันของ Munch ที่เกิดขึ้นในช่วงแรกที่เขาอยู่ต่างประเทศ ซึ่งได้ยินถึงความสำนึกผิดอย่างต่อเนื่อง นักวิจารณ์มีมติเป็นเอกฉันท์เชื่อมโยงภาพวาดของ Munch กับแนวคิดเรื่อง "ความเสื่อมโทรม" ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษโดยไม่ต้องลงรายละเอียดเกี่ยวกับชีวประวัติ

ในการวาดภาพถนนในปารีสและถนนคาร์ลโยฮันซึ่งเป็นทางสัญจรหลักในคริสเตียเนีย - Munch เริ่มใช้เทคนิคการวาดภาพแบบอิมเพรสชั่นนิสต์และแบบ pointillist และ French Riviera ได้รับความงามอันตระการตาทั้งหมดที่มีอยู่ในจานสีของเขา

ในช่วงแรกที่เขาอยู่ในฝรั่งเศส Munch วาดภาพเหมือนผู้สูงศักดิ์และนักพรตของ Inger น้องสาวของเขารวมถึงภาพหลักของ "The Kiss" และ "ยามเย็นบนถนน Karl Johan" ที่มืดมน - อาจเป็นงานที่สองของเขาใน ซึ่งการเปลี่ยนจากความสมจริงไปสู่การแสดงสัญลักษณ์นั้นค่อนข้างชัดเจน: “สัญลักษณ์คือธรรมชาติที่แกะสลักโดยสภาวะของจิตวิญญาณ” 8. ถนนสายหลักของเมืองหลวงของนอร์เวย์ถูกเปลี่ยนให้เป็นฉากหลังที่น่าสะพรึงกลัวเพื่อถ่ายทอดอารมณ์โศกนาฏกรรมของชีวิตในเมืองสมัยใหม่

โลกทัศน์ที่คล้ายคลึงกันแทรกซึมอยู่ในนวนิยายเรื่อง "Hunger" ที่เป็นที่รู้จักกันอย่างแพร่หลาย ซึ่งเขียนโดยคนุต ฮัมซุน นักเขียนเพื่อนที่ดีคนหนึ่งของ Munch ซึ่งทั้งสองคนทำงานร่วมกันอย่างใกล้ชิดในช่วงทศวรรษที่ 1890 แฮมซันยังเป็นแฟนตัวยงของผลงานของดอสโตเยฟสกีด้วย นักวิจารณ์พยายามกล่าวหาว่า Hamsun ลอกเลียนแบบหลังจากการตีพิมพ์เรื่องแรกของเขาเรื่อง "Excitement" (1889) โดยเห็นว่ามีความคล้ายคลึงกับนวนิยายเรื่อง "The Gambler" ของ Dostoevsky ในปี พ.ศ. 2435 Munch (ที่คาสิโนมอนติคาร์โล) พยายามจับภาพการติดการพนันทั้งในรูปแบบภาพและคำพูด 9

เบอร์ลิน
ในปี พ.ศ. 2435 Munch ได้รับข้อเสนอที่ไม่คาดคิดให้จัดแสดงภาพวาดของเขาในกรุงเบอร์ลิน เรื่องอื้อฉาวครั้งใหญ่ตามมาหลังจากนั้นชื่อของ Munch ก็ได้รับชื่อเสียงในเมืองหลวงของเยอรมัน ตัดสินใจที่จะอยู่ในเมืองนี้เขาได้เข้าร่วมกับกลุ่มศิลปินและปัญญาชนที่มีชื่อเสียงในขณะนั้นซึ่งรวมตัวกันในร้านกาแฟ "At the Black Pig" - หนึ่งในขาประจำ ได้แก่ นักเขียนบทละครชาวสวีเดน August Strindberg และนักเขียนชาวโปแลนด์ Stanislav Przybyszewski ในสภาพแวดล้อมที่สร้างสรรค์นี้ Munch ได้พัฒนาแนวสัญลักษณ์ที่แสดงออกของตัวเอง และสร้างผลงานที่โด่งดังในเวลาต่อมาจำนวนหนึ่ง เช่น "Starry Night", "The Voice", "Death of a Patient", "Woman", "Anxiety" และ "Vampire ". Munch จำลองต้นฉบับที่เสียหาย โดยทาสี "Puberty" เวอร์ชันใหม่สองเวอร์ชัน ซึ่งเป็นภาพวาดเด็กสาวเปลือยนั่งหันหน้าไปทางผู้ชมที่ขอบเตียงและเอาฝ่ามือปิดอวัยวะเพศของเธอ ขณะที่เงามืดที่เป็นลางไม่ดียืนอยู่ข้างหลังเธอ 10 The Scream เวอร์ชันคลาสสิกเขียนในกรุงเบอร์ลินด้วย ที่นี่ร่องรอยของความสมจริงหายไป: ภูมิทัศน์กลายเป็นการวางซ้อนกันของเฉดสีเส้นหยักเส้นหยักทำให้ขาดพื้นที่ของความรู้สึกมั่นคงและร่างหลักก็กลายเป็นสัญลักษณ์ดั้งเดิมซึ่งปรากฏต่อหน้าผู้ชมในฐานะสัญลักษณ์ของ ความสยองขวัญดั้งเดิม ตามตัวอย่างของข้อเปล่า ๆ ที่เพื่อนวรรณกรรมของเขาเขียนใน Christiania Munch มาพร้อมกับภาพวาดพร้อมข้อความที่เหมาะสมโดยบรรยายถึงประสบการณ์ที่เขาเคยประสบ - พระอาทิตย์ตกที่ทำหน้าที่เป็นตัวกระตุ้นให้เขาไปสู่การเปิดเผยที่น่ากลัว:“ ฉันกำลังเดินอยู่ กับเพื่อนสองคนบนถนน - พระอาทิตย์กำลังลับขอบฟ้า... ฉันรู้สึกเหมือนธรรมชาติถูกแทงด้วยเสียงกรีดร้องอันทรงพลังและไม่มีที่สิ้นสุด” 11 บางทีผลงานที่โด่งดังที่สุดของมันช์อาจได้รับความคิดเห็นและการตีความที่หลากหลาย ด้วยมุมมองที่หลากหลาย สิ่งสำคัญคือสิ่งสำคัญในภาพคือความสามารถในการกระตุ้นประสบการณ์ส่วนตัวที่ลึกซึ้งในตัวผู้ดู 12 "The Scream" รวมอยู่ในซีรีส์เรื่อง "Love" ซึ่งนำหน้าวงจร "Frieze of Life" ในปีพ.ศ. 2438 นิทรรศการขนาดใหญ่ในคริสเตียเนียก่อให้เกิดเรื่องอื้อฉาวอย่างแท้จริง จนถึงจุดที่สุขภาพจิตของศิลปินถูกตั้งคำถาม Munch ได้รับการปกป้องอย่างกระตือรือร้นจากเพื่อนของเขา ซึ่งเป็นกวี Sigbjörn Obstfelder เมื่อนักเขียนบทละคร Henrik Ibsen ซึ่งมีชื่อเสียงไปทั่วโลกในขณะนั้นได้ไปเยี่ยมชมนิทรรศการ เพื่อแสดงความเห็นอกเห็นใจและสนับสนุนศิลปิน จึงสร้างความประทับใจให้กับ Munch อย่างลึกซึ้ง เคี้ยวจะอ้างในภายหลังว่าภาพวาดของเขา Woman (1894) เป็นแรงบันดาลใจสำหรับละครเรื่องสุดท้ายของ Ibsen เมื่อเราตาย Awaken หอศิลป์แห่งชาติได้รับภาพเหมือนตนเองด้วยบุหรี่ ซึ่งเป็นผลงานชิ้นเดียวกับที่จุดประกายให้เกิดการถกเถียงเกี่ยวกับสุขภาพจิตของมุงค์ ไม่น่าแปลกใจเพราะภาพวาดนี้แสดงให้เห็นชายหนุ่มชนชั้นสูงที่โผล่ออกมาจากหมอกสีฟ้าลึกลับซึ่งบุหรี่ในมืออันสง่างามดูเหมือนจะสั่นไหวจากภาวะภูมิไวเกินและภูมิไวเกิน จุดศูนย์กลางของการโต้เถียงเกี่ยวกับนิทรรศการนี้คือ "Woman in Ecstasy" หรือ "Madonna" อันโด่งดัง “แสงจันทร์ส่องผ่านใบหน้าของคุณ - เต็มไปด้วยความงามและความเจ็บปวดของโลก” Munch เขียนในข้อความที่แนบมา “เพราะความตายทอดพระหัตถ์แห่งชีวิตออกไป นั่นคือโซ่ตรวนที่เชื่อมโยงคนนับพันรุ่นที่ล่วงลับไปแล้วกับอีกหลายพันรุ่นที่ยังมาไม่ถึง” “สำหรับฉัน มาดอนน่าของเขาคือศูนย์รวมของงานศิลปะของเขา” Obstfelder ให้ความเห็น “ในความคิดของฉัน การรับรู้ทางศาสนาอย่างลึกซึ้งของผู้หญิง การเชิดชูความงามแห่งความทุกข์ทรมานเช่นนี้สามารถพบได้ในวรรณคดีรัสเซียเท่านั้น” 13

ภาพแกะสลักและปารีส
มาดอนน่าได้รับการแปลเป็นการพิมพ์หินในปี พ.ศ. 2438 เช่นเดียวกับ The Scream ภาพพิมพ์หินที่มีชื่อเสียงอีกภาพหนึ่งจากยุคเบอร์ลินคือ ภาพเหมือนตนเองด้วยมือโครงกระดูก ปกตั้งทรงกลมสีขาวและศีรษะซึ่งโดดเด่นอย่างสดใสตัดกับพื้นหลังกำมะหยี่สีดำ ทำให้ภาพนี้มีความคล้ายคลึงกับนักบวช ชื่อและปีที่ถูกจารึกไว้ด้านบนสามารถอ่านได้ว่าเป็นคำจารึก โดยเฉพาะอย่างยิ่งเนื่องจากมันสะท้อนถึงความทรงจำอันเศร้าหมอง ซึ่งก็คือมือของโครงกระดูกที่อยู่ด้านล่างสุดของงาน ความคล้ายคลึงกันอย่างเป็นทางการของภาพพิมพ์หินนี้กับภาพพิมพ์แกะไม้โดยศิลปินชาวสวิส Felix Vallotton มักถูกเน้นย้ำ - และนี่แทบจะไม่ใช่เรื่องบังเอิญเลย โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อผลงานของ Vallotton เป็นภาพเหมือนของ Dostoevsky

การทดลองครั้งแรกของ Munch ในด้านกราฟิกสิ่งพิมพ์เป็นงานแกะแกะโดยอิงจากอาสาสมัครจากภาพวาดของเขาเอง ในไม่ช้าเขาก็หันมาสนใจการพิมพ์หิน โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อมาถึงปารีสเมื่อต้นปี พ.ศ. 2439 เขาสามารถเข้าถึงเครื่องพิมพ์และแท่นพิมพ์ที่ดีที่สุดในยุคนั้นได้ ในขณะที่สร้าง "The Sick Girl" เวอร์ชันใหม่ที่ได้รับมอบหมายจากนักสะสมชาวนอร์เวย์ Munch ยังได้พิมพ์หินจากภาพนั้น โดยจำกัดตัวเองให้แสดงภาพศีรษะของหญิงสาวในโปรไฟล์เท่านั้น ผลงานนี้พิมพ์ด้วยการผสมสีต่างๆ และได้รับการยกย่องอย่างสูงในมรดกของ Munch ด้วยแนวทางที่สร้างสรรค์ในเทคนิคการแกะสลักไม้ เขาเลื่อยกระดานเพื่อพิมพ์หลายสีพร้อมกัน - Paul Gauguin ใช้เทคนิคที่คล้ายกัน ตัวอย่างคืองาน "To the Forest" หลายเวอร์ชันซึ่งแตกต่างกันบ้าง แต่สามารถเรียกได้อย่างปลอดภัยไม่เพียง แต่แม่นยำและแสดงออกเท่านั้น แต่ยังละเอียดอ่อนอย่างผิดปกติจากมุมมองเชิงสุนทรีย์

ในปารีส Munch ได้สร้างภาพกราฟิกของกวีที่คุ้นเคยหลายคน รวมถึงโปสเตอร์และรายการสำหรับผลงานสองเรื่องของ Ibsen ที่ Theatre de I "Oeuvre) แต่คำสั่งในการเตรียมภาพประกอบสำหรับ "flowers of evil" ของ Charles Baudelaire ไม่เคยคืบหน้า ในปี พ.ศ. 2440 Sergei Diaghilev ผู้มีชื่อเสียงและ "พยาบาลผดุงครรภ์" แห่งศิลปะสมัยใหม่ได้จัดนิทรรศการศิลปะสแกนดิเนเวียในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก โดยมีภาพเหมือนตนเองของ Munch จากปี พ.ศ. 2438 ในจดหมายถึง Munch Diaghilev ขอ การรวมสิ่งใหม่ในเวอร์ชันนิทรรศการของ "The Sick Girl" 14. "ใครคือ Diaghilev คนนี้ไม่มีใครรู้จักเขา" - ความคิดเห็นดังกล่าวปรากฏใน Aftenposten หนังสือพิมพ์ชั้นนำของ Christiania - ความคิดเห็นที่สงสัยอย่างชัดเจนเกี่ยวกับรัสเซียแปลกหน้าและของเขาที่เท่าเทียมกัน การเลือกผลงานแปลก ๆ Diaghilev เลือกจากทุกสิ่งใหม่ใหม่ล่าสุด: "ใคร ๆ ก็บอกว่ายังไม่เสร็จ" นักวิจารณ์บ่นโดยทำซ้ำการประเมินเชิงวิพากษ์ผลงานของ Munch ที่มักปรากฏใน Aftenposten 15 .

ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ
ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 ซึ่งเป็นช่วงเวลาของการทดลองอย่างไม่หยุดยั้ง Munch ทุ่มเทพลังงานให้กับโครงการ "Frieze of Life" มากขึ้นเรื่อย ๆ และสร้างผืนผ้าใบตกแต่งขนาดใหญ่จำนวนหนึ่ง หนึ่งในนั้นคือ "การเผาผลาญ" - ถูกนำเสนอต่อสาธารณชนเป็นครั้งแรกภายใต้ชื่อ "อาดัมและเอวา" ซึ่งแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนว่าตำนานในพระคัมภีร์เกี่ยวกับการล่มสลายของมนุษย์มีความสำคัญเพียงใดในการสร้างมุมมองในแง่ร้ายของ Munch (ถ้าคุณชอบปรัชญา ) เกี่ยวกับความรัก ชื่อ "The Empty Cross" หรือ "Calvary" (ทั้งสองสร้างในราวปี 1900) บ่งบอกถึงทั้งการเลี้ยงดูทางศาสนาที่ Munch ได้รับตั้งแต่ยังเป็นเด็ก และเป็นหนึ่งในแนวโน้มอภิปรัชญาหลักที่มีลักษณะเฉพาะของทศวรรษสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 "การเต้นรำแห่งชีวิต" แสดงถึงการเปลี่ยนแปลงที่กล้าหาญและเฉพาะตัวของ Munch ในสไตล์นาบิสต์สังเคราะห์ และในขณะเดียวกันก็กลับมาสู่ผลงานของเขาเองเมื่อหกปีก่อน "Woman" ชุดทิวทัศน์ของ Christiania Fjord ที่เขาวาดในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ ตกแต่งและในเวลาเดียวกันก็เย้ายวน แสดงถึงจุดสุดยอดของสัญลักษณ์ของสแกนดิเนเวีย ฤดูร้อนหน้า Munch จะเขียนหนังสือเรียนเรื่อง "Girls on the Bridge" ใน Åsgårdstrand ซึ่งอาจจะเป็นวิชาโปรดของเขาก็ได้

ความสำเร็จและวิกฤต
ในช่วงปีแรกของศตวรรษใหม่ อาชีพของ Munch ค่อนข้างประสบความสำเร็จ และเขาก็ได้รับชื่อเสียงในเยอรมนี ในนิทรรศการ Berlin Secession ในปี 1902 เขาได้จัดแสดง "Frieze" ครบชุดเป็นครั้งแรก: "The Birth of Love", "The Rise and Decline of Love", "The Fear of Life" และ "Death" 16 การถ่ายภาพบุคคลมีบทบาทสำคัญในช่วงเวลานี้ของงานของเขาซึ่งทำให้ศิลปินมีความมั่นคงทางการเงิน The Sons of Dr. Linde เป็นผลงานชิ้นเอกของการวาดภาพบุคคลสมัยใหม่ งานนี้ได้รับมอบหมายให้สนับสนุนศิลปินซึ่งเป็นท่าทางอันล้ำค่าอย่างแท้จริง อย่างไรก็ตามความสำเร็จทางศิลปะของเขามาพร้อมกับความขัดแย้งภายใน: Munch ต้องทนทุกข์ทรมานจากผลที่ตามมาจากเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ซึ่งจบลงในปี 2445 ด้วยการทะเลาะวิวาทกันอย่างรุนแรงและบาดแผลจากกระสุนปืนโดยไม่ได้ตั้งใจหลังจากนั้นนิ้วหนึ่งของมือซ้ายของเขาพิการอย่างถาวร . ศิลปินดับความคิดครอบงำที่ทำให้จิตใจของเขาบอบช้ำด้วยแอลกอฮอล์

ในปี 1906 หลังจากการเสียชีวิตของ Henrik Ibsen Munch ได้รับค่าคอมมิชชั่นสำหรับชุดภาพร่างสำหรับการผลิต Ibsen's Ghosts ของ Max Reinhardt ที่ Deutsches Theatre ในกรุงเบอร์ลิน “ภาพเหมือนตนเองพร้อมขวดไวน์” ที่เปิดเผยตัวเองซึ่งเขียนขึ้นในปีเดียวกัน ชี้ให้เห็นอย่างชัดเจนถึงความคล้ายคลึงของ Munch กับ Oswald ตัวละครหลักของละครของ Ibsen เมื่อถึงเวลานั้น ชื่อเสียงของศิลปินก็เพียงพอแล้วสำหรับนักประวัติศาสตร์ศิลป์ Gustav Schiefler ที่จะเริ่มรวบรวมแคตตาล็อกผลงานกราฟิกของดาวรุ่งรายนี้ ในขณะที่ Munch เองก็ใช้เวลามากขึ้นในเมืองตากอากาศของ Thuringia พยายามเอาชนะโรคพิษสุราเรื้อรังและรับมือกับ อาการทางประสาท.

Munch ใช้เวลาช่วงฤดูร้อนในปี 1907 และ 1908 ในเมือง Varna-münd บนชายฝั่งทะเลบอลติก ที่นั่นมีการนำโครงการสำคัญสำหรับเขาคือ "Bathers" ซึ่งเป็นภาพลักษณ์ที่เร้าใจของพลังชาย งานนี้เสร็จสิ้นในสไตล์Cézanneที่สร้างสรรค์ อย่างไรก็ตาม วิกฤตส่วนตัวของเขามาถึงจุดวิกฤติในเวลานี้ และมุงค์ถูกบังคับให้ตกลงที่จะรับการรักษาที่คลินิกแห่งหนึ่งในโคเปนเฮเกน ซึ่งเขาใช้เวลาแปดเดือน

กลับ
ในที่สุดก็กลับมาที่นอร์เวย์ในปี 1909 Munch ตั้งรกรากอยู่ในเมืองชายฝั่งKragerø ด้วยการสัมผัสกับความเป็นจริงรอบตัวเขาอย่างสร้างสรรค์ Munch ถ่ายโอนชายฝั่งที่ขรุขระและป่าสนที่เปิดต่อหน้าต่อตาไปยังผืนผ้าใบของเขาอย่างกล้าหาญและกระตือรือร้น หอศิลป์แห่งชาติในคริสเตียเนียได้รับผลงานของเขาเป็นจำนวนมาก ดังนั้นจึงถือเป็นการได้รับการยอมรับอย่างช้าๆ ในบ้านเกิดของเขา

ในปีพ.ศ. 2455 นิทรรศการ Sonderbund ในเมืองโคโลญจน์ถือเป็นการสาธิตความสำเร็จของลัทธิสมัยใหม่แบบยุโรปที่สมบูรณ์ที่สุดครั้งแรก Munch รู้สึกเป็นเกียรติที่ได้รับห้องแยกต่างหากสำหรับผลงานของเขา สองทศวรรษหลังจากเรื่องอื้อฉาวในเบอร์ลิน เขาถูกจัดให้อยู่ในระดับเดียวกับผู้บุกเบิกศิลปะสมัยใหม่เช่น Van Gogh, Gauguin หรือ Cezanne เขายังคงทดลองและขยายขอบเขตของตัวละครของเขาต่อไป: ในช่วงเวลานี้มีคนอาบน้ำ ชาวนา คนงานปรากฏขึ้นในหมู่พวกเขา และรูปสัตว์ก็เป็นเรื่องปกติเช่นกัน หลังจากเปิดห้องประชุมที่เขาออกแบบไว้ที่มหาวิทยาลัย Christiania Munch ได้ซื้อที่ดิน Ekeli ซึ่งอยู่ไม่ไกลจากเมืองหลวงและย้ายไปที่นั่น

เอกสารสี่เล่มเรื่อง “Edvard Munch: Collected Works” (ผู้เขียน Gerd Woll) ซึ่งตีพิมพ์ในปี 2008 นำเสนอผลงานมากมายในยุคปลาย: ภาพเหมือนของเพื่อนและนักสะสม ภูมิทัศน์ในชนบท ภาพเปลือย ความมุ่งมั่นที่ไม่เคยลดลงของเขาต่องานของ Henrik Ibsen ได้พบปรากฏการณ์ใหม่: ภาพวาดจำนวนมากเกี่ยวข้องกับ "Peer Gynt" ภาพแกะสลักไม้ที่มี "The Struggle for the Throne" และภาพวาดจำนวนหนึ่งผลงานกราฟิกที่พิมพ์และ ภาพวาดมีความเกี่ยวข้องอย่างชัดเจนกับบทละคร "June Gabriel Borkman" ไม่มากก็น้อย วัฏจักรที่โดดเด่นอีกประการหนึ่งของผลงานของ Munch คือภาพเหมือนตนเองในช่วงหลังๆ ของเขา ใน "ภาพเหมือนตนเองในเสื้อคลุมและหมวก" ที่ไม่โอ้อวดโดยสิ้นเชิงและไม่ค่อยมีใครรู้จัก ความสนใจทั้งหมดจะถูกดึงไปที่การแสดงออกทางสีหน้า Munch ทำงานวาดภาพอนุสรณ์สถาน "Towards the Light" หรือ "The Human Mountain" เป็นเวลาหลายปี การเรียบเรียงนำเราย้อนกลับไปสู่สัญลักษณ์ของทศวรรษที่ 1890 ดังที่เห็นได้จากเนื้อเพลงที่เขียนโดย Munch: “งานศิลปะของฉันทำให้ชีวิตของฉันมีความหมาย ข้าพเจ้าแสวงหาแสงสว่างโดยทางพระองค์และรู้สึกว่าข้าพเจ้าสามารถนำความสว่างมาสู่ผู้อื่นได้”17

Jens Thiis นักประวัติศาสตร์ศิลปะ เพื่อนเก่าแก่ของ Munch ได้ตีพิมพ์ชีวประวัติอันยิ่งใหญ่ของศิลปินในวันเกิดครบรอบ 70 ปีของเขา “ดอสโตเยฟสกีมีความสำคัญต่อฉันเกินกว่าจะวัดได้ มากกว่าคนอื่นๆ รวมกันด้วยซ้ำ” Munch เน้นย้ำในจดหมายถึง Thiis - Ibsen และ Dostoevsky: ฉันคิดว่าพวกเขาสำคัญกว่าใครๆ” 18. แม้ว่าเขาจะค่อนข้างสันโดษในช่วงหลายปีต่อมา แต่ Munch ก็โชคดีที่ยังมีเพื่อนที่แบ่งปันความหลงใหลในตัวนักเขียนชาวรัสเซียคนนี้ อาชญากรรมและการลงโทษเป็นแรงบันดาลใจให้เขาตั้งแต่ปลายทศวรรษที่ 1880 [19] ; Munch กล่าวถึงความสนใจอย่างต่อเนื่องของเขาใน The Brothers Karamazov ซ้ำแล้วซ้ำเล่า; อย่างไรก็ตาม เจ้าชาย Myshkin (“ The Idiot”) สัมผัสได้ถึงคอร์ดที่ลึกที่สุดในตัวเขา 20. Djaevlene ซึ่งเป็น The Devils ฉบับภาษาเดนมาร์ก กำลังนอนอยู่บนโต๊ะข้างเตียงตอนที่เขาเสียชีวิต

ในการอำลา "ภาพเหมือนตนเองระหว่างนาฬิกากับเตียง" ศิลปินยืนอยู่ใกล้นาฬิกาคุณปู่ตัวใหญ่โดยไม่มีมือราวกับแสดงถึงการจากไปครั้งสุดท้ายจากทุกสิ่งในโลก เตียงเชื่อมโยงเชิงสัญลักษณ์ด้วยการเชื่อมโยงกับช่วงเวลาที่สำคัญที่สุดของวงจรชีวิต: การเกิด ความเจ็บป่วย ความรัก และความตาย ในห้องด้านหลังศิลปินชรามีผลงานของเขาซึ่งสว่างไสวด้วยแสงสีทอง เหนือเตียงมีภาพร่างเปลือยสีฟ้าแขวนอยู่ มีการแสดงภาพเดียวกัน - สองครั้ง - ครึ่งทางขึ้นไปบนภูเขาในงานโปรแกรม "สู่แสงสว่าง" 22 งานนี้แขวนอยู่บนเตียงของ Munch จริงๆ มันถูกเรียกว่า "The Meek" ตามเรื่องราวของ Dostoevsky เรื่อง 23

พิพิธภัณฑ์ E. Munch (ต่อไปนี้จะเรียกว่า MM) ใบแจ้งหนี้ เลขที่ 2759 ล. 3 ฉบับ
เอ็มเอ็ม เอกสารเก่า ไดอารี่ของลอร่า มุงค์ พฤษภาคม 1884.
เอ็ดเวิร์ด มันช์. Livsfrisens tilblivelse. ออสโล 1928 หน้า 9-10
ภาพลักษณ์ของผู้ทำลายล้างชาวรัสเซียดังที่สื่อนอร์เวย์สื่อออกมานั้นไม่ได้ปราศจากเสน่ห์อันโรแมนติก ดู: H0if0dt, แฟรงค์ Kristiania Bohemia สะท้อนให้เห็นในงานศิลปะของ Edvard Munch ในวัยหนุ่ม // Edvard Munch กวีนิพนธ์ (Erik M0rstad) ออสโล, 2549.
จดหมายจาก Munch ถึง Olav Paulsen เพื่อนของศิลปิน ลงวันที่ 11 มีนาคม พ.ศ. 2427 (สำเนาเป็น MM)
อ้าง โดย: สตางค์, แรกนา . เอ็ดเวิร์ด มันช์. ชุดนอนผู้ชายและคุ้กกี้ ออสโล 1982 หน้า 51
คำพังเพยของ Munch ดู: มม. ใบแจ้งหนี้ หมายเลข 570.
จากสมุดสเก็ตช์ภาพ พ.ศ. 2433-2437. มม. ใบแจ้งหนี้ เลขที่ ที 127.
อ่านเพิ่มเติมเกี่ยวกับความเชื่อมโยงระหว่างนวนิยายของ F.M. ดอสโตเยฟสกี และตำราและภาพวาดของมุงค์ ดู: มอร์เฮด, แอลลิสัน “ห้องมอนติคาร์โลมีแบคทีเรียหรือเปล่า?” ภาพวาดรูเล็ต พ.ศ. 2434-36 // Munch กลายเป็น "Munch" (แคตตาล็อก) พิพิธภัณฑ์ Munch, 2008, หน้า 121
พิพิธภัณฑ์ Munch นำเสนอนิทรรศการที่เกี่ยวข้องกับแนวคิดของภาพวาด "วัยแรกรุ่น" ดู: เอ็ดเวิร์ด มุงค์ ปุเบอร์เตต // วัยแรกรุ่น. พิพิธภัณฑ์มันช์ 2555
มม. ใบแจ้งหนี้ เลขที่ T 2760-56r.
อิทธิพลทางวรรณกรรมที่เป็นไปได้ ได้แก่ ผลงานของ Friedrich Nietzsche, Søren Kierkegaard และ Bible ตลอดจนภาพลักษณ์ของ Rodion Raskolnikov ในนวนิยายของ F.M. ดอสโตเยฟสกี "อาชญากรรมและการลงโทษ" สำหรับเรื่องหลัง ดูที่: เอ็กกัม, อาร์เน Livsfrisen fra maleri til grafikk. ออสโล, 1990, หน้า 234-235.
ออบสต์เฟลเดอร์, ซิกบีจ0ร์น. เอ็ดเวิร์ด มันช์. และสำหรับ0g. ซัมติเดน, 1896.
จดหมาย (ไม่ระบุวันที่) จาก Sergei Diaghilev ถึง Munch (“Dear Munch...”) เขียนบนหัวจดหมาย “Hotel Victoria, Christiania” (เก็บไว้ในหน่วย MM) ขณะเตรียมนิทรรศการ Diaghilev ได้ไปเยือนเมืองหลวงของนอร์เวย์ในฤดูร้อนปี พ.ศ. 2440
สแกนดินาวิสค์ อุดสติลลิง อิ เซนต์ เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก // Aftenposten (Aften), 28/10/1897
ผ้าสักหลาดของ Munch "Eiene Reihe von Lebensbildern" ถูกนำเสนอในนิทรรศการที่กรุงเบอร์ลินภายใต้ชื่อทั้งสี่นี้
มม. ใบแจ้งหนี้ เอ็น 539.
มม. ใบแจ้งหนี้ หมายเลข 539.
ร่างจดหมาย (ไม่ระบุวันที่) ถึง Jens Thiis (ประมาณปี 1932) ดู: มม. ใบแจ้งหนี้ เลขที่ 2094.
ในปี พ.ศ. 2434 Munch ได้รับหนังสือเล่มนี้จากเพื่อนของเขาซึ่งเป็นกวีชาวเดนมาร์ก เขารายงานว่าหนังสือเล่มนี้เข้ามาแทนที่อย่างถูกต้องใน "ห้องสมุดเล็กๆ" ของเขาซึ่งประกอบด้วย "พระคัมภีร์, Hans Jaeger และ Raskolnikov" ดูจดหมายของ Munch ถึง Emmanuel Goldstein ลงวันที่ 2 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2435 (MM, inv. no. 3034) รายงานโดยผู้เขียนในงาน: Dedekam, Hans เอ็ดเวิร์ด มันช์. Kristiania, 1909. R. 24. ศาสตราจารย์ K.E. แพทย์ที่เข้ารับการรักษาของ Munch Schreiner และ Joos Roede ยืนยันในหนังสือ: Edvard Munch som vi kjente ham (ดูเชิงอรรถ 21)
ดู: จอห์ส โรเด Spredte erindringer om Edvard Munch // "Edvard Munch som vi kjente ham. Vennene forteller", ออสโล, 1946, p. 52; มาร์ติน นาค. Dostojevskij og Munch // "Kunst og Kultur" 1993, หมายเลข 1, หมายเหตุ 1, น. 54.
มีรูปถ่าย (MM, inv. B 3245) ซึ่งยืนยันว่า ณ จุดหนึ่งภาพเปลือยสีน้ำเงินนั้นติดอยู่กับผืนผ้าใบขนาดใหญ่ ดู: ภาพวาดที่รวบรวมไว้ ฉบับที่ สาม. ป.847.
เรื่องราวของ Dostoevsky เรื่อง "The Meek" ได้รับการตีพิมพ์ในประเทศนอร์เวย์ในปี พ.ศ. 2428; ในปี พ.ศ. 2469 มีการตีพิมพ์ฉบับใหม่ภายใต้ชื่อ "Skriftema"l" ("Confession") Jus Röde เพื่อนและทนายความของ Munch รายงานว่าเขาเป็นผู้เสนอชื่อ "The Meek" และ Munch อนุมัติข้อเสนอนี้ ดูด้านบน

เมื่อย้ายออกจากอารยธรรม Gauguin ชี้ทางไปทางทิศใต้ - สู่โพลินีเซียบริสุทธิ์ ผู้ลี้ภัยรายที่สองจากสังคมชนชั้นกลางได้ปีนเข้าไปในถิ่นทุรกันดารที่มีน้ำแข็งปกคลุมไปจนถึงจุดเหนือสุดของยุโรป

ศิลปินที่เกี่ยวข้องกับ Gauguin มากที่สุดผู้ที่สามารถเรียกได้ว่าเป็นงานศิลปะสองเท่าของ Gauguin (ไม่ได้เกิดขึ้นบ่อยครั้ง) เป็นตัวแทนทั่วไปของภาคเหนือ

เช่นเดียวกับโกแกงเขาดื้อรั้นและเมื่อปรากฏตัว (สิ่งนี้เกิดขึ้นกับเขาในวัยหนุ่ม) ในสังคมเขาก็สามารถทำให้ขุ่นเคืองแม้แต่คนที่เขาไม่ได้ตั้งใจจะทำให้ขุ่นเคือง พวกเขายกโทษให้เขาสำหรับการแสดงตลกไร้สาระ: เขาดื่มมาก (“โอ้ ศิลปินเหล่านี้มีวิถีชีวิตแบบโบฮีเมียน!”) เขาคาดหวังกลอุบายจากความสนใจของผู้หญิงและอาจหยาบคายกับผู้หญิง (นักเขียนชีวประวัติอ้างว่านี่มาจากความเขินอาย) เขาเป็นคนลึกลับ (เช่นเดียวกับผู้สร้างทางเหนือทั้งหมด) ฟังเสียงภายในของเขาและไม่ใช่กฎและข้อบังคับเลย - ทั้งหมดนี้แสดงให้เห็นถึงการหลบหนีที่ไม่คาดคิดของเขา

หลายครั้งที่เขาใช้เวลาอยู่ในคลินิกเพื่อรับการรักษาโรคพิษสุราเรื้อรัง เขาปรึกษากับนักจิตวิเคราะห์ - เขาต้องการเอาชนะความเป็นสังคม ภาพของแพทย์ยังคงอยู่จากการไปเยี่ยมคลินิก แต่พฤติกรรมของศิลปินไม่เปลี่ยนแปลง เมื่อปรมาจารย์เลือกความสันโดษและสร้างโรงงานในถิ่นทุรกันดารอันหนาวเย็นของป่าในที่สุด ก็ไม่มีใครแปลกใจ

ในปีก่อนหน้าของเขาในเมือง บังเอิญว่าเขาหยุดวาดภาพเป็นเวลาหลายเดือน - เขาตกอยู่ในภาวะซึมเศร้าหรือดื่มสุรามาก ไม่ ไม่ใช่ความคิดสร้างสรรค์ ไม่ใช่ความรักที่ไม่สมหวัง - เห็นได้ชัดว่านี่คือสิ่งที่สภาพแวดล้อมในเมืองส่งผลกระทบต่อเขา เมื่อถูกทิ้งให้อยู่ตามลำพัง ล้อมรอบด้วยหิมะและทะเลสาบน้ำแข็ง เขาได้รับความมั่นใจอย่างสงบซึ่งทำให้เขาสามารถทำงานได้ทุกวัน

แน่นอนว่าเรากำลังพูดถึง Edvard Munch ชาวนอร์เวย์ ซึ่งเป็นปรมาจารย์ที่มีความคล้ายคลึงกับ Gauguin อย่างมาก ไม่เพียงแต่ในด้านโวหารเท่านั้น แต่ยังมีความสำคัญอีกด้วย

"กรีดร้อง." หนึ่งในภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของ Edvard Munch พ.ศ. 2436

ความจริงที่ว่าปรมาจารย์ทั้งสองนี้รวบรวมจุดสูงสุดของอารยธรรมยุโรป - สแกนดิเนเวียตอนเหนือและอาณานิคมทางตอนใต้ของฝรั่งเศส (สิ่งที่อาจอยู่ทางใต้ลงไปอีก) - ไม่ควรสับสน: ความบังเอิญของจุดสุดโต่งในวัฒนธรรมเป็นสิ่งที่ทราบกันดีอยู่แล้ว นักเล่าเรื่องชาวไอริชจึงมั่นใจว่าจากหอคอยแห่งคอร์กพวกเขาสามารถมองเห็นหอคอยป้อมปราการของสเปนได้

Munch และ Gauguin มีความเกี่ยวข้องกันในจานสีของพวกเขาและแม้ว่าผู้ชมจะเชื่อมโยงกับ Gauguin ในเรื่องสีสันที่สดใสของทะเลทางใต้ (ชาวฝรั่งเศสได้ต่อสู้โดยเฉพาะกับดินแดนเหล่านั้นที่ซึ่งสีสันเผาไหม้และเป็นประกายซึ่งความเรียบง่ายของรูปแบบเริ่มต้นขึ้น สีประจำท้องถิ่น) และในทางกลับกัน ชาวนอร์เวย์ชอบฤดูหนาวและมีสีสันที่มืดมน

อย่างไรก็ตาม จานสีของพวกเขามีชีวิตแห่งสีที่พิเศษเหมือนกัน ซึ่งฉันนิยามได้ว่าเป็นคอนทราสต์ที่ซ่อนอยู่ ทั้ง Munch และ Gauguin วาดภาพในลักษณะเดียวกัน โดยหลีกเลี่ยงการปะทะกันของสีต่างๆ (ตรงกันข้ามกับที่ Van Gogh ชื่นชอบ) โดยจัดเรียงสีน้ำเงินกับสีน้ำเงินอย่างนุ่มนวล และสีน้ำเงินกับม่วงไลแลค แต่ท่ามกลางความคล้ายคลึงอันเงียบสงบมักมีแสงแฟลชของสีที่ตัดกันซ่อนอยู่ ซึ่งศิลปินนำเสนอต่อสายตาของผู้ชมโดยไม่คาดคิดหลังจากแนะนำให้ผู้ชมรู้จักกับช่วงของความคล้ายคลึงกัน

ดูภาพวาด "The Scream" ของ Munch เสียงร้องดูเหมือนจะสุกงอมจากภายในผืนผ้าใบ มันถูกเตรียมไว้อย่างค่อยเป็นค่อยไป แสงวาบและสายฟ้าแลบของพระอาทิตย์ตกดินไม่ดังขึ้นในทันที แต่ค่อยๆ เสียงร้องแห่งความเหงาที่ดึงออกมาอย่างสิ้นหวังเกิดขึ้นจากการเทียบสีที่นุ่มนวลอย่างจงใจ และเมื่อมันเกิดขึ้น มันก็จะขยายใหญ่ขึ้นและเติมเต็มพื้นที่นั้น และสิ่งนี้เกิดขึ้นกับทุกภาพวาดของ Munch

เขาวาดภาพโดยใช้พู่กันแตะพื้นผิวผืนผ้าใบเบา ๆ โดยไม่เคยกดหรือออกแรงลากเส้น อาจกล่าวได้ว่าการเคลื่อนไหวของเขาอ่อนโยน เราสามารถพูดได้ว่าเขามีความกลมกลืน - เขาชอบสีพาสเทลอ่อน ๆ สีอันเงียบสงบเหล่านี้บอกเราเกี่ยวกับความกลมกลืนอันเงียบสงบของธรรมชาติทางตอนเหนือไม่ใช่หรือ?

"แสงแดด". เอ็ดวาร์ด มุงค์. พ.ศ. 2434

มันคือเส้นหยักที่ไหล - ตอนนี้เป็นลำธารบนภูเขา, ตอนนี้เป็นลอนของหญิงสาวในทะเลสาบ, ตอนนี้เป็นเงาของต้นสนที่แผ่กิ่งก้านสาขา - พวกมันมีไว้เพื่อสงบมิใช่หรือ? ภาพวาดของ Munch ดูเหมือนจะกล่อมให้คุณนอนหลับ คุณสามารถจินตนาการได้ว่าภาพวาดเหล่านี้กำลังเล่านิทานก่อนนอนให้คุณฟังอย่างเงียบๆ อย่างไรก็ตาม การเพิ่มความเข้มข้นของความสามัคคีทางตอนเหนือของเรื่องราวสบายๆ ขึ้น Munch ได้เปลี่ยนเรื่องราวที่อ่อนโยนและไพเราะให้กลายเป็นโศกนาฏกรรม โดยไม่คาดคิด สำหรับผู้ชม ซิมโฟนีสีค่อยๆ ดังขึ้น และทันใดนั้นก็ฟังดูสิ้นหวัง ไม่ลงรอยกัน และร้องเสียงแหลม

พูดอย่างเคร่งครัด Munch เป็นศิลปินแนวเมโลดราม่าชนชั้นกลาง เช่น Ibsen ร่วมสมัยของเขา คู่รักของ Munch แช่แข็งอยู่ในท่าที่มีความหมายโดยมีฉากหลังเป็นคืนสีม่วง - พวกเขาสามารถตกแต่งห้องนั่งเล่นของชนชั้นกลางในเมืองใหญ่ที่มีอารมณ์อ่อนไหวได้ดี (และพวกเขาก็ตกแต่ง) ภาพอันแสนหวานเหล่านี้สามารถอธิบายบทกวีหยาบคายได้อย่างสมบูรณ์แบบ

อย่างไรก็ตามจะมีการกล่าวกันว่านิตยสารโซเวียต "Youth" ในยุค 60 เป็นการรำลึกถึง Munch อย่างสมบูรณ์ซึ่งค้นพบโดยศิลปินกราฟิกโซเวียตในเวลานั้น: ผมที่สลวยของครูในชนบท, ประวัติย่อของหัวหน้าวิศวกร - ทั้งหมดนี้มาจากที่นั่น จากความงดงามทางตอนเหนือของ Munch อย่างไรก็ตาม เอ็ดวาร์ด มุงค์ เองก็ไม่ได้เป็นคนอภิบาลแต่อย่างใด ซึ่งต่างจากมหากาพย์ของเขาตรงที่เราสามารถมองทะลุผ่านละครเมโลดราม่าที่แสนจะน่าติดตามได้ว่าสิ่งใดที่คัดลอกไม่ได้และสิ่งใดที่ยากต่อการเคลื่อนผ่าน

"ตรอกอลิสแคมป์" พอล โกแกง. พ.ศ. 2431

ภาพวาดของเขามีความรู้สึกพิเศษที่ไม่พึงประสงค์ มันเต็มไปด้วยหนาม มันเจ็บปวด มันทำให้เรากังวล ในภาพวาดของ Munch มีเทพนิยายทางเหนือ แต่ไม่มีความสุขในเทพนิยาย - ในทุกภาพมีความบ้าคลั่งซ่อนเร้นไม่ดี

ดังนั้น บุคคลที่ป่วยทางจิตในช่วงเวลาของการบรรเทาอาการอาจดูเกือบจะเป็นปกติ มีเพียงแววตาที่เป็นไข้และอาการกระตุกอย่างกังวลเท่านั้นที่ทรยศต่อธรรมชาติที่ผิดปกติของเขา อาการกระตุกประสาทนี้ปรากฏอยู่ในภาพวาดทุกภาพของ Edvard Munch

ฮิสทีเรียที่ซ่อนอยู่ในการเกี้ยวพาราสีในร้านเสริมสวยโดยทั่วไปเป็นลักษณะเฉพาะของละครแนวสแกนดิเนเวีย - จำตัวละครของอิบเซ่น สิ่งนี้อาจชดเชยความช้าของตำราเรียนทางตอนเหนือได้ในระดับหนึ่ง นั่นคือ การกระทำจะดำเนินไปอย่างช้าๆ แต่วันหนึ่งก็มีการระเบิด

ไม่มีการเล่นที่สีพาสเทลไม่ระเบิดเป็นการฆ่าตัวตายหรือการเบิกความเท็จ แต่ในกรณีของ Munch มันร้ายแรงยิ่งกว่านั้นอีก จิตรกรรมนำเสนอเราด้วยนวนิยายแห่งชีวิตอย่างครบถ้วนในคราวเดียว ไม่มีบทนำหรือบทส่งท้ายในภาพ แต่ทุกสิ่งเกิดขึ้นในคราวเดียว ทั้งเรื่องประโลมโลกที่น่าขนลุกและความบ้าคลั่งเต็มไปด้วยหนามนั้นสามารถมองเห็นได้ทันที เพียงแต่ว่าคุณสมบัติเหล่านี้รวมกันอย่างผิดปกติสำหรับดวงตาที่คุณอยากจะเพิกเฉยต่อความบ้าคลั่ง

Munch เรียกการตอบโต้ต่องานศิลปะว่า "การปฏิบัติต่อม้า": พวกเขากล่าวว่าถ้าภาพไม่แตกสลายจากขั้นตอนดังกล่าวมันก็คุ้มค่าอะไรบางอย่างซึ่งหมายความว่ามันสามารถดำเนินต่อไปได้ หลายสัปดาห์ผ่านไป อาจารย์เริ่มมองหาผืนผ้าใบที่ถูกลงโทษ - เขาตักหิมะออกไปแล้วมองดูสิ่งที่เหลืออยู่บนผืนผ้าใบ

เปรียบเทียบพฤติกรรมนี้กับโทนสีที่อ่อนโยนของทิวทัศน์ยามพลบค่ำ กับสีของพระอาทิตย์ตกที่ซีดจางและอ่อนโยน ความโกรธอยู่ร่วมกับความเศร้าโศกได้อย่างไร? นี่ไม่ใช่แม้แต่สิ่งที่เรียกว่าอารมณ์ระเบิดที่โกแกงครอบครอง นี่ไม่ใช่การระเบิด แต่เป็นภาวะฮิสทีเรียที่เย็นชาและมีเหตุผลอย่างถาวร - อธิบายรายละเอียดไว้ใน Sagas ของสแกนดิเนเวีย

“Scream” ของ Munch จะกรีดร้องอยู่เสมอ เสียงกรีดร้องนี้จะเติบโตไปพร้อมๆ กันด้วยโทนเสียงที่แต่งขึ้นอย่างกลมกลืน แต่ยังให้เสียงที่มีพลังที่ทำให้หูหนวกอีกด้วย ทั้งหมดนี้ในคราวเดียว: ความละเอียดอ่อน - และความหยาบคายและเรื่องประโลมโลก - และความบ้าคลั่งที่โหดร้ายในเวลาเดียวกัน

มีนักรบสแกนดิเนเวียที่ได้รับการยกย่องในเทพนิยายซึ่งอันตรายที่สุดในการต่อสู้ - นักสู้ที่บ้าคลั่งราวกับอยู่ในอาการเพ้อ พวกเขากล้าหาญโดยประมาทไม่รู้สึกเจ็บปวดอยู่ในความตื่นเต้นเร้าใจ แต่ในขณะเดียวกันก็รักษาความสงบและการคำนวณ - พวกเขาแย่มากในสนามรบ: นักสู้คนนี้ไม่สามารถได้รับบาดเจ็บได้และตัวเขาเองก็ทำตัวเหมือนเครื่องจักรสงครามที่บาดเจ็บ .

นักรบดังกล่าวเรียกว่าผู้บ้าบิ่น - ผู้บ้าบิ่นเป็นบ้า แต่ความบ้าคลั่งนี้ไม่ได้ขัดขวางพวกเขาจากพฤติกรรมที่มีเหตุผล นี่เป็นความบ้าคลั่งที่พิเศษและสมดุล

สภาวะของความคลั่งไคล้อย่างมีเหตุผลเป็นลักษณะเฉพาะของสุนทรียภาพทางภาคเหนือ ความไร้ความรู้สึกอันไพเราะ ความโหดร้ายที่น่ารังเกียจ - มาจากสแกนดิเนเวีย (แหล่งกำเนิดของสไตล์อาร์ตนูโว) ไปจนถึงยุโรป มันเป็นตัวกำหนดลักษณะทางโวหารบางอย่างของอาร์ตนูโว ธีมของมนุษย์, ลัทธิอียิปต์แห่งความตาย, กะโหลกศีรษะและผู้จมน้ำ - และในเวลาเดียวกันก็มีโทนสีที่ละเอียดอ่อนที่สุด, ดอกไอริสหัก, เครื่องประดับลูกไม้, เส้นโค้งอันงดงามของเส้นเลื่อน

คุกรุ่น ความเสื่อมโทรม และความงามที่ท้าทาย สิ่งที่ไม่เข้ากันนั้นถูกถักทอเข้าด้วยกันบนจั่วของคฤหาสน์เวียนนาในภาพประกอบหนังสือของยุคพรีราฟาเอลของอังกฤษบนรถไฟใต้ดินของปารีส - และทุกสิ่งก็มาจากที่นั่นจากเทพนิยายสแกนดิเนเวียที่ซึ่งเรื่องประโลมโลกอยู่ร่วมกับความไร้มนุษยธรรมได้อย่างง่ายดาย

ภาพพิมพ์หินของตัวเองของ Edvard Munch มีลักษณะเฉพาะ ต่อหน้าเราคือชนชั้นกลางที่ไร้ที่ติและได้รับการดูแลเป็นอย่างดีเขาพิงศอกบนกรอบจากด้านในของภาพแล้วยื่นมือไปในทิศทางของเราเข้าหาผู้ชม - แต่นี่คือมือของโครงกระดูก

“มนุษย์ ก็เป็นมนุษย์เหมือนกัน” (ตามที่ Nietzsche ชอบพูด) กลายเป็นเพียงวัตถุสำหรับท่าทางสุนทรีย์แห่งความทันสมัย นอกจากเทพนิยายนอร์เวย์และอิบเซ่นแล้ว เรายังต้องระลึกถึง Nietzsche ด้วย เขาไม่ใช่ชาวสแกนดิเนเวียแม้ว่าเขาจะหลงใหลในสุนทรียศาสตร์แบบนอร์ดิกอย่างดื้อรั้นและลักษณะทางปรัชญาของชาวนอร์ดิกก็คือสิ่งนี้: นักปรัชญา - กวีผู้เลือดเย็นและตีโพยตีพายคนนี้ก็เป็นคนบ้าบิ่นเช่นกัน เมื่อระบุว่า Munch เป็นฮีโร่ของเทพนิยายสแกนดิเนเวียเราจะเห็นความคล้ายคลึงของเขากับ Gauguin ได้แม่นยำยิ่งขึ้น พวกเขารวมกันเป็นหนึ่งด้วยความรู้สึกของการดำรงอยู่อย่างเหลือเชื่อและไร้เหตุผล ซึ่งตรงกันข้ามกับความเป็นจริง คุณสามารถใช้สำนวน "จุดเริ่มต้นที่ลึกลับ" โดยมีข้อแม้ว่าเรากำลังพูดถึงผลกระทบของสีที่มีต่อจิตวิทยาของผู้ชม

เทพนิยายทางตอนเหนือของ Munch: ต้นสนที่แผ่กิ่งก้านสาขา, ต้นสนภูมิใจ, ทะเลสาบบนภูเขา, ธารน้ำแข็งสีฟ้า, กองหิมะสีม่วง, ยอดเขาหิมะที่มืดมน - และเทพนิยายทางใต้ของ Gauguin: ลำธารที่ไหลเชี่ยว, ต้นปาล์มใบกว้าง, เถาวัลย์และเบาบับ, กระท่อมกก - ทั้งหมด เรื่องนี้น่าแปลกมาก ดูเหมือนปรมาจารย์ทั้งสองคนเลย

พวกมันเพิ่มความลึกลับมากขึ้น โดยโยนผ้าคลุมหน้าแล้วผ้าคลุมให้ชีวิตที่เราคุ้นเคย สีไม่มีอะไรมากไปกว่าการคลุมผืนผ้าใบที่แต่เดิมสะอาด ลองนึกภาพว่าศิลปินโยนผ้าคลุมหน้าสีหนึ่งทับอีกผ้าคลุมหนึ่งและหลายครั้ง - นี่คือวิธีการวาดภาพที่เป็นลักษณะเฉพาะของ Munch และ Gauguin

เป็นเรื่องที่น่าสนใจ เช่น พวกเขาเขียนโลกอย่างไร อะไรจะดูซ้ำซากและเรียบง่ายไปกว่าภาพดินใต้ฝ่าเท้าของคุณ? ศิลปินส่วนใหญ่และคนเก่งๆ พอใจที่จะทาสีพื้นเป็นสีน้ำตาล แต่ Gauguin และ Munch ทำตัวแตกต่างออกไป

พวกเขาทั้งสองวาดภาพโลกที่เรียบและมีสีเดียวราวกับว่ามันแผ่ออกเป็นสีต่างๆ หรือ (อาจจะแม่นยำกว่า) ราวกับว่าพวกเขากำลังโยนผ้าคลุมสีลงบนพื้นผิวเรียบทีละสี การสลับสีปกทำให้เกิดความลื่นไหลของพื้นผิวสี ไลแลคแทนที่สีแดงเข้ม สีน้ำตาลเข้มสลับกับสีน้ำเงิน และเมื่อพูดถึงภาพปกยามค่ำคืน เมื่อทั้งสองวาดภาพแสงสนธยาและแสงลึกลับในตอนกลางคืน ความคล้ายคลึงกันของศิลปินก็ปรากฏเด่นชัด

"แม่และลูกสาว". เอ็ดวาร์ด มุงค์. พ.ศ. 2440

ปรมาจารย์ทั้งสองมีความเข้าใจที่คล้ายกันเกี่ยวกับความลื่นไหลของสภาพแวดล้อมสี: สีไหลเข้าสู่ตัวกลางของผืนผ้าใบ และวัตถุไหลเข้าสู่วัตถุ พื้นผิวสีของวัตถุดูเหมือนจะไหลลงสู่พื้นที่ของภาพ

วัตถุไม่ได้ถูกแยกออกจากอวกาศด้วยรูปร่าง - และแม้ว่า Gauguin ในยุค Pont-Aven จะเลียนแบบเทคโนโลยีกระจกสีในช่วงสั้น ๆ ก็ตาม! - แต่ถูกล้อมรอบด้วยสีของเหลวของอวกาศ บางครั้งอาจารย์ก็วาดเส้นสีต่างๆ รอบวัตถุหลายๆ ครั้ง ราวกับกำลังวาดภาพอากาศ ลำธารสีเหล่านี้ไหลรอบวัตถุ (เปรียบเสมือนกระแสน้ำที่ไหลรอบเกาะ) ไม่มีความสัมพันธ์กับวัตถุจริงหรือวัตถุที่ปรากฎในภาพเลย

ต้นไม้ของ Munch นั้นพันกันพันกันถักด้วยเส้นสีหลายสิบครั้งและบางครั้งก็มีแสงเรืองแสงปรากฏขึ้นรอบ ๆ มงกุฎที่เต็มไปด้วยหิมะ บางครั้งต้นสนและต้นสนทางตอนเหนือมีลักษณะคล้ายกับต้นป็อปลาร์เสี้ยมแห่งบริตตานีหรือต้นไม้แปลกตาของโพลินีเซีย - พวกมันชวนให้นึกถึงอย่างชัดเจนเพราะศิลปินวาดภาพพวกมันในลักษณะเดียวกัน: เหมือนต้นไม้วิเศษในสวนเวทย์มนตร์

มุมมอง (ดังที่เรารู้จากผลงานของชาวอิตาลี) มีสีของตัวเอง - อาจเป็นสีน้ำเงินหรืออาจเป็นสีเขียวและปรมาจารย์ด้านบาโรกก็กระโจนวัตถุที่อยู่ห่างไกลทั้งหมดให้กลายเป็นหมอกควันสีน้ำตาล - แต่สีของอากาศของ Gauguin หรือ Munch ไม่เกี่ยวข้องกับ ไม่ว่าจะเป็นเปอร์สเปคทีฟหรือค่าต่างๆ (โดยคำนึงถึงการบิดเบือนของสีอันเนื่องมาจากการลบวัตถุในอากาศ)

พวกเขาวาดภาพบนผืนผ้าใบโดยปฏิบัติตามแรงกระตุ้นที่ผิดธรรมชาติและผิดธรรมชาติ พวกเขาใช้สีที่แสดงออกถึงสภาพลึกลับของจิตวิญญาณ - คุณสามารถทาสีท้องฟ้ายามค่ำคืนสีชมพูอ่อนท้องฟ้าตอนกลางวันสีม่วงเข้มซึ่งจะเป็นจริงกับภาพการออกแบบและธรรมชาติและมุมมองต้องทำอะไรบ้าง กับมันเหรอ?

นี่คือวิธีการวาดไอคอน - และพื้นที่ราบของภาพวาดของ Munch และ Gauguin มีลักษณะคล้ายกับพื้นที่วาดภาพไอคอน ใช้สีโดยไม่คำนึงถึงค่าบัญชี เหล่านี้เป็นผืนผ้าใบที่ทาสีอย่างสม่ำเสมอและเรียบ การผสมผสานระหว่างความเรียบ คุณภาพภาพวาดที่เกือบจะเหมือนโปสเตอร์ และการไหลของสีที่ไหลลงสู่ส่วนลึกส่งผลให้เกิดความขัดแย้ง

ภาพวาดของ Munch ชวนให้นึกถึงความห่างไกล และในขณะเดียวกันก็รักษาคุณภาพโปสเตอร์ที่เยี่ยมยอดและเป็นสัญลักษณ์ไว้ ดู "สะพาน" สุดคลาสสิกของ Munch (นอกเหนือจาก "Scream" อันโด่งดังแล้ว ศิลปินยังวาดภาพเขียนหลายสิบภาพโดยมีสะพานเดียวกันทอดยาวไปสู่อวกาศ)

วัตถุ "สะพาน" มีความน่าสนใจเนื่องจากกระดานที่ขนานกันนำสายตาของผู้ชมไปสู่ส่วนลึกเหมือนกับลูกศรชี้ แต่ในขณะเดียวกันศิลปินก็วาดกระดานเป็นกระแสสีเหมือนกระแสสีที่มหัศจรรย์และสีนี้ไม่มีอะไรจะทำได้ ทำด้วยมุมมอง

"ยามเย็นที่ถนนคาร์ล โยฮัน" เอ็ดวาร์ด มุงค์. พ.ศ. 2435

ศิลปินยังชอบวาดภาพถนนที่ทอดยาวไป (“ ยามเย็นบนถนนคาร์ลโยฮัน”, พ.ศ. 2435) - เส้นของถนนนำผู้ชมให้ลึกเข้าไปในภาพโดยตัดกับสีเรียบ เปรียบเทียบกับภาพวาดทิวทัศน์ที่คล้ายกันของ Gauguin เช่น Alley Alyscamps ซึ่งวาดในปี 1888 ในเมือง Arles ผลแบบเดียวกันของมุมมองที่แปลก ไร้มุมมอง; ผลของระยะใกล้ทำให้พื้นที่หยุดทำงาน

เรารู้จักสีของ Munch ไม่ใช่เพราะสีเหล่านี้คล้ายกับนอร์เวย์ - ในภาพวาด "The Scream" ศิลปินใช้สเปกตรัมที่เหมาะสมพอๆ กันสำหรับจานสีของอิตาลี - แต่เป็นเพราะสีที่กำหนดเองของพื้นที่ Munch นั้นมีอยู่ในพื้นที่ของเขาเท่านั้น โค้งมน ไม่มี ความลึก แต่ในขณะเดียวกันก็เรียกลึกลงไป เหล่านี้คือสีของเวทมนตร์ สีของการเปลี่ยนแปลง

ไม่ต้องสงสัยเลยว่าแนวของ Gauguin มีความเกี่ยวข้องกับสุนทรียศาสตร์ของอาร์ตนูโว - แนวของ Munch ก็เช่นกัน สำหรับปรมาจารย์ทั้งสอง เส้นจะลื่นไหลเท่ากันและปรากฏราวกับอยู่เพียงลำพัง โดยไม่คำนึงถึงคุณสมบัติของวัตถุที่บรรยาย

สไตล์อาร์ตนูโวเป็นพิษต่อศิลปะพลาสติกในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ทุกคนตั้งแต่ Alphonse Mucha ไปจนถึง Burne-Jones ต่างวาดเส้นที่ราบรื่น ยืดหยุ่น และเฉื่อยชาในเวลาเดียวกัน เส้นไหลไม่ได้เป็นไปตามเจตนารมณ์ของผู้สร้างภาพ แต่เป็นไปตามวิญญาณมหัศจรรย์แห่งธรรมชาติ - ทะเลสาบลำธารต้นไม้ การวาดภาพประเภทนี้มีความรู้สึกเพียงเล็กน้อย มันเป็นการวาดภาพที่ไม่แยแสโดยเฉพาะ จำเป็นต้องไปไกลจากยุโรปเช่น Gauguin เพื่อปีนเข้าไปในป่าลึกและหนองน้ำเช่น Munch เพื่อที่จะสอนเส้นที่ว่างเปล่านี้ให้รู้สึก

Munch เติมเต็มแนวของยุคอาร์ตนูโวนี้ (โดยทั่วไปแล้วไม่เพียงมีกับเขาเท่านั้น แต่สำหรับปรมาจารย์หลายคนในเวลานั้นเส้นที่ไหลลื่นนี้เป็นเทคนิคประเภทหนึ่งในช่วงหลายปีที่ผ่านมา) ด้วยความบ้าคลั่งที่สั่นเทาเป็นพิเศษของเขาทำให้เขารู้สึกประหม่า ติ๊กของมือของเขา

การติดตามวัตถุที่แสดงให้เห็นหลายสิบครั้ง - สิ่งนี้เห็นได้ชัดเจนที่สุดในการแกะสลักและการพิมพ์หินของเขาโดยที่เข็มและดินสอของอาจารย์ไปตามเส้นทางเดียวกันสิบครั้ง - Munch เช่นเดียวกับผู้คนที่ไม่สมดุลหลายคนดูเหมือนจะพยายามควบคุมตัวเองราวกับว่าเขาเป็น จงใจทำสิ่งเดิมซ้ำๆ โดยรู้ว่าเขามีความปรารถนาอันแรงกล้าที่จะระเบิดและกวาดล้างทุกสิ่งรอบตัว

ความซ้ำซากจำเจนี้ - เขากลับไปสู่แรงจูงใจเดิมครั้งแล้วครั้งเล่าเขาพูดบรรทัดเดิมซ้ำแล้วซ้ำอีก - เป็นการสมรู้ร่วมคิดแบบหนึ่งเป็นการร่ายมนตร์ เหนือสิ่งอื่นใดมีความจำเป็นต้องคำนึงถึงความจริงที่ว่า Munch ให้ความสำคัญกับคาถาของเขาอย่างมาก - เขาเชื่อ (ผิดหรือไม่ - เพื่อให้ลูกหลานตัดสิน) ว่าเขาแสดงสาระสำคัญของภารกิจในช่วงหลายปีที่ผ่านมากล่าวคือเขาฟื้นคืนชีพ เทพนิยายโบราณ ทำให้ตำนานมีความเกี่ยวข้อง

"ความเป็นแม่". พอล โกแกง. พ.ศ. 2442

เป็นเรื่องง่ายที่จะเปรียบเทียบความตั้งใจนี้กับความน่าสมเพชของ Gauguin ในโพลินีเซีย เป็นเรื่องที่น่าสงสัย แต่แม้กระทั่งรูปลักษณ์ภายนอกของศิลปินนั่นคือภาพที่พวกเขานำเสนอต่อผู้ชมก็เหมือนกัน - ทั้งคู่มีแนวโน้มที่จะมีท่าทางที่มีความหมายพวกเขารู้สึกเหมือนเป็นนักเล่าเรื่องนักประวัติศาสตร์อัจฉริยะในยุคสมัยของพวกเขา

ความกระหายในความสำคัญที่โอ้อวดไม่ได้เบี่ยงเบนความสำคัญที่แท้จริงของพวกเขาไปแม้แต่น้อย แต่พวกเขาแสดงออกถึงการเลือกของพวกเขาอย่างไร้เดียงสา ทั้งคู่เป็นคนโดดเดี่ยวพวกเขาไม่ได้ฝึกสติปัญญาในการสนทนาและการอ่านพวกเขาจินตนาการว่ามีการแสดงความรอบคอบด้วยคิ้วขมวดคิ้ว ทั้ง Gauguin และ Munch มักจะพรรณนาถึงผู้คนที่หมกมุ่นอยู่กับความคิดที่เศร้าโศกและเจ็บปวด และวีรบุรุษของภาพวาดต่างก็ดื่มด่ำกับความเศร้าโศกอย่างงดงาม มีความหมายอย่างยิ่งจนคุณภาพของภาพสะท้อนนั้นมีข้อสงสัย

ปรมาจารย์ทั้งสองชอบท่าทางที่โรแมนติก: วางมือบนคาง - ทั้งคู่วาดภาพร่างเหล่านี้จำนวนมาก โดยให้คำบรรยายภาพรับรองว่าพวกเขากำลังพูดถึงการสะท้อน บางครั้งเกี่ยวกับความโศกเศร้า ภาพตัวเองของพวกเขามักจะเต็มไปด้วยความโอ่อ่าโอ่อ่า แต่นี่เป็นเพียงอีกด้านหนึ่งของความเหงา (ที่หลีกเลี่ยงไม่ได้)

ศิลปินทั้งสองคนเป็นผู้หลบหนี โดยความสันโดษของ Munch รุนแรงขึ้นจากโรคพิษสุราเรื้อรัง ศิลปินทั้งสองมีแนวโน้มที่จะมีเวทย์มนต์ - และแต่ละคนก็ตีความสัญลักษณ์ของคริสเตียนโดยเกี่ยวข้องกับหลักการนอกรีต

ตำนานภาคใต้และตำนานภาคเหนือมีความนับถือศาสนาเท่ากัน การหลอมรวมเข้ากับศาสนาคริสต์ (และอะไรคือการวาดภาพหากไม่แปรเปลี่ยนจากเทววิทยาคริสเตียน) ก็เป็นปัญหาไม่แพ้กัน Munch ผสมผสานตำนานเข้ากับสัญลักษณ์ของคริสเตียนอย่างเปิดเผยไม่น้อยไปกว่า Gauguin - "การเต้นรำแห่งชีวิต" ที่โด่งดังของเขา (คู่รักชาวนานอร์ดิกที่อิดโรยบนชายฝั่งทะเลสาบ) มีความคล้ายคลึงอย่างมากกับศิษยาภิบาลตาฮิติของ Gauguin

"การสูญเสียความบริสุทธิ์" พอล โกแกง. พ.ศ. 2434

การรับรู้อันลึกลับของผู้หญิงทำให้เกือบทุกฉากมีพิธีกรรม (หากไม่ใช่เรื่องทางเพศ) เปรียบเทียบภาพวาด "The Age of Transition" ของ Munch และภาพวาด "The Loss of Virginity" ของ Gauguin: ผู้ชมอยู่ในพิธีพิธีกรรม และเป็นไปไม่ได้ที่จะระบุได้ว่าเป็นการเฉลิมฉลองงานแต่งงานแบบคริสเตียนหรือเป็นการเริ่มต้นการเบ่งบานของคนป่าเถื่อน

เมื่อศิลปินทั้งสองวาดภาพ naiads (พวกเขาวาดภาพ naiads นอกรีตอย่างแม่นยำ - แม้ว่า Gauguin จะให้ naiads มีรูปร่างหน้าตาของเด็กผู้หญิงชาวโพลีนีเซียนและ Munch ของนอร์เวย์วาดภาพความงามแบบนอร์ดิก) จากนั้นทั้งคู่ก็ชื่นชมคลื่นผมที่พลิ้วไหว การโค้งงอของคอ และสนุกสนานไปกับ วิธีที่ร่างกายไหลไปตามรูปร่างของมันในแนวฟองของคลื่น นั่นคือพวกเขาทำพิธีกรรมนอกรีตคลาสสิกของการทำให้ธรรมชาติบริสุทธิ์

"วัยแรกรุ่น" เอ็ดวาร์ด มุงค์. พ.ศ. 2438

ในทางที่ผิด ปรมาจารย์ที่อยู่ห่างไกลจากกันสร้างภาพที่เกี่ยวข้องกัน - ถูกแช่แข็งระหว่างลัทธินอกรีตและศาสนาคริสต์ในสภาพศรัทธาในยุคกลางที่ไร้เดียงสา (ถือได้ว่าบริสุทธิ์) ซึ่งไม่จำเป็นต้องตีความพระคัมภีร์ แต่รับรู้พระคัมภีร์ค่อนข้างเย้ายวนและสัมผัสได้นอกรีต

ตัวละครของภาพ - ฮีโร่ที่มายังโลกหลากสีนี้ - อยู่ในพลังขององค์ประกอบสีในพลังขององค์ประกอบหลัก

การไหลของสีมักจะนำตัวละครไปที่ขอบของผืนผ้าใบ: ไม่ใช่ตัวฮีโร่เองที่สำคัญ แต่กระแสที่พาเขาไป ศิลปินทั้งสองมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยบุคคลที่ดูเหมือนจะ "หลุด" จากการเรียบเรียง (เอฟเฟกต์ของภาพถ่ายซึ่ง Edgar Degas ซึ่งมีอำนาจมากที่สุดสำหรับ Gauguin หันมาใช้)

องค์ประกอบของภาพวาดนั้นชวนให้นึกถึงการถ่ายภาพสุ่มโดยช่างภาพไร้ความสามารถ ราวกับว่าเขาล้มเหลวในการเล็งกล้องไปที่ฉากที่เขากำลังถ่ายทำ ราวกับว่าช่างภาพตัดภาพออกไปครึ่งหนึ่งโดยไม่ได้ตั้งใจ ห้องว่างจึงอยู่ตรงกลางขององค์ประกอบภาพ และห้องที่ถูกถ่ายภาพก็อยู่บริเวณขอบภาพ

กล่าวคือภาพเหมือนของ Van Gogh วาดภาพดอกทานตะวันภาพวาดที่ฮีโร่ "หลุด" จากพื้นที่ผ้าใบของ Gauguin และแม้แต่ภาพเหมือนตนเองของ Gauguin กับพื้นหลังของภาพวาด "Yellow Christ" - ศิลปินเอง ก็เหมือนกับถูกบังคับออกจากภาพ เอฟเฟกต์แบบเดียวกันนี้ - ผลกระทบของพยานภายนอกต่อความลึกลับ ซึ่งไม่จำเป็นอย่างยิ่งในภาพ - คือสิ่งที่ Munch ประสบความสำเร็จในผลงานของเขาเกือบทุกชิ้น

กระแสสีพาฮีโร่ของเรื่องไปที่ขอบของภาพ ตัวละครถูกผลักออกจากเฟรมด้วยกระแสสี สิ่งที่เกิดขึ้นในภาพ - สีสัน, เวทย์มนตร์, พิธีกรรม - สำคัญกว่าชะตากรรมของพวกเขา

"บุตรชายทั้งสี่ของหมอลินเด้" เอ็ดวาร์ด มุงค์. 2446

“ลูกชายทั้งสี่ของหมอลินเด้” โดย Munch (1903) และ “ครอบครัว Schuffenecker” (1889) โดย Gauguin; Gauguin "ผู้หญิงบนชายทะเล Motherhood" (1899) และ "Mother and Daughter" (1897) โดย Munch มีความคล้ายคลึงกันในทุกประการที่เรามีสิทธิ์ที่จะพูดคุยเกี่ยวกับสุนทรียภาพเดียวโดยไม่คำนึงถึงเหนือและใต้ เป็นการดึงดูดให้ถือว่าความธรรมดาของโวหารเป็นอิทธิพลของอาร์ตนูโว แต่ที่นี่เรากำลังเป็นพยานถึงการเอาชนะของอาร์ตนูโว

เรากำลังพูดถึงความลึกลับในยุคกลางที่แสดงโดยศิลปินในช่วงศตวรรษที่ยี่สิบ

ภาพที่พวกเขาสร้างขึ้นถูกสร้างขึ้นตามสูตรของปรมาจารย์โรมาเนสก์ - ความจริงที่ว่าความสนใจของพวกเขามุ่งเน้นไปที่มหาวิหาร (ในกรณีของ Gauguin สิ่งนี้สังเกตได้ชัดเจนเป็นพิเศษเขามักจะคัดลอกองค์ประกอบของแก้วหูของมหาวิหาร) - อาร์ตนูโว สไตล์เป็นส่วนหนึ่งที่ต้องตำหนิสำหรับสิ่งนี้ อย่างไรก็ตาม ความทรงจำในยุคกลางไม่ได้ยกเลิก แต่เป็นการเตรียมความพร้อมในตอนจบ

"ครอบครัวชูฟเฟเนเกอร์" พอล โกแกง. พ.ศ. 2432

Edvard Munch มีชีวิตอยู่นานพอที่จะเห็นการกลับมาของยุคกลางสู่ยุโรปอย่างเต็มตัว Munch รอดชีวิตจากสงครามโลกครั้งที่หนึ่งและมีชีวิตอยู่จนถึงสงครามโลกครั้งที่สอง ความกระหายในความสำคัญของเขาส่งผลเสียต่อเขา - ในปี 1926 เขาเขียนหลายสิ่งที่มีลักษณะของ Nietzschean แต่ปรุงรสด้วยเวทย์มนต์

ดังนั้นเขาจึงพรรณนาตัวเองว่าเป็นสฟิงซ์ที่มีหน้าอกของผู้หญิงขนาดใหญ่ (ตั้งอยู่ในพิพิธภัณฑ์ Munch ในออสโล) Edvard Munch พัฒนาธีมของสฟิงซ์เมื่อนานมาแล้ว ดูภาพวาด “ผู้หญิงในสามยุค (สฟิงซ์)” (1894 ของสะสมส่วนตัว) ซึ่งผู้หญิงเปลือยถูกเรียกว่าสฟิงซ์ ศิลปินในภาพวาดนี้ให้เหตุผลว่าหลักการของผู้หญิงเผยให้เห็นแก่นแท้อันทรงพลังในช่วงเวลาของการเจริญเติบโต: ภาพวาดแสดงให้เห็นหญิงสาวที่เปราะบางในชุดขาวและหญิงชราผู้โศกเศร้าในชุดสีดำ และระหว่างพวกเขาเป็นผู้หญิงที่เปลือยเปล่าและลึกลับในเวลาของเธอ ความสำคัญทางเพศ

สตรีชาวนอร์ดิกที่เปลือยเปล่ายืนอยู่บนชายฝั่งทะเลสาบ โดยกางขาออกกว้าง ผมของเธอปลิวไปตามลมเหนือ อย่างไรก็ตาม ความงามแบบนอร์ดิกแบบเดียวกันที่มีผมสลวยเคยถูกเรียกว่า "มาดอนน่า" (พ.ศ. 2437 เป็นของสะสมส่วนตัว) การผสมผสานระหว่างตำนานนอกรีตและสัญลักษณ์ของคริสเตียนที่เป็นลักษณะเฉพาะของ Munch มีผล

ดังนั้นในปี 1926 ศิลปินจึงพรรณนาตัวเองว่าเป็นสฟิงซ์ โดยให้ลักษณะความเป็นผู้หญิงแก่ตัวเอง (นอกเหนือจากหน้าอกแล้ว ยังมีผมหยิกเป็นลอนอีกด้วย แม้ว่า Munch จะตัดผมสั้นเสมอก็ตาม) ควรสังเกตว่าการผสมผสานของหลักการซึ่งเป็นส่วนผสมที่ผสมผสานระหว่างผู้หญิงคนนอกรีตกึ่งศาสนาเป็นลักษณะของผู้มีวิสัยทัศน์หลายคนในยุค 30

ในเวทย์มนต์นอร์ดิกของลัทธินาซี (ดูบทสนทนาบนโต๊ะของฮิตเลอร์ ละครของเกิ๊บเบลส์ในยุคแรก หรือผลงานยุคแรกของอิบเซิน ซึ่งฮิตเลอร์เคารพนับถือ) ลัทธิผสมผสานนี้ปรากฏด้วยความไม่รอบคอบ อาจเป็นไปได้ว่า Gauguin หลีกเลี่ยงการก่อสร้างที่ไพเราะนี้ (ไม่มีเรื่องประโลมโลกในงานศิลปะของ Gauguin เลย) เนื่องจากเขาไม่รู้สึกทึ่งกับหลักการของผู้หญิง

นอกจากนี้เขายังวาดภาพ "ภูเขาแห่งมนุษยชาติ": ชายหนุ่มที่เปลือยเปล่ามีกล้ามปีนขึ้นไปบนไหล่ของกันและกัน ทำให้เกิดปิรามิดที่มีความหมายเหมือนกับที่นักกีฬา Rodchenko หรือ Leni Riefenstahl สร้างขึ้นจากร่างกายของพวกเขา นี่เป็นผลงานที่หยาบคายอย่างยิ่ง - และความคล้ายคลึงกับมิชชันนารีนักมายากล Gauguin ไม่ปรากฏในภาพวาดเหล่านี้

ในปี 1932 พิพิธภัณฑ์ซูริกได้จัดนิทรรศการ Edvard Munch อย่างกว้างขวาง (ซึ่งตรงกับวันเกิดครบรอบ 70 ปีของปรมาจารย์) โดยจัดแสดงผลงานจำนวนมากโดยชาวนอร์เวย์พร้อมกับแผงของ Paul Gauguin เรื่อง "เราคือใคร" เรามาจากไหน? เราจะไปที่ไหน?". ดูเหมือนว่านี่จะเป็นครั้งแรกและอาจเป็นเพียงข้อความเดียวเกี่ยวกับความคล้ายคลึงกันของปรมาจารย์

เหตุการณ์ต่อมาทำให้ชีวประวัติของ Munch กลายเป็นเรื่องราวที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง

ชีวิตอันยาวนานของ Edvard Munch ทำให้เขาก้าวต่อไปตามเส้นทางแห่งเวทย์มนต์และความยิ่งใหญ่ อิทธิพลของสวีเดนบอร์กค่อยๆลดลงตามแนวคิดเรื่องซูเปอร์แมนซึ่งโดยหลักการแล้วโกแกงเป็นคนต่างด้าวและระยะทางโพลีนีเซียนช่วยเขาจากทฤษฎีล่าสุด

ความฝันแห่งความสำเร็จของชาวนอร์ดิกเกิดขึ้นเองใน Munch ซึ่งอาจมาจากลักษณะของเทพนิยายนอร์ดิก สำหรับสวรรค์แห่งความเท่าเทียมของตาฮิติที่ Gauguin ยกย่อง ลวดลายของ Junger-Nietzschean เหล่านี้ฟังดูโง่เขลาอย่างยิ่ง

การเล่นสมัยใหม่และ “ยุคกลางใหม่” นั้นดีจนกระทั่งเกมกลายเป็นความจริง

การผสมผสานระหว่างหลักการนอกรีตและการเกี้ยวพาราสีกับลัทธินอกศาสนาในจิตวิญญาณของ Nietzsche กลายเป็นลัทธิฟาสซิสต์ของยุโรป Munch สามารถมีชีวิตอยู่ได้จนกระทั่ง Goebbels ส่งโทรเลขมาแสดงความยินดีกับ "ศิลปินที่ดีที่สุดของ Third Reich"

โทรเลขดังกล่าวมาถึงที่ทำงานอันห่างไกลของเขาในถิ่นทุรกันดาร ซึ่งเขารู้สึกว่าได้รับการปกป้องจากการล่อลวงของโลก - โดยทั่วไปแล้วเขากลัวการล่อลวง

สำหรับเครดิตของ Munch จะมีการกล่าวกันว่าเขาไม่ยอมรับลัทธินาซีและโทรเลขของ Goebbels ทำให้ศิลปินตะลึง - เขานึกไม่ออกด้วยซ้ำว่าเขากำลังปูทางไปสู่ตำนานของลัทธินาซี ตัวเขาเองดูไม่เหมือนซูเปอร์แมน - เขา ขี้อายและเงียบ ยุคกลางย้อนยุคอนุญาตให้บุคคลที่เป็นอิสระรักษาเสรีภาพได้มากเพียงใด และไสยศาสตร์ทางศาสนาที่กระตุ้นให้เกิดการมาถึงของผู้ร้ายที่แท้จริงนั้นมากน้อยเพียงใด

สำนักเวทย์มนต์ภาคใต้และภาคเหนือก่อให้เกิดการเปรียบเทียบและจินตนาการ

ภาพเหมือนตนเองครั้งสุดท้ายของศิลปิน - "ภาพเหมือนตนเองระหว่างนาฬิกากับโซฟา" - บอกผู้ชมว่าซูเปอร์แมนกลายเป็นฝุ่นได้อย่างไร

เขาแทบจะยืนไม่ไหว เป็นชายชราที่อ่อนแอและพังทลาย และนาฬิกาที่อยู่ข้างๆ เขากำลังเดินอย่างไม่หยุดยั้ง นับถอยหลังนาทีสุดท้ายของเทพนิยายทางตอนเหนือ

ภาพ: WORLD HISTORY ARHIVE/EAST NEWS; พยุหะสื่อ; บริดจ์แมน/โฟโตโดม; ข่าว AKG/ตะวันออก; ฝ้าย/พยุหะ-สื่อ

Edvard Munch "The Death of Marat", 1907 Expressionism Edvard Munch เป็นศิลปินชาวนอร์เวย์ที่มีชื่อเสียงที่สุด ภาพวาดอันโด่งดังของเขา “The Scream” ฝังแน่นอยู่ในจิตสำนึกของผู้คน Munch ได้รับแรงบันดาลใจในการสร้างสรรค์ผลงานชิ้นนี้โดย Jean-Paul Marat นักปฏิวัติชาวฝรั่งเศส ชายคนนี้ต้องทนทุกข์ทรมานจากโรคผิวหนังร้ายแรงมาเป็นเวลานานซึ่งทำให้เขาต้องใช้เวลาอยู่ในห้องน้ำซึ่ง Marat ทำงานในบันทึกของเขา มหัศจรรย์…

Edvard Munch “ภาพเหมือนตนเองในนรก”, พิพิธภัณฑ์ Munch ปี 1903, ภาพเหมือนตนเองในนรกของ Oslo Expressionism” วาดหลังจากการเลิกรากับ Tulla Larsen... “บ่อยครั้งที่ฉันตื่นขึ้นมาตอนกลางคืน มองไปรอบๆ ห้องแล้วถามตัวเองว่า: “ฉันอยู่ในนรกเหรอ?” เอ็ดวาร์ด มุงค์

Edvard Munch “Vampire”, 1893 Munch Museum, Oslo Expressionism ความกลัวชั่วนิรันดร์ของศิลปินต่อผู้หญิงได้รับการแสดงออกสูงสุดในภาพวาดนี้ ผมสีแดงสด - ร่องรอยของเลือดที่ชัดเจน - ไหลลงมาสู่เหยื่อผู้เคราะห์ร้าย นางเอกคว้าคอเหยื่อเอาแต่ใจอย่างนักล่า งานเต็มไปด้วยบรรยากาศสยองขวัญหนาทึบ สีถูกเลือกตามรสนิยมเพื่อให้เข้ากับความกลัวและความซับซ้อนของตัวเอง….

Edvard Munch “Jealousy”, 1895 คอลเลกชันส่วนตัว Expressionism Jealousy เป็นความรู้สึกทำลายล้างที่ทำให้บุคคลและโลกทั้งใบรอบตัวเขาผิดรูป ศิลปินวิเคราะห์เหตุผล แสดงผล มีปรัชญาแต่ไม่สามารถลงลึกได้ ค้นหาวิธีรักษา บอกเหตุผลได้ ภาพวาดที่มีชื่อเดียวกันว่า "อิจฉา" นั้นแตกต่างกันมาก ต้นแบบจะทำการทดลองโดยใช้สี มองหามุม ฉากฉาก และการจัดองค์ประกอบภาพ สิ่งหนึ่งที่ยังคงไม่เปลี่ยนแปลง - การมีอยู่...

Edvard Munch “Girls on the Bridge”, หอศิลป์แห่งชาติปี 1901, Oslo Expressionism การใคร่ครวญและความสงบสุขครอบงำในงานนี้โดยชาวนอร์เวย์ผู้ยิ่งใหญ่ ความสงบยามเย็น. ผิวน้ำที่บริสุทธิ์ บ้านสีขาวบริสุทธิ์บนชายฝั่ง เด็กสาวสามคนในชุดสีสดใสทำให้คุณคิดว่าทุกอย่างเกิดขึ้นในวันหยุด อารมณ์ค่อยๆ เปลี่ยนไป ความโศกเศร้าบางอย่างก็เข้ามา วันหยุดกำลังจะผ่านไป สาวๆ คอยดู...

Edvard Munch “The Dance of Life”, หอศิลป์แห่งชาติปี 1899, Oslo Expressionism Life คือการเต้นรำ แนวคิดที่เรียบง่ายเป็นแรงบันดาลใจให้อาจารย์สร้างภาพวาดนี้ ด้านซ้ายคือวัยเยาว์ ด้านขวาคือวัยชรา ตรงกลางคือคู่รักที่เป็นผู้ใหญ่ หากเยาวชนเต็มไปด้วยความคาดหวังอย่างไม่อดทนในการเริ่มต้นการเต้นรำ วัยชราก็เฝ้าดูคู่รักอย่างน่าเศร้าและจมอยู่ในความทรงจำ คู่รักคนกลางเป็นคนสบายๆ และถี่ถ้วน สิ่งสำคัญในตัวพวกเขาคือความสุข...

Edvard Munch “Ashes”, หอศิลป์แห่งชาติปี 1894, Oslo Expressionism เนื้อเรื่องของภาพเขียนสามารถสรุปได้ในบรรทัดเดียวของพุชกิน: “มันจบลงแล้ว: ไม่มีความเชื่อมโยงระหว่างเรา” ศิลปินดึงความสนใจของผู้ชมไปที่สถานะทางอารมณ์ของตัวละคร ชายผู้นี้ปิดตัวเองจากโลกภายนอก ประสบการณ์ของเขาอยู่ลึกเข้าไปในใจ เขาถูกปิดทั้งทางร่างกายและอารมณ์ ผู้ชมไม่ได้สังเกตเห็นเขาในทันที ในทางกลับกัน ผู้หญิงคนนั้นเป็นศูนย์กลางขององค์ประกอบ...

Edward “Evening on Karl Johans Street”, 1892 คอลเลกชั่นของ Rasmus Meyer, Bergen ภาพวาดนี้แสดงให้เห็นทางสัญจรใจกลางออสโล - ประตู Karl Johans ซึ่งสว่างไสวด้วยแสงไฟยามเย็น ผู้ชมชนชั้นกลางเดินไปตามทางเท้า - สุภาพบุรุษสวมหมวกทรงสูงและแจ็กเก็ต สุภาพสตรีสวมหมวกทันสมัย ใบหน้าที่ซีดเซียวของพวกเขาไร้อารมณ์และลักษณะเด่นใด ๆ คล้ายกับหน้ากากไร้หน้า หากห่างไกลจากกระแสมนุษย์นี้ เราสามารถมองเห็น...

"กรีดร้อง." หนึ่งในภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของ Edvard Munch พ.ศ. 2436

อย่างไรก็ตาม จานสีของพวกเขามีชีวิตแห่งสีที่พิเศษเหมือนกัน ซึ่งฉันนิยามได้ว่าเป็นคอนทราสต์ที่ซ่อนอยู่ ทั้ง Munch และ Gauguin วาดภาพในลักษณะเดียวกัน โดยหลีกเลี่ยงการปะทะกันของสีต่างๆ (ตรงกันข้ามกับที่ Van Gogh ชื่นชอบ) โดยจัดเรียงสีน้ำเงินเป็นสีน้ำเงินอย่างนุ่มนวล และสีฟ้าอ่อนเป็นสีม่วงไลแลค แต่ท่ามกลางความคล้ายคลึงอันเงียบสงบมักมีแสงแฟลชของสีที่ตัดกันซ่อนอยู่ ซึ่งศิลปินนำเสนอต่อสายตาของผู้ชมโดยไม่คาดคิดหลังจากแนะนำให้ผู้ชมรู้จักกับช่วงของความคล้ายคลึงกัน

ดังนั้นในผลรวมสีทองของ Gauguin กลางคืนสีม่วงเข้มที่ตรงข้ามกับสีทองจึงฟังดูมีพลัง แต่ไวโอเล็ตไม่เข้ามาในภาพทันที กลางคืนลงมาอย่างแฝงเร้น เตือนตัวเองอย่างเงียบ ๆ แต่เมื่อลงมากลางคืนก็ปกคลุมและซ่อนทุกสิ่ง: โทนสีทองและสีที่สั่นไหวหายไปในความมืด พลบค่ำซึ่งค่อยๆ หนาขึ้นอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ อาจเป็นคำอธิบายที่เหมาะสมที่สุดของพาเล็ตต์ของ Munch เอ็น และเราดูภาพเขียนของ Munch และ Gauguin ด้วยความรู้สึกไม่สอดคล้องกันที่ซ่อนอยู่ภายในภาพ - และยิ่งประทับใจมากขึ้นเมื่อภาพระเบิดด้วยความเปรียบต่างและส่งเสียงกรีดร้องออกมาอย่างกะทันหัน

ดูภาพวาด "The Scream" ของ Munch เสียงร้องดูเหมือนจะสุกงอมจากภายในผืนผ้าใบ มันถูกเตรียมไว้อย่างค่อยเป็นค่อยไป แสงวาบและสายฟ้าแลบของพระอาทิตย์ตกดินไม่ดังขึ้นในทันที แต่ค่อยๆ เสียงร้องแห่งความเหงาที่ดึงออกมาอย่างสิ้นหวังเกิดขึ้นจากการเทียบสีที่นุ่มนวลอย่างจงใจ และเมื่อมันเกิดขึ้น มันก็จะขยายใหญ่ขึ้นและเติมเต็มพื้นที่นั้นและสิ่งนี้เกิดขึ้นกับทุกภาพวาดของ Munch

"แสงแดด". เอ็ดวาร์ด มุงค์. พ.ศ. 2434

เส้นหยักที่ไหล - บางครั้งก็เป็นลำธารบนภูเขา, บางครั้งก็เป็นลอนของหญิงสาวในทะเลสาบ, บางครั้งก็เป็นเงาของต้นสนที่แผ่กระจาย - พวกมันมีไว้เพื่อสงบมิใช่หรือ? ภาพวาดของ Munch ดูเหมือนจะกล่อมให้คุณนอนหลับ คุณสามารถจินตนาการได้ว่าภาพวาดเหล่านี้กำลังเล่านิทานก่อนนอนให้คุณฟังอย่างเงียบๆ อย่างไรก็ตาม การเพิ่มความเข้มข้นของความสามัคคีทางตอนเหนือของเรื่องราวสบายๆ ขึ้น Munch ได้เปลี่ยนเรื่องราวที่อ่อนโยนและไพเราะให้กลายเป็นโศกนาฏกรรม โดยไม่คาดคิด สำหรับผู้ชม ซิมโฟนีสีค่อยๆ ดังขึ้น และทันใดนั้นก็ฟังดูสิ้นหวัง ไม่ลงรอยกัน และร้องเสียงแหลม

อย่างไรก็ตามจะมีการกล่าวกันว่านิตยสารโซเวียต "Youth" ในยุค 60 เป็นการรำลึกถึง Munch อย่างสมบูรณ์ซึ่งค้นพบโดยศิลปินกราฟิกโซเวียตในเวลานั้น: ทรงผมที่สลวยของครูในชนบทโปรไฟล์ที่แกะสลักของหัวหน้าวิศวกร - ทั้งหมดนี้มาจากที่นั่น จากความงดงามทางตอนเหนือของ Munch อย่างไรก็ตาม เอ็ดวาร์ด มุงค์ เองก็ไม่ได้เป็นคนอภิบาลแต่อย่างใด ซึ่งต่างจากมหากาพย์ของเขาตรงที่เราสามารถมองทะลุผ่านละครเมโลดราม่าที่แสนจะน่าติดตามได้ว่าสิ่งใดที่คัดลอกไม่ได้และสิ่งใดที่ยากต่อการเคลื่อนผ่าน

"ตรอกอลิสแคมป์" พอล โกแกง. พ.ศ. 2431

ฮิสทีเรียที่ซ่อนอยู่ในการเกี้ยวพาราสีในร้านเสริมสวยนั้นเป็นลักษณะทั่วไปของละครแนวสแกนดิเนเวีย - จำตัวละครของอิบเซ่น สิ่งนี้อาจชดเชยความช้าของตำราเรียนทางตอนเหนือได้ในระดับหนึ่ง นั่นคือ การกระทำจะดำเนินไปอย่างช้าๆ แต่วันหนึ่งก็มีการระเบิด

ศิลปินเองก็เช่นกัน: มีคนตีโพยตีพายอยู่ตลอดเวลา - มันเป็นเพียงฮิสทีเรียที่เย็นชาทางตอนเหนือเป็นพิเศษ มันอาจจะไม่สังเกตเห็น ในลักษณะที่ปรากฏปรมาจารย์นั้นสงบแม้จะดูเรียบร้อยแจ็คเก็ตของเขาติดกระดุมทุกปุ่ม เป็นเรื่องที่น่าแปลกใจที่แม้จะถูกทิ้งให้อยู่ตามลำพังในถิ่นทุรกันดาร Munch ก็ยังคงรักษารูปลักษณ์ดั้งเดิมของผู้อยู่อาศัยในเมืองทางตอนเหนือ - เจ้าหน้าที่ชาวสแกนดิเนเวียที่น่าเบื่อผู้ชายในคดี: เสื้อกั๊ก, เน็คไท, เสื้อเชิ้ตที่มีแป้งและบางครั้งก็เป็นหมวกกะลา . แต่นี่เป็นคนเดียวกับที่โยนผ้าใบที่ไม่สำเร็จออกไปนอกหน้าต่าง: เขาเปิดหน้าต่าง, ฉีกผ้าใบออกจากเปล, ขยำภาพวาด, โยนมันออกไปที่ถนน, เข้าไปในกองหิมะ - เพื่อให้ภาพวาดนอนอยู่ในหิมะ หลายเดือน.

Munch เรียกการตอบโต้ต่องานศิลปะว่า "การปฏิบัติต่อม้า": พวกเขากล่าวว่าถ้าภาพไม่แตกสลายจากขั้นตอนดังกล่าวมันก็คุ้มค่าอะไรบางอย่างซึ่งหมายความว่ามันสามารถดำเนินต่อไปได้ หลายสัปดาห์ผ่านไป อาจารย์เริ่มมองหาผืนผ้าใบที่ถูกลงโทษ - เขาตักหิมะออกไปแล้วมองดูสิ่งที่เหลืออยู่บนผืนผ้าใบ

“มนุษย์ ก็เป็นมนุษย์เหมือนกัน” (ตามที่ Nietzsche ชอบพูด) กลายเป็นเพียงวัตถุสำหรับท่าทางสุนทรีย์แห่งความทันสมัย นอกจากเทพนิยายนอร์เวย์และอิบเซ่นแล้ว เรายังต้องระลึกถึง Nietzsche ด้วย เขาไม่ใช่ชาวสแกนดิเนเวียแม้ว่าเขาจะหลงใหลในสุนทรียศาสตร์แบบนอร์ดิกอย่างดื้อรั้นและลักษณะทางปรัชญาของชาวนอร์ดิกก็คือสิ่งนี้: นักปรัชญา - กวีผู้เลือดเย็นและตีโพยตีพายคนนี้ก็เป็นคนบ้าบิ่นเช่นกันเมื่อระบุว่า Munch เป็นฮีโร่ของเทพนิยายสแกนดิเนเวียเราจะเห็นความคล้ายคลึงของเขากับ Gauguin ได้แม่นยำยิ่งขึ้น พวกเขารวมกันเป็นหนึ่งด้วยความรู้สึกของการดำรงอยู่อย่างเหลือเชื่อและไร้เหตุผล ซึ่งตรงกันข้ามกับความเป็นจริง คุณสามารถใช้สำนวน "จุดเริ่มต้นที่ลึกลับ" โดยมีข้อแม้ว่าเรากำลังพูดถึงผลกระทบของสีที่มีต่อจิตวิทยาของผู้ชม

"แม่และลูกสาว". เอ็ดวาร์ด มุงค์. พ.ศ. 2440

วัตถุไม่ได้ถูกแยกออกจากอวกาศด้วยรูปร่าง - และแม้ว่า Gauguin ในยุค Pont-Aven จะเลียนแบบเทคโนโลยีกระจกสีในช่วงสั้น ๆ ก็ตาม! – แต่ถูกล้อมรอบด้วยสีของเหลวของอวกาศ บางครั้งอาจารย์ก็วาดเส้นสีต่างๆ รอบวัตถุหลายๆ ครั้ง ราวกับกำลังวาดภาพอากาศ ลำธารสีเหล่านี้ไหลรอบวัตถุ (เปรียบเสมือนกระแสน้ำที่ไหลรอบเกาะ) ไม่มีความสัมพันธ์กับวัตถุจริงหรือวัตถุที่ปรากฎในภาพเลย

พวกเขาวาดภาพบนผืนผ้าใบโดยปฏิบัติตามแรงกระตุ้นที่ผิดธรรมชาติและผิดธรรมชาติ พวกเขาใช้สีที่แสดงออกถึงสภาพลึกลับของจิตวิญญาณ - คุณสามารถทาสีท้องฟ้ายามค่ำคืนสีชมพูอ่อนท้องฟ้ากลางวันสีม่วงเข้มและสิ่งนี้จะเป็นจริงกับภาพการออกแบบและธรรมชาติและมุมมองต้องทำอะไรบ้าง กับมันเหรอ?

วัตถุ "สะพาน" มีความน่าสนใจเนื่องจากกระดานที่ขนานกันนำสายตาของผู้ชมไปสู่ส่วนลึกเช่นลูกศรบอกทิศทาง แต่ในขณะเดียวกันศิลปินก็วาดภาพกระดานเป็นกระแสสีเหมือนกระแสสีที่น่าอัศจรรย์และสีนี้ไม่มีอะไรจะทำได้ ทำด้วยมุมมอง

"ยามเย็นที่ถนนคาร์ล โยฮัน" เอ็ดวาร์ด มุงค์. พ.ศ. 2435

ศิลปินยังชอบวาดภาพถนนที่ทอดยาวออกไป (“ยามเย็นบนถนนคาร์ล โยฮัน”, พ.ศ. 2435) ซึ่งเป็นแนวเส้นของถนน ซึ่งนำผู้ชมให้ลึกเข้าไปในภาพ ซึ่งตัดกันกับสีเรียบๆ เปรียบเทียบกับภาพวาดทิวทัศน์ที่คล้ายกันของ Gauguin เช่น Alley Alyscamps ซึ่งวาดในปี 1888 ในเมือง Arles ผลแบบเดียวกันของมุมมองที่แปลก ไร้มุมมอง; ผลของระยะใกล้ทำให้พื้นที่หยุดทำงาน

"ความเป็นแม่". พอล โกแกง. พ.ศ. 2442

"การสูญเสียความบริสุทธิ์" พอล โกแกง. พ.ศ. 2434

"วัยแรกรุ่น" เอ็ดวาร์ด มุงค์. พ.ศ. 2438

ขัดแย้งกันปรมาจารย์ที่อยู่ห่างไกลจากกันสร้างภาพที่เกี่ยวข้อง - แช่แข็งระหว่างลัทธินอกศาสนาและศาสนาคริสต์ในสถานะของศรัทธาในยุคกลางที่ไร้เดียงสา (ถือได้ว่าบริสุทธิ์) ซึ่งไม่จำเป็นต้องตีความพระคัมภีร์ แต่รับรู้พระคัมภีร์ค่อนข้างเย้ายวนและนอกรีต สัมผัสได้

ตัวละครของภาพ - ฮีโร่ที่มายังโลกหลากสีนี้ - อยู่ในพลังขององค์ประกอบสีในพลังขององค์ประกอบหลัก

การไหลของสีมักจะนำตัวละครไปที่ขอบของผืนผ้าใบ: ไม่ใช่ตัวฮีโร่เองที่สำคัญ แต่กระแสที่พาเขาไป ศิลปินทั้งสองมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยบุคคลที่ดูเหมือนจะ "หลุด" จากการเรียบเรียง (เอฟเฟกต์ของภาพถ่ายซึ่ง Edgar Degas ซึ่งมีอำนาจมากที่สุดสำหรับ Gauguin หันมาใช้)

กล่าวคือภาพเหมือนของ Van Gogh วาดภาพดอกทานตะวันภาพวาดที่ฮีโร่ "หลุด" จากพื้นที่ผ้าใบของ Gauguin และแม้แต่ภาพเหมือนตนเองของ Gauguin กับพื้นหลังของภาพวาด "Yellow Christ" - ศิลปินเอง เหมือนถูกบีบออกจากภาพ เอฟเฟกต์แบบเดียวกัน - ผลกระทบของพยานภายนอกต่อความลึกลับ ซึ่งไม่จำเป็นอย่างยิ่งในภาพ - คือสิ่งที่ Munch ประสบความสำเร็จในผลงานของเขาเกือบทุกชิ้น

"บุตรชายทั้งสี่ของหมอลินเด้" เอ็ดวาร์ด มุงค์. 2446

"ครอบครัวชูฟเฟเนเกอร์" พอล โกแกง. พ.ศ. 2432

การเล่นสมัยใหม่และ “ยุคกลางใหม่” นั้นดีจนกระทั่งเกมกลายเป็นความจริง

ภาพเหมือนตนเองครั้งสุดท้ายของศิลปิน “ภาพเหมือนตนเองระหว่างนาฬิกากับโซฟา” บอกผู้ชมว่าซูเปอร์แมนกลายเป็นฝุ่นได้อย่างไร

ภาพ: ประวัติศาสตร์โลกมาถึง/ข่าวตะวันออก; พยุหะสื่อ; บริดจ์แมน/โฟโตโดม; ข่าว AKG/ตะวันออก; ฝ้าย/พยุหะ-สื่อ

ชีวประวัติและผลงานของ เอ็ดวาร์ด มุงค์ (1863 - 1944)

งานของ Edvard Munch ได้รับอิทธิพลมาจากความเจ็บป่วยในวัยเด็กและการสูญเสียคนที่รัก ศิลปินในอนาคตรู้สึกตกใจเป็นพิเศษกับการตายของโซเฟียน้องสาวอายุสิบห้าปีของเขาซึ่งแก่กว่าเขาเพียงปีเดียว

น้องอินเกอร์. พ.ศ. 2427 สีน้ำมันบนผ้าใบ 97 x 67 หอศิลป์แห่งชาติ ออสโล

เมื่ออายุได้ 5 ขวบ เขาสูญเสียแม่ไปเพราะการบริโภค จากนั้นพ่อก็เสียชีวิตในปี พ.ศ. 2432 ศิลปินกล่าวในภายหลังว่าเขาถือว่าปัจจัยเหล่านี้มีความสำคัญมากต่อการพัฒนาตนเองและศิลปะ: “หากปราศจากความกลัวและความเจ็บป่วย ชีวิตของฉันก็คงเป็นเรือที่ปราศจากหางเสือ”

หญิงสาวที่ป่วย. 2428 - 2429 สีน้ำมันบนผ้าใบ 119.5 x 118.5 หอศิลป์แห่งชาติออสโล

ไม่น่าแปลกใจเลยที่งานแรกสุดที่สำคัญมากของ Munch คือ The Sick Girl มีความเกี่ยวข้องกับหัวข้อเรื่องความเจ็บป่วย ในปี 1930 Munch เขียนถึงผู้อำนวยการหอศิลป์แห่งชาติในออสโลว่า "สำหรับภาพวาด The Sick Girl นั้นถูกวาดในช่วงเวลาที่ฉันเรียกว่า "ยุคแห่งหมอน" จากนั้นศิลปินหลายคนก็วาดภาพเด็กป่วยนอนอยู่บนที่สูง หมอน”

ในปี พ.ศ. 2430 Munch วาดภาพ "นิติศาสตร์" โดยมีนักศึกษากฎหมายสามคนนั่งที่โต๊ะกลม ล้อมรอบด้วยหนังสือ ภาพวาดนี้ถูกจัดแสดงในนิทรรศการฤดูใบไม้ร่วงในปี พ.ศ. 2430 โดยเป็นหนึ่งในหกผลงาน และได้รับการวิจารณ์อย่างเหยียดหยามจากนักวิจารณ์

ปี พ.ศ. 2432 ถือเป็นปีชี้ขาดของมุงค์ เขาเริ่มต้นด้วยอาการป่วยหนัก และในระหว่างการพักฟื้น ศิลปินเขียนว่า "Spring" ซึ่งมีข้อความเกี่ยวกับอัตชีวประวัติชัดเจน: การผสมผสานระหว่างความทรงจำเกี่ยวกับการเสียชีวิตของน้องสาวและการฟื้นตัวของเขาเอง

ฤดูใบไม้ผลิ. พ.ศ. 2432 สีน้ำมันบนผ้าใบ 169 x 263.5 หอศิลป์แห่งชาติออสโล

โดยพื้นฐานแล้วภาพวาด "ฤดูใบไม้ผลิ" เกือบจะเป็นเชิงวิชาการในการตีความ อย่างไรก็ตาม ผืนผ้าใบ "คืนฤดูร้อน" ซึ่งวาดในฤดูร้อนเดียวกันนั้นบ่งชี้ว่าศิลปินได้สถาปนาตัวเองในศิลปะยุโรปยุคใหม่ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และก้าวเข้าสู่ศตวรรษที่ 20

คืนฤดูร้อน (อิงเกอร์บนฝั่ง) 2432 สีน้ำมันบนผ้าใบ 126.5 x 162 คอลเลกชันของ Rasmus Meyer, เบอร์เกน

ในขณะที่ทั้งสื่อมวลชนและผู้ชมปฏิเสธงานของ Munch อย่างดื้อรั้น ศิลปินก็เดินทางไปปารีสซึ่งเขาเริ่มคุ้นเคยกับงานศิลปะฝรั่งเศสแบบใหม่ เขาเข้าเรียนการวาดภาพที่โรงเรียนศิลปะ Leon Bonn และเรียนรู้เกี่ยวกับภาพวาดของ Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Monet, Pizarro, Manet และ Whistler ในนิทรรศการศิลปะ เป็นไปได้ว่าผืนผ้าใบ "Night in Saint-Cloud" เขียนขึ้นภายใต้อิทธิพลของ "Nocturnes" ของวิสต์เลอร์

คืนใน Saint-Cloud พ.ศ. 2433 สีน้ำมันบนผ้าใบ 64.5 x 54 หอศิลป์แห่งชาติ ออสโล

ผลงานสองชิ้นที่ปรากฏในภาพยนตร์เรื่อง Night at Saint-Cloud แสดงให้เห็นผลงานของ Munch ในมุมมองที่ต่างออกไป วันฤดูใบไม้ผลิที่ประตูคาร์ล โยฮันเนส ซึ่งวาดในปี พ.ศ. 2433 ระหว่างพำนักระยะสั้นในประเทศนอร์เวย์ สื่อถึงอิทธิพลของอิมเพรสชันนิสต์ได้อย่างแน่นอน เช่นเดียวกับที่ Rue Lafayette สร้างขึ้นหลังจากกลับมาที่ปารีส

วันฤดูใบไม้ผลิที่ประตูคาร์ล โยฮันเนส 2433. สีน้ำมันบนผ้าใบ 80 x 100 ห้องแสดงภาพ เบอร์เกน

ถนนลาฟาแยต. พ.ศ. 2434 สีน้ำมันบนผ้าใบ 92 x 73 หอศิลป์แห่งชาติ ออสโล

Munch ใช้เวลาในเดือนมิถุนายน กันยายน พ.ศ. 2438 และฤดูใบไม้ผลิ พ.ศ. 2439 ในปารีส วาดภาพร่างด้วยสีน้ำมัน ผืนผ้าใบสามผืนที่มีแบบจำลองของชาวปารีสบ่งบอกว่าศิลปินทำงานสอดคล้องกับผลงานของปรมาจารย์เช่น Pierre Bonnard และ Toulouse-Lautrec

โมเดลชาวปารีส พ.ศ. 2439 สีน้ำมันบนผ้าใบ 80.5 x 60.5 หอศิลป์แห่งชาติออสโล

แบบอย่าง. พ.ศ. 2439 สีน้ำมันบนไม้ 65 x 49.5 ราสมุส เมเยอร์ คอลเลคชั่น, เบอร์เกน

"ผ้าสักหลาดแห่งชีวิต: บทกวีแห่งชีวิต ความรัก และความตาย"
งานหลักของ Munch คืองานที่รวมทุกแง่มุมของการดำรงอยู่ของมนุษย์ กล่าวอีกนัยหนึ่งคือ "Frieze of Life"

มาดอนน่า. 2437 - 2438 สีน้ำมันบนผ้าใบ 91 x 70.5 หอศิลป์แห่งชาติออสโล

ในเดือนธันวาคม พ.ศ. 2436 Munch ได้จัดแสดงภาพวาดชุดใหม่ในกรุงเบอร์ลิน ภาพวาด "The Voice" เป็นภาพแรกในรอบหกภาพ ต่อมาภายใต้ชื่อความรัก วัฏจักรนี้จึงกลายเป็นส่วนสำคัญของผ้าสักหลาดแห่งชีวิต

“แสงจันทร์” เป็นอีกหนึ่งภาพวาดจากวัฏจักรนี้ ซึ่งวาดในปี พ.ศ. 2438 ความสนใจของศิลปินมุ่งเน้นไปที่เส้นทางดวงจันทร์บนผืนน้ำ นักจิตวิทยาจะบอกว่าเสาดวงจันทร์เป็นตัวแทนของหลักการของผู้ชาย และน้ำเป็นตัวแทนของผู้หญิง

แสงจันทร์ พ.ศ. 2438 สีน้ำมันบนผ้าใบ 31 x 110 หอศิลป์แห่งชาติ ออสโล

สาธารณชนปฏิบัติต่อ Munch ราวกับเป็นคนบ้าและคิดว่ามันเป็นความท้าทายของสังคมเมื่อธีมของผลงานของเขาเกินขอบเขตของรสนิยมและศีลธรรมอันดี
ไม่มีการจัดแสดงภาพวาด "Maturity" ซึ่งสร้างเสร็จในปี พ.ศ. 2437 แต่ภาพวาดนี้ถือเป็นผลงานชุดก่อนของซีรีส์ "Birth of Love" อย่างไม่ต้องสงสัย

การสุกงอม พ.ศ. 2437 สีน้ำมันบนผ้าใบ 151.5 x 110 หอศิลป์แห่งชาติ ออสโล

ใน Man and Woman ซึ่งวาดในเมืองเบอร์เกนในปี พ.ศ. 2441 Munch สื่อถึงแรงดึงดูดทางเพศที่ร้ายแรงและภัยคุกคามที่เกิดจากเรื่องเพศ

ชายและหญิง. 2441 สีน้ำมันบนผ้าใบ 60.2 x 100 คอลเลกชันของ Rasmus Meyer, เบอร์เกน

ภาพวาดที่มีชื่อวาทศิลป์ว่า "วันถัดไป" ถูกวาดในปี พ.ศ. 2429 จากนั้นก็ถูกทำลาย

วันรุ่งขึ้น พ.ศ. 2437 - พ.ศ. 2438 สีน้ำมันบนผ้าใบ 115 x 152 หอศิลป์แห่งชาติ ออสโล

ภาพวาด "The Kiss" ซึ่งวาดในปี พ.ศ. 2440 นำเสนอองค์ประกอบที่ตรงไปตรงมาและเปลือยเปล่า จากความเป็นจริง มันเป็นฉากที่มีลักษณะเป็นชีวประวัติ ห้องที่ผู้ชายจูบผู้หญิงชวนให้นึกถึง Munch ใน Saint-Cloud

คิส.1897. สีน้ำมันบนผ้าใบ 99 x 81 พิพิธภัณฑ์ Munch ออสโล

ในนิทรรศการที่เมืองไลพ์ซิก สิ่งลึกลับที่สุดอย่างหนึ่งในวงจร Frieze of Life คือภาพวาด "Ashes" องค์ประกอบที่โดดเด่นคือผู้หญิงเธอมองตรงมาที่เรา อย่างไรก็ตาม ความสนใจหลักจะมุ่งเน้นไปที่ท่อนไม้ที่วางอยู่ในแนวนอนในเบื้องหน้า ดูเหมือนว่าท่อนไม้จะกลายเป็นขี้เถ้าแล้ว

ขี้เถ้า พ.ศ. 2437 สีน้ำมันบนผ้าใบ 120.5 x 141 หอศิลป์แห่งชาติ ออสโล

"สามยุคของผู้หญิง" (ประมาณปี พ.ศ. 2437) จัดแสดงครั้งแรกในปี พ.ศ. 2438 ในกรุงสตอกโฮล์มภายใต้ชื่อ "สฟิงซ์" ในนิทรรศการผลงานของมุงค์ในหัวข้อความรัก

ผู้หญิงสามวัย. ประมาณปี 1894 สีน้ำมันบนผ้าใบ 164 x 250 คอลเลคชันของ Rasmus Meyer, เบอร์เกน

ในภาพวาดชื่อดัง "The Scream" - หลังปี 1893 ศิลปินวาดภาพอีก 50 เวอร์ชัน - เรารู้สึกถึงความกลัวและความไร้พลังของมนุษย์เมื่อเผชิญกับธรรมชาติ ในบันทึกประจำวันของเขา Munch เขียนว่า: “ฉันกำลังเดินไปกับเพื่อนสองคน - ดวงอาทิตย์กำลังตก - ทันใดนั้นท้องฟ้าก็กลายเป็นสีแดงเลือด - ฉันหยุด รู้สึกเหนื่อยล้าและพิงรั้ว - เลือดและเปลวไฟพุ่งขึ้นไปเหนือฟยอร์ดสีดำและสีน้ำเงิน และเมือง - เพื่อน ๆ ก็เดินทางต่อไปและฉันตัวแข็งตัวสั่นด้วยความกลัว - และรู้สึกถึงเสียงร้องที่เล็ดลอดออกมาจากธรรมชาติไม่รู้จบ "

ในหัวข้อด้วย

ดวงชะตาแม่นสำหรับวันพรุ่งนี้: LEO ดูดวงที่แน่นอนสำหรับราศีสิงห์สำหรับวันพรุ่งนี้

ดวงแม่นๆ สำหรับวันพรุ่งนี้ : LEO สิ่งที่รอคอย ราศีสิงห์ พรุ่งนี้ ตามดวง

คำทำนายอันเลวร้ายของแม่บ้านศักดิ์สิทธิ์แห่งมอสโกเกี่ยวกับรัสเซียซึ่งกำลังจะเกิดขึ้นจริงแล้ว

ปีอธิกสุรทิน: ความกลัว ความเชื่อโชคลาง และวิทยาศาสตร์

คำทำนาย: ยูเครน, ไครเมีย, ดอนบาส, รัสเซีย, การทำนายสงครามโลกครั้งที่สามเกี่ยวกับไครเมียโดยผู้มีญาณทิพย์