บทคัดย่อเกี่ยวกับระเบียบวินัย:
ศิลปท้องถิ่น

เรื่อง
“การถ่ายภาพก็เหมือนกับรูปแบบศิลปะสมัยใหม่”

เสร็จสิ้นโดย: Zakharova M.S.
นักเรียน 529 – 3 กลุ่ม
ตรวจสอบโดย: E. Streltsova

มอสโก

2010
เนื้อหา:

1.ต้นกำเนิดของการถ่ายภาพ

2. ผู้เชี่ยวชาญด้านการถ่ายภาพ

3. ช่างภาพชาวรัสเซีย

4. ประเภทของการถ่ายภาพ

บทสรุป

1. การกำเนิดของการถ่ายภาพ

ในตอนแรกมีต้นกำเนิดมาจากการถ่ายภาพบุคคลหรือภาพธรรมชาติ ซึ่งทำได้เร็วกว่ามือของศิลปินมาก จากนั้นภาพถ่ายก็แทรกซึมเข้าไปในกิจกรรมของมนุษย์ทุกด้าน ความเที่ยงธรรมและความถูกต้องแม่นยำของภาพถ่ายทำให้เป็นหนึ่งในวิธีที่มีประสิทธิภาพในการแสดงความเป็นจริง ซึ่งเป็นวิธีข้อมูลและเอกสารที่สำคัญที่สุด การถ่ายภาพถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายในงานศิลปะ ซึ่งก่อให้เกิดคำว่าการถ่ายภาพวิจิตรศิลป์ มันเป็นไปได้ที่จะพูดคุยเกี่ยวกับความแตกต่างประเภทของการถ่ายภาพ - ความสามารถของวัสดุต่างๆ ในการถ่ายภาพกลายเป็นที่ต้องการอย่างกว้างขวางในสาขาวิทยาศาสตร์ต่างๆ ซึ่งเป็นตัวกำหนดการเกิดขึ้นของการถ่ายภาพทางวิทยาศาสตร์ ในด้านเทคโนโลยี โดยไม่ต้องมีส่วนร่วมในการถ่ายภาพ สาขาต่างๆ เช่น การพิมพ์และการทำสำเนาได้รับการพัฒนา การถ่ายภาพถือเป็นสถานที่สำคัญไม่แพ้กันในชีวิตประจำวัน ในเวลาไม่ถึง 200 ปีของการดำรงอยู่ การถ่ายภาพโลกได้ผ่านเส้นทางการพัฒนาและปรับปรุงอย่างต่อเนื่องที่ยาวนานและซับซ้อน ในเวลาเดียวกัน ทุกแง่มุมของอุตสาหกรรมได้รับการพัฒนาโดยเชื่อมโยงกัน: วัสดุการถ่ายภาพและกระบวนการทางกายภาพและเคมี หลักการผลิตภาพ อุปกรณ์ถ่ายภาพ ประเภท และเทคนิคการสร้างสรรค์

วันเกิดของการถ่ายภาพถือเป็นวันที่ 7 มกราคม พ.ศ. 2382 เมื่อนักฟิสิกส์ชาวฝรั่งเศส D.F. Arago (1786–1853) แจ้ง Paris Academy of Sciences เกี่ยวกับการประดิษฐ์ของศิลปินและนักประดิษฐ์ L.Zh.M. Daguerre (1787–1851) เป็นวิธีการถ่ายภาพวิธีแรกที่เป็นที่ยอมรับในทางปฏิบัติ เรียกว่า daguerreotype โดยนักประดิษฐ์ อย่างไรก็ตาม กระบวนการนี้นำหน้าด้วยการทดลองของนักประดิษฐ์ชาวฝรั่งเศส J.V. Niépce (1765–1833) เกี่ยวข้องกับการค้นหาวิธีถ่ายภาพวัตถุที่ได้รับภายใต้อิทธิพลของแสง เขาได้พิมพ์ภาพภูมิทัศน์เมืองเป็นครั้งแรกที่ยังมีชีวิตอยู่ ซึ่งทำด้วยกล้อง obscura ในปี พ.ศ. 2369 Niépce ใช้สารละลายแอสฟัลต์ในน้ำมันลาเวนเดอร์เป็นชั้นไวแสงทาบนแผ่นดีบุก ทองแดง หรือเงิน พยายามที่จะนำสิ่งประดิษฐ์นี้ไปใช้ในวันที่ 28 ธันวาคม พ.ศ. 2370 ผู้เขียนได้ส่ง "หมายเหตุเกี่ยวกับ Heliography" และตัวอย่างงานของเขาไปยัง British Royal Society ในปี ค.ศ. 1829 Niepce ได้ทำข้อตกลงกับ Daguerre เพื่อจัดตั้งองค์กรการค้า Niepce-Daguerre เพื่อทำงานร่วมกันเพื่อปรับปรุงวิธีการที่ Niepce และ Daguerre คิดค้นขึ้น ความต่อเนื่องของการพัฒนาของ Niépce คือผลงานต่อมาของ Daguerre ซึ่งในปี 1835 ได้ค้นพบความสามารถของไอปรอทในการเปิดเผยภาพที่แฝงอยู่บนแผ่นเงินที่ไม่ใช่เงินเสริมไอโอดีน และในปี 1837 ก็สามารถจับภาพที่มองเห็นได้ ความแตกต่างของความไวแสงเมื่อเทียบกับกระบวนการ Niépce เมื่อใช้ซิลเวอร์คลอไรด์คือ 1:120
ความมั่งคั่งของดาแกรีไทป์มีอายุย้อนไปถึงช่วงปี 1840-1860 เกือบจะพร้อมกันกับ Daguerre ซึ่งเป็นวิธีการถ่ายภาพแบบอื่น calotype (talbotype) ได้รับการรายงานโดยนักวิทยาศาสตร์ชาวอังกฤษ W.G.F. ทัลบอต (1800–1877) ได้รับการถ่ายภาพในปี 1835 โดยใช้ “ภาพวาดถ่ายรูป” ที่เขาเสนอไว้ก่อนหน้านี้ ข้อเสียที่สำคัญของ "การวาดภาพด้วยแสง" คือการเปิดรับแสงนาน ความคล้ายคลึงกันระหว่างวิธีการของ Daguerre และ Talbot จำกัดอยู่ที่การใช้ซิลเวอร์ไอโอไดด์เป็นชั้นที่ไวต่อแสง มิฉะนั้น ความแตกต่างจะเป็นพื้นฐาน: ในดาแกรีไทป์ จะได้ภาพสีเงินสะท้อนแสงแบบบวกทันที ซึ่งทำให้กระบวนการง่ายขึ้น แต่ทำให้เป็นไปไม่ได้ที่จะรับสำเนา และในคาโลไทป์ของทัลบอต ก็มีการสร้างภาพเชิงลบ ซึ่งก็คือ เป็นไปได้ที่จะพิมพ์จำนวนเท่าใดก็ได้มีการใช้ลำดับเชิงลบ - บวกสองขั้นตอนของกระบวนการ - ต้นแบบของการถ่ายภาพสมัยใหม่
ทั้ง Niepce หรือ Daguerre และ Talbot ไม่ได้ใช้คำว่า "การถ่ายภาพ" ซึ่งได้รับการรับรองและให้สิทธิ์ที่จะมีอยู่ในพจนานุกรมของ French Academy ในปี 1878 เท่านั้น นักประวัติศาสตร์การถ่ายภาพส่วนใหญ่เชื่อว่าคำว่า "การถ่ายภาพ" ถูกใช้ครั้งแรกโดยชาวอังกฤษ เจ. เฮอร์เชล เมื่อวันที่ 14 มีนาคม พ.ศ. 2382 อย่างไรก็ตาม ยังมีอีกเวอร์ชันหนึ่งที่ทราบกันดี โดยให้ความสำคัญกับนักดาราศาสตร์ชาวเบอร์ลิน โยฮันน์ ฟอน แมดเลอร์ (25 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2382)
ผู้ประดิษฐ์ฟิล์มถ่ายภาพคือ G.V. ช่างภาพสมัครเล่นชาวอเมริกัน Goodwin (1822–1900) ยื่นสิ่งประดิษฐ์ในปี 1887 สำหรับ “ฟิล์มถ่ายภาพและกระบวนการผลิต” การเปิดตัวฟิล์มถ่ายภาพ และจากนั้นเป็นการพัฒนาโดยเจ. อีสต์แมน (พ.ศ. 2397-2476) ของระบบการถ่ายภาพโดยใช้วัสดุการถ่ายภาพนี้ นำไปสู่การเปลี่ยนแปลงขั้นพื้นฐานในอุตสาหกรรมการถ่ายภาพ และทำให้การถ่ายภาพเข้าถึงได้สำหรับผู้บริโภคจำนวนมาก ทั้งในทางเทคนิคและทางเศรษฐกิจ
ต่อจากนั้น อุปกรณ์ถ่ายภาพก็เปลี่ยนไปอย่างเห็นได้ชัด และเหนือสิ่งอื่นใดคือในส่วนของออปติคอล ออพติกส์มีความก้าวหน้าอย่างมาก มีมากมายประเภทของเลนส์ ซึ่งเริ่มนำมาใช้ในการถ่ายทำประเภทต่างๆ งานทางศิลปะที่หลากหลายทำให้ช่างภาพต้องเผชิญความต้องการแนวทางที่ละเอียดอ่อนและแตกต่างมากขึ้นในการนำไปปฏิบัติ สำหรับการถ่ายภาพทิวทัศน์และสถาปัตยกรรม พวกเขาเริ่มใช้เฟรมเพื่อให้ได้ "ความจุที่มากขึ้น"เลนส์มุมกว้าง ซึ่งกลายเป็นว่าใช้ไม่ได้กับประเภทการถ่ายภาพเช่นการถ่ายภาพบุคคลเนื่องจากการใช้อย่างหลังทำให้เกิดการบิดเบือนอย่างมากเมื่อถ่ายภาพในระยะใกล้ ซับซ้อนฟิลเตอร์แสง ช่วยให้สามารถแก้ไขเอฟเฟ็กต์ภาพได้อย่างละเอียดและควบคุมการตรึงสีได้อย่างเชี่ยวชาญ แต่คุณสมบัติทั้งหมดของอุปกรณ์ถ่ายภาพสมัยใหม่เหล่านี้สมควรได้รับการพิจารณาแยกต่างหาก

การพัฒนาอุปกรณ์การถ่ายภาพ

กล้องสะท้อนภาพเลนส์เดี่ยวได้รับการจดสิทธิบัตรโดยชาวอังกฤษ ที. ซัตตัน ในปี พ.ศ. 2404 อุปกรณ์ของบริษัทต่างประเทศหลายแห่งได้รับการออกแบบในเวลาต่อมาโดยใช้แบบจำลองของกล้องสะท้อนภาพสะท้อนของเขา กล้องสะท้อนภาพสองเลนส์ถูกคิดค้นโดยชาวอังกฤษ R. และ J. Beck (1880) ในปี 1929 R. Heidicke และ P. Franke นักออกแบบชาวเยอรมันได้พัฒนากล้อง Rolleiflex SLR ซึ่งผลิตด้วยการดัดแปลงต่างๆ มาเป็นเวลาประมาณ 60 ปี และกลายเป็นก้าวสำคัญในการพัฒนาการผลิตกล้อง ในปีพ.ศ. 2498 กล้องแบบกล่องได้รับการจดสิทธิบัตรซึ่งสามารถใส่ไว้ในกระเป๋าถือของผู้หญิงหรือกระเป๋าของแพทย์ได้ สำหรับตำรวจ ในปี 1981 ชาวอังกฤษ T. Bolas ได้พัฒนากล้อง "นักสืบ" แบบมือถือสองตัว (หนึ่งในนั้นมีรูปทรงเหมือนหนังสือ) ซึ่งทำให้สามารถถ่ายภาพสแนปช็อตได้ กล้อง “นักสืบ” มีลักษณะเป็นกระเป๋า กล้องส่องทางไกล หรือนาฬิกา
ในปี ค.ศ. 1890–1950 กล้องที่เรียกว่า Box Camera แพร่หลายมากขึ้น ในบรรดาสถานที่เหล่านั้น กล้อง Kodak (พ.ศ. 2431) ครองตำแหน่งที่โดดเด่นซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของเวทีใหม่ในเทคโนโลยีการถ่ายภาพ กล้องสามารถถ่ายภาพบนแผ่นฟิล์มได้ 100 เฟรมโดยใช้ฐานกระดาษ หลังจากการเปิดรับแสง การประมวลผลฟิล์ม การพิมพ์ และการโหลดกล้องจะดำเนินการโดยผู้เชี่ยวชาญของบริษัท (“ผู้ตกแต่งภาพถ่าย”) คำแนะนำสำหรับกล้องกล่าวว่า “...ตอนนี้การถ่ายภาพเป็นไปได้สำหรับทุกคน คุณกดปุ่ม ที่เหลือเราจะจัดการเอง” การปรากฏตัวในช่วงทศวรรษที่ 1890 วัสดุการถ่ายภาพที่มีความไวแสงสูง การแนะนำฟิล์มแบบม้วนต่อม้วนพร้อมกระดาษป้องกันแสงทำให้เกิดแรงผลักดันในการพัฒนาอุปกรณ์ถ่ายภาพเพิ่มเติม ควบคู่ไปกับการเปลี่ยนจากกล้องกล่องที่ค่อนข้างหนักและเทอะทะไปเป็นกล้องพับขนาดพกพาที่เบาและเล็ก ด้วยขนลูกฟูก ที่มีชื่อเสียงและก้าวหน้าทางเทคนิคที่สุดคือตระกูลกล้องประเภท Ikonta (เยอรมนี) ซึ่งเป็นรุ่นแรกที่ผลิตในปี 2472
ในปี 1912 J. Smith ชาวอเมริกัน ได้สร้างกล้องขนาดเล็กที่มีขนาดเฟรม 24x36 มม. สำหรับฟิล์ม 35 มม. จากนั้นกล้องประเภทนี้ก็ออกวางจำหน่ายในฝรั่งเศส (Homeos-3, 1913), เยอรมนี (Minograph, 1915) และอื่น ๆ อย่างไรก็ตาม สิ่งเหล่านี้ไม่ได้ส่งผลกระทบที่เห็นได้ชัดเจนต่อการพัฒนาอุปกรณ์ถ่ายภาพ ในปี 1913 O. Barnack วิศวกรออกแบบของบริษัท E. Leitz ในเยอรมนี ได้สร้างกล้องต้นแบบขนาดเล็กตัวแรก ซึ่งต่อมาเรียกว่า “Pra-Leika” ในปี 1925 มีการผลิตกล้อง Leika-1 รูปแบบขนาดเล็กชุดแรก (1,000 ชิ้น) พร้อมชัตเตอร์ทางยาวโฟกัส ความเร็วชัตเตอร์ตั้งแต่ 1/20 ถึง 1/500 วินาที และเลนส์ Elmax 3.5/50 ด้วยการผลิตที่แม่นยำและรูปแบบดั้งเดิม กล้องนี้จึงเปิดเวทีใหม่ในการผลิตกล้องและการถ่ายภาพ
การพัฒนาอุปกรณ์ถ่ายภาพนำไปสู่การสร้างกล้องขนาดเล็ก (การพัฒนาครั้งแรกคือกล้อง Minox โดย V. Zappa ชาวเมืองริกา, 1935), กล้องที่ใช้ดิสก์ฟิล์ม (สิทธิบัตรของ D. Dilks, 1926), กล้องสำหรับการถ่ายภาพทางเทคนิคในอุตสาหกรรม และวิทยาศาสตร์ (อุปกรณ์ตระกูล Tekhnika " ของบริษัทเยอรมัน "Linhof" และอุปกรณ์ "Sinar" ของบริษัทสวิสที่มีชื่อเดียวกัน)
ใช้กันอย่างแพร่หลายในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 วัสดุการถ่ายภาพสี เช่นเดียวกับขาวดำที่มีความละเอียดเพิ่มขึ้น แต่ละติจูดในการถ่ายภาพน้อยกว่า จำเป็นต้องมีการผลิตกล้องจำนวนมากพร้อมอุปกรณ์อัตโนมัติเพื่อควบคุมกระบวนการถ่ายภาพ การผลิตอุปกรณ์ดังกล่าวเริ่มขึ้นในช่วงครึ่งหลังของปี 1950 หลังจากการถือกำเนิดของกล้องที่มีระบบควบคุมกึ่งอัตโนมัติ (“Agfa Siletta SL”, 1956) และความเร็วชัตเตอร์อัตโนมัติ (“Agfa Avtomatik 66”, 1956) มีการนำเสนอการออกแบบที่มีการวัดแสงภายใน การวัดแสงเฉพาะจุด (“Pentax Spotmatic” , 1960) และการวัดแสงในท้องถิ่น (“ Leykaflex", 1965), การวัดความสว่างที่รูรับแสงทำงาน (Asahi Pentax SP, 1964), ระบบไดนามิก การควบคุมการสัมผัส TTLDM (“Olympus OM-2”, 1969)
ภาพถ่ายแรกต้องใช้เวลาเปิดรับแสงพอสมควร บางครั้งอาจใช้เวลานานหลายชั่วโมง ในปี ค.ศ. 1839–1840 L. Ibbetson ผู้ใช้อุปกรณ์ที่ใช้เอฟเฟกต์เรืองแสงของมะนาวในเปลวไฟไฮโดรเจน-ออกซิเจน (แสงดรัมมอนด์) จัดการเพื่อให้ได้ชิ้นส่วนปะการังดาแกรีไทป์ภายใน 5 นาที ซึ่งต้องเปิดรับแสงมากกว่า 25 นาทีเมื่อ ถ่ายภาพกลางแดด ในปี ค.ศ. 1854 ในประเทศฝรั่งเศส Gaudin และ Delamare ได้จดสิทธิบัตรดอกไม้ไฟเป็นแหล่งกำเนิดแสง ส่วนผสมที่ติดไฟได้ประกอบด้วยกำมะถัน โพแทสเซียมไนเตรต และพลวง ใช้เวลาเพียง 2-3 วินาทีในการถ่ายภาพบุคคล ความพยายามครั้งแรกที่ประสบความสำเร็จในการใช้แสงไฟฟ้าในการถ่ายภาพเกิดขึ้นโดยเอฟ. ทัลบอต ผู้ใช้ขวดเลย์เดนเพื่อถ่ายภาพวัตถุที่เคลื่อนที่เร็ว (พ.ศ. 2394) สตูดิโอถ่ายภาพที่มีแสงไฟไฟฟ้าปรากฏในอังกฤษ (พ.ศ. 2420) ฝรั่งเศส (พ.ศ. 2422) และเยอรมนี (พ.ศ. 2425) การใช้แสงแอคตินิกที่สว่างซึ่งปล่อยออกมาจากการเผาไหม้ของลวดแมกนีเซียมนั้นควบคุมโดย R. Bunsen และ G. Roskow (1859) ภาพแรกจากชีวิตโดยใช้แหล่งนี้จัดทำโดย A. Brothers ในปี พ.ศ. 2407 แนวคิดเรื่อง "แฟลช" เริ่มแพร่หลายในปี พ.ศ. 2429 เมื่อใช้ผงแมกนีเซียมผสมกับส่วนประกอบอื่น ๆ ที่เพิ่มความเข้มของแสงและลดระยะเวลาการเผาไหม้ให้สั้นลง . ในปี พ.ศ. 2436 Schaufer ได้พัฒนาโคมไฟแฟลชแมกนีเซียมที่มีการจุดระเบิดด้วยไฟฟ้า ซึ่งเป็นลูกบอลแก้วที่มีลวดแมกนีเซียมบรรจุออกซิเจน ข้อเสียคือความเป็นไปได้ที่จะทำลายกระบอกสูบอันเป็นผลมาจากการขยายตัวของออกซิเจนที่อุณหภูมิสูง การออกแบบมีความทันสมัย ไฟแฟลชที่ปลอดภัยได้รับการพัฒนาในประเทศเยอรมนีโดย J. Ostermeier ในปี 1929 โดยในกระบอกบรรจุด้วยอลูมิเนียมฟอยล์
ในปี 1932 ชาวอเมริกัน G. Edgerton เสนอให้ใช้ไฟแฟลชอิเล็กทรอนิกส์แบบใช้ซ้ำได้ในการถ่ายภาพ ในปี 1939 เขาได้สร้างแฟลชโดยใช้หลอดซีนอน และพัฒนาวิธีการจุดไฟแฟลชจากชัตเตอร์กล้อง ซึ่งต่อมาแพร่หลายมากขึ้น แฟลช Mekablitz 100 พร้อมตัวแปลง DC ทรานซิสเตอร์ที่ออกโดย P. Metz ถือเป็นจุดเริ่มต้นของการผลิตไฟแฟลชอิเล็กทรอนิกส์ (1958) การค้นหาการควบคุมขั้นตอนการถ่ายทำเพิ่มเติมนำไปสู่ลักษณะของไฟแฟลชอัตโนมัติที่ทำงานร่วมกันได้ (แฟลชเสริมภายนอก Canon 155A สำหรับกล้อง Canon AE-1, 1976) ซึ่งเมื่อติดตั้งในที่ยึดจะเชื่อมต่อกับกล้องผ่านฟังก์ชันเพิ่มเติม ควบคุมผู้ติดต่อ

2. ผู้เชี่ยวชาญด้านการถ่ายภาพ

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ความก้าวหน้าทางเทคนิคและวิทยาศาสตร์ในสาขาการถ่ายภาพได้นำไปสู่การเกิดขึ้นของเทคนิคใหม่ๆ ที่เป็นเอกลักษณ์ของการถ่ายภาพ หนึ่งในผู้ริเริ่มคือปรมาจารย์ชาวอังกฤษ O. Reilander (1813–1875) ซึ่งรวบรวมองค์ประกอบเชิงเปรียบเทียบ "Two Paths of Life" (1856) จากภาพยนตร์เนกาทีฟ 30 เรื่อง
นักเขียนชาวอังกฤษ L. Carroll (ผู้แต่ง Alice in Wonderland) ได้รับการยอมรับว่าเป็นปรมาจารย์ด้านการถ่ายภาพเด็กที่ดีที่สุด
ตั้งแต่ทศวรรษที่ 1860 เทคนิคการถ่ายภาพกลางแจ้งแพร่กระจาย จนกระทั่งช่วงปี ค.ศ. 1920 มันพัฒนาขึ้นด้วยจิตวิญญาณของการเลียนแบบภูมิทัศน์ที่งดงาม: R. Lamar (ฝรั่งเศส), L. Misson (เบลเยียม), A. Keighley (บริเตนใหญ่) เป็นต้น
ภาพถ่ายธรรมชาติเชิงชาติพันธุ์วิทยาในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ตั้งเป้าหมายในการบันทึกชีวิตของผู้คนที่เชื่อถือได้ ในช่วงเวลาเดียวกันภาพถ่ายข่าวก็ปรากฏขึ้นเช่น R. Fenton ถ่ายภาพตอนต่างๆ จากแนวหน้าของสงครามไครเมียในปี 1853–1856, M.B. Brady, A. Gardner - สงครามกลางเมืองอเมริกา พ.ศ. 2404-2408, A.I. Ivanov, D.N. นิกิติน, เอ็ม.วี. Revensky - สงครามรัสเซีย - ตุรกี ค.ศ. 1877–1878 การประดิษฐ์และปรับปรุงม่านชัตเตอร์ช่องทำให้สามารถถ่ายภาพวัตถุที่เคลื่อนไหวได้ ซึ่งเป็นแรงผลักดันให้เกิดการพัฒนาการถ่ายภาพรายงานข่าวต่อไป
ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 ในผลงานของช่างภาพยังคงเห็นอิทธิพลของเทรนด์การวาดภาพต่างๆ ในเวลาเดียวกัน มีความสนใจในการถ่ายภาพมากขึ้นในการตีความรูปแบบของโลกแห่งความเป็นจริง ผลงานของตัวแทนของขบวนการนี้ (ที่เรียกว่าภาพถ่ายแนวเปรี้ยวจี๊ด) ผสมผสานการเล่นของรูปแบบ เส้นเสแสร้ง การเปลี่ยนโทนสีแสง การสร้างเปอร์สเปคทีฟที่ไม่สมจริง และองค์ประกอบที่ไม่เป็นไปตามวัตถุประสงค์ ช่างภาพถ่ายภาพปูนปลาสเตอร์เก่า รอยแตกในยางมะตอย ฯลฯ โดยเปลี่ยนขนาดและพื้นผิวจนเกินกว่าจะจดจำได้ ทำให้เกิดองค์ประกอบภาพที่มีจิตวิญญาณของศิลปะนามธรรม การค้นหาเส้นทางของศิลปินแนวหน้าไม่ได้ไร้ผลเสมอไป สิ่งเหล่านี้นำไปสู่การพัฒนาวิธีการแสดงออกเฉพาะของตนเองในการถ่ายภาพ เช่น การใช้มุม ภาพระยะใกล้ และการจัดองค์ประกอบภาพที่มีหลายเหลี่ยมเพชรพลอย ในเวลาเดียวกัน หลักการของการตัดสินใจทางศิลปะได้ถูกสร้างขึ้น โดยอิงจากสาระสำคัญของการถ่ายภาพสารคดี พลังแห่งการสื่อสารมวลชนของศิลปะการถ่ายภาพได้รับการเปิดเผยในหลายประเภท
การรายงานสงครามมีอิทธิพลอย่างมากต่อการเปลี่ยนรูปแบบการถ่ายภาพไปสู่รูปแบบสารคดีและการเพิ่มขึ้นของการถ่ายภาพข่าวแบบเห็นอกเห็นใจ

3. ช่างภาพชาวรัสเซีย

Grekov เปิด "สำนักงานศิลปะ" ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก และในปี 1841 เขาได้ตีพิมพ์โบรชัวร์ในมอสโก "จิตรกรที่ไม่มีแปรงและไม่มีสี ถ่ายภาพทุกประเภท การถ่ายภาพบุคคล ทิวทัศน์ ฯลฯ ด้วยแสงที่แท้จริงและด้วยทุกสิ่ง เฉดสีได้ภายในไม่กี่นาที” ในช่วงทศวรรษที่ 1840 ช่างภาพชาวรัสเซียผู้โด่งดัง S.L. ก็เริ่มงานของเขาด้วย เลวิทสกี้. ภาพถ่ายกลุ่มที่เขาถ่ายกับนักเขียนชาวรัสเซียนั้นดีเป็นพิเศษ ในปี พ.ศ. 2392 ช่างภาพได้เปิดสถานประกอบการดาแกรีโอไทป์ "Svetopis" ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก และในปี พ.ศ. 2402 เวิร์กช็อปในปารีส ซึ่งได้กลายเป็นหนึ่งในร้านเสริมสวยที่ดีที่สุดสำหรับการถ่ายภาพบุคคลในยุโรป เขาได้รับรางวัลจากนิทรรศการระดับนานาชาติหลายครั้ง ส.ล. Levitsky เป็นผู้ชนะเหรียญทองจากผลงานการถ่ายภาพในงาน World Exhibition ในกรุงปารีส (พ.ศ. 2394) ในช่วงทศวรรษที่ 1850 A.I. โดดเด่น Denyer (พ.ศ. 2363-2435) สำเร็จการศึกษาจาก Academy of Arts ซึ่งเปิด "การจัดตั้ง Daguerreotype ของศิลปิน Denyer" ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก (พ.ศ. 2394) และตีพิมพ์อัลบั้มภาพถ่ายบุคคลที่มีชื่อเสียงในรัสเซียซึ่งรวมถึงรูปภาพของ นักเดินทาง นักวิทยาศาสตร์ แพทย์ ศิลปิน และนักเขียนชาวรัสเซียที่มีชื่อเสียง ตัวแทนที่โดดเด่นคนสุดท้ายของช่างภาพชาวรัสเซียยุคแรกคือผู้สำเร็จการศึกษาจาก Academy of Arts, V.A. คาร์ริก (ค.ศ. 1827–1878) เขาเป็นที่รู้จักจากประเภทและมุมมองของการถ่ายภาพชาวนาในภูมิภาคของรัสเซียตอนกลาง คอลเลกชันของ V.A. ผลงานของ Carrick ได้รับการจัดแสดง (นอกการแข่งขัน) ในนิทรรศการระดับนานาชาติในลอนดอนและปารีส ในปี พ.ศ. 2419 ปรมาจารย์ได้รับรางวัลช่างภาพจาก Academy of Arts

4. ประเภทของการถ่ายภาพ

การถ่ายภาพขาวดำ
ภาพถ่ายเนกาทีฟขาวดำมีความไวของสีที่แตกต่างจากการมองเห็นของมนุษย์ ตัวอย่างเช่น หากวัตถุที่มีสีม่วงและสีเหลืองถูกยิงด้วยฟิล์มเนกาทีฟที่ไม่มีความไว ดังนั้นภายใต้อิทธิพลของรังสีสีม่วง ภาพจะกลายเป็นสีดำ และภายใต้อิทธิพลของรังสีสีเหลือง ภาพนั้นจะไม่ปรากฏและยังคงโปร่งใส เมื่อพิมพ์เชิงบวก (บนกระดาษภาพถ่าย) สีม่วงจะแสดงเป็นสีขาว และสีเหลืองเป็นสีดำ กล่าวคือ ความสว่างของวัตถุจะบิดเบี้ยวเมื่อส่งสัญญาณในการถ่ายภาพขาวดำ

การถ่ายภาพสี
การถ่ายภาพสีต่างจากการถ่ายภาพขาวดำ โดยครอบคลุมถึงวิธีการเพื่อให้ได้ภาพที่ความสว่างและลักษณะสีของวัตถุถูกถ่ายทอดออกมาเป็นสีที่ใกล้เคียงกับธรรมชาติ การพัฒนาวัสดุถ่ายภาพสามชั้นทำให้สามารถแก้ปัญหาในการได้ภาพสีคุณภาพสูงทั้งบนฟิล์มและกระดาษภาพถ่าย พื้นฐานคือความเป็นไปได้ที่จะได้สีทั้งหมดโดยการเติมฟลักซ์แสงของแม่สีสามสี (แดง เขียว น้ำเงิน) หรือโดยการลบฟลักซ์แสงออกจากสีขาวโดยใช้ชั้นที่เลือกดูดซับแสง หนึ่งในวิธีทั่วไปในการถ่ายภาพสีคือวิธีการได้ภาพสีบนวัสดุภาพถ่ายหลายชั้น

การถ่ายภาพซิลเวอร์เฮไลด์
การถ่ายภาพประเภทนี้ขึ้นอยู่กับการใช้วัสดุการถ่ายภาพ ได้แก่ ฟิล์ม แผ่นถ่ายภาพ และกระดาษถ่ายภาพ วิธีการมีราคาแพงมาก!!!

การถ่ายภาพแบบไม่มีเงิน
คุณสมบัติของวัสดุปลอดเงิน: ความไวแสงต่ำ, การถ่ายทอดฮาล์ฟโทนได้ไม่ดี และมีภาพที่ “นอยส์”; เป็นไปไม่ได้หรือยากที่จะได้ภาพสีด้วย วัสดุการถ่ายภาพไร้เงินใช้สำหรับไมโครฟิล์ม การทำสำเนาและการทำสำเนาเอกสาร การแสดงข้อมูล ฯลฯ

การถ่ายภาพเครื่องบิน
คลังแสงของวิธีการถ่ายภาพแบบดั้งเดิมและความเป็นกลางของเอกสารภาพถ่ายถูกจำกัดด้วยความเป็นสองมิติของภาพถ่าย การถ่ายภาพขาวดำและสี การถ่ายภาพด้วยไฟฟ้า และการบันทึกวิดีโอเป็นการถ่ายภาพประเภทระนาบ และไม่อนุญาตให้ใครก็ตามจินตนาการถึงวัตถุสามมิติตามที่ตามองเห็น การไม่มีมิติที่สามในภาพถ่ายเหล่านี้เกิดจากคุณสมบัติของแสงธรรมดา (ไม่ต่อเนื่องกัน) ซึ่งใช้ในการฝึกถ่ายภาพ

การถ่ายภาพสามมิติ
การถ่ายภาพสามมิติครอบคลุมวิธีการรับภาพถ่าย เมื่อมองดู ความรู้สึกของปริมาตร (สามมิติ) จะถูกสร้างขึ้น ความแตกต่างระหว่างภาพสามมิติและภาพปกติคือภาพสเตอริโอประกอบด้วยภาพคอนจูเกตสองภาพ (ขั้นต่ำ) ภาพคอนจูเกตเป็นภาพที่ได้จากการถ่ายภาพวัตถุเดียวกันจากจุดที่สอดคล้องกับตำแหน่งของดวงตา กล่าวคือ ถ่ายในระดับเดียวกัน ด้วยความสว่างเท่าเดิมและเชื่อมโยงกันด้วยมุมมองเดียว

โฮโลแกรม
ภาพที่เพียงพอต่อวัตถุที่ถ่ายนั้นได้มาจากการใช้โฮโลแกรม ซึ่งเป็นวิธีพิเศษในการบันทึกข้อมูลใดๆ โดยใช้สนามคลื่นที่สอดคล้องกัน ซึ่งแตกต่างจากการถ่ายภาพทั่วไป ในภาพโฮโลแกรมในเลเยอร์ไวแสง ไม่ใช่ภาพออพติคอลของวัตถุที่ถ่ายภาพซึ่งระบุลักษณะการกระจายความสว่างของรายละเอียดที่บันทึกไว้ แต่เป็นรูปแบบการรบกวนที่ละเอียดอ่อนและซับซ้อนของด้านหน้าคลื่นของวัตถุโฮโลแกรม ซึ่งมีข้อมูลที่ครบถ้วนเกี่ยวกับเรื่องนี้ โฮโลแกรมแตกต่างจากการถ่ายภาพประเภทอื่นๆ ตรงที่ถ่ายทอดความสัมพันธ์เชิงพื้นที่ด้วยความแม่นยำที่น่าทึ่ง เช่น องศาของระยะห่างของวัตถุแต่ละชิ้นจากผู้สังเกตที่แตกต่างกัน ขนาดเชิงมุมและเส้นตรง ตำแหน่งสัมพัทธ์ในอวกาศ ทำให้สามารถดูภาพจากมุมต่างๆ และได้รับภาพลวงตาที่สมบูรณ์ของวัตถุที่กำลังรับชมอยู่จริง

5. ประเภทการถ่ายภาพ

ยังมีชีวิตอยู่ (จากมอร์ตธรรมชาติของฝรั่งเศสแท้จริงแล้ว - ธรรมชาติที่ตายแล้ว) - รูปภาพของสิ่งของในครัวเรือนที่ไม่มีชีวิตคุณลักษณะของกิจกรรมใด ๆ ดอกไม้ผลไม้
ประเภทของหุ่นนิ่งเริ่มเป็นรูปเป็นร่างทันทีเมื่อมีการถ่ายภาพ
ความเชี่ยวชาญของการถ่ายภาพในการมองเห็นเฉพาะของตัวเอง แตกต่างจากการวาดภาพ ยังส่งผลต่อความเข้าใจเกี่ยวกับสิ่งมีชีวิตอีกด้วย วัตถุและลวดลายต่างๆ ของหุ่นนิ่งได้ขยายออกไป และความเป็นจริงในชีวิตประจำวันรอบๆ ตัวศิลปินก็แทรกซึมเข้าไปมากขึ้นเรื่อยๆ องค์ประกอบของประเภทอื่นๆ ปรากฏในตัวแบบหุ่นนิ่ง
ชีวิตหุ่นนิ่งได้พบสถานที่ที่คู่ควรในการทำงานของตัวแทนภาพถ่ายโลกหลายคน

ทิวทัศน์ (การจ่ายเงินแบบฝรั่งเศสจากการจ่ายเงิน - ประเทศ, ท้องที่) - ประเภทที่วัตถุของภาพคือธรรมชาติ
ประเภทของทิวทัศน์ก็เหมือนกับภาพหุ่นนิ่ง ที่เริ่มเป็นรูปเป็นร่างตั้งแต่ต้นกำเนิดของการถ่ายภาพ
ในการสร้างผลงานทางศิลปะขั้นสูงในประเภททิวทัศน์ สิ่งสำคัญคือต้องเข้าใจลักษณะเฉพาะของการรับรู้ทิวทัศน์ของภาพถ่ายอย่างชัดเจน ดังที่คุณทราบ เรารับรู้ธรรมชาติของสิ่งมีชีวิตด้วยประสาทสัมผัสที่แตกต่างกัน แต่ส่วนใหญ่ผ่านการมองเห็น วิสัยทัศน์เป็นกล้องสองตาและเทียบไม่ได้กับการมองเห็นจากภาพถ่าย ทั้งในแง่ของการครอบคลุม หรือในช่วงความสว่างที่รับรู้ หรือในการสร้างสี
เมื่อถ่ายภาพทิวทัศน์ งานที่สำคัญที่สุดประการหนึ่งคือการถ่ายทอดพื้นที่นั้นให้ดูน่าเชื่อ ในธรรมชาติเราเห็นว่ามันต่อเนื่อง
ในทุกภูมิทัศน์ มักมีองค์ประกอบที่เหมือนกันและเปลี่ยนแปลงได้ซึ่งมีอำนาจเหนืออารมณ์ของเราเป็นพิเศษ นั่นคือท้องฟ้า ประสบการณ์ภูมิทัศน์ของโลกเป็นเครื่องพิสูจน์ว่าจิตรกรทิวทัศน์ต้องถ่ายภาพท้องฟ้าและ... ทุกสิ่งทุกอย่าง
เมื่อไม่ได้เน้นความสว่าง รายละเอียดเล็กๆ น้อยๆ จะดูโดดเด่นมากเกินไป
สีของกระดาษที่ใช้มีความสำคัญอย่างยิ่งในการถ่ายภาพเอกรงค์ มันสามารถเสริมสร้างหรือขัดขวางความสัมพันธ์ของเราได้
ภูมิทัศน์การถ่ายภาพมือสมัครเล่นในปัจจุบันมักจะทนทุกข์ทรมานจากความธรรมดาของภาพที่ไม่ยุติธรรม และคุณลักษณะสมัยใหม่ที่ผสานเข้ากับธรรมชาติได้ทำลายต้นกำเนิดทางจิตวิญญาณของมันโดยสิ้นเชิง อย่างไรก็ตามความขัดแย้งนี้สามารถสร้างพื้นฐานของเรื่องราวด้านสิ่งแวดล้อมที่ไม่สามารถทำให้คนร่วมสมัยของเราเฉยเมยได้
บ่อยครั้งที่ภูมิทัศน์ทางสถาปัตยกรรม โดยเฉพาะอย่างยิ่งการทำลายอนุสาวรีย์โดยไม่ได้ตั้งใจหรือการทำลายตามธรรมชาติ สามารถทำให้ได้รับคุณค่าของเอกสารทางประวัติศาสตร์ได้ นิเวศวิทยาของวัฒนธรรมเป็นหัวข้อเฉพาะและสำคัญอย่างยิ่งสำหรับช่างภาพ ซึ่งเห็นได้ชัดว่าควรได้รับการกล่าวถึงในรูปแบบใหม่ที่มีสีสัน
สิ่งที่น่าสนใจอีกอย่างคือทิวทัศน์ของภาพถ่ายที่รวมบุคคลไว้ในความหลากหลายของการแสดงออกส่วนบุคคลของเขา
ประเภทแนวนอนมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อการศึกษาด้วยตนเองด้วยภาพ ในช่วงไม่กี่ครั้งที่ผ่านมา เมื่อการพรรณนาถึงธรรมชาติในการวาดภาพมีคุณค่าอย่างมาก การฝึกวาดภาพและการศึกษาเกี่ยวกับภาพเกี่ยวกับธรรมชาติก็เป็นเรื่องของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ด้วยซ้ำ นี่เป็นสิ่งจำเป็นอย่างยิ่งสำหรับช่างภาพที่ไม่มีการศึกษา ประเพณี หรือโรงเรียน คงเป็นการไร้เดียงสาที่จะคิดว่าเทคโนโลยีเพียงอย่างเดียวสามารถทำให้ป่าไม้ดูเหมือนป่าไม้หรือฝนเหมือนฝนได้ ธรรมชาติจะต้องได้รับการศึกษาอย่างต่อเนื่องด้วยการถ่ายภาพ และใช้ธรรมชาติที่เข้าถึงได้ “ผ่าน” สภาพที่เป็นไปได้ทั้งหมด เพื่อให้บรรลุถึงการสร้างภาพขึ้นมาใหม่ในทางบวก จากนั้นตัวแบบที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวซึ่งโดยทั่วไปหาได้ยากในช่างภาพจะเข้าถึงได้บ่อยขึ้นและบ่อยครั้งขึ้น ทัศนคติต่อธรรมชาติเนื่องจากการคุกคามของการทำลายล้างตลอดจนทัศนคติต่ออนุสรณ์สถานทางวัฒนธรรมกำลังเปลี่ยนแปลงไปในปัจจุบัน นี่คือเงื่อนไขเบื้องต้นสำหรับการฟื้นฟูแนวทิวทัศน์ครั้งใหม่ โดยการถ่ายภาพได้สร้างคุณค่าทางศิลปะที่ไม่เหมือนใคร
ภาพเหมือน ถือเป็นงานศิลปะประเภทหนึ่งที่ได้รับความนิยมมาโดยตลอด และในยุคก่อนการถ่ายภาพซึ่งเขียนด้วยมือของศิลปิน โดยทั่วไปเป็นวิธีเดียวที่จะจับภาพรูปลักษณ์ของบุคคลและเก็บรักษาไว้ในความทรงจำของลูกหลาน ด้วยการถือกำเนิดของ daguerreotype มันจึงเข้าถึงได้ง่ายขึ้นและการถ่ายภาพในประเภทแนวตั้งก็ได้รับความนิยมอย่างมากในทันทีกล้าที่จะแข่งขันและประสบความสำเร็จในระดับหนึ่งด้วยการวาดภาพ (แม้ว่าจะได้รับชื่อเล่นที่ดูถูกจากศิลปิน - "การวาดภาพเพื่อคนจน" ").
หากเราพูดถึงการพัฒนาประเภทการถ่ายภาพบุคคลโดยรวมแล้ว คุณสมบัติสองประการ - ความลึกของความเข้าใจในแก่นแท้ของตัวละครมนุษย์ ในด้านหนึ่ง และความปรารถนาในความน่าเชื่อถือสูงสุดของรายละเอียดที่สร้างขึ้นใหม่ในภาพถ่าย อีกด้านหนึ่ง - เป็นพื้นฐานที่มีอยู่ในประวัติศาสตร์การถ่ายภาพทั้งหมด
ประเภทของประเภทนี้มีอยู่อย่างกว้างขวางในการถ่ายภาพในสตูดิโอ M. Sherling เป็นผู้แสดงการวาดภาพบุคคลที่แสดงออก: ในรูปถ่ายของเขา ผู้คนส่วนใหญ่มักถูกนำเสนอในการเคลื่อนไหวภายในที่รุนแรง ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ปรมาจารย์ผู้นี้เลือกเป็นต้นแบบผู้ที่มีอารมณ์รุนแรงโดยธรรมชาติ
A. Shterenberg ได้สร้างชื่อเสียงให้กับตัวเองในฐานะนักวาดภาพเหมือนโคลงสั้น ๆ เขาชอบใช้ช่วงแสงในการถ่ายภาพระยะใกล้เป็นพิเศษ โดยส่วนใหญ่แล้วเราจะเห็นเฉพาะศีรษะของบุคคลนั้นเท่านั้น ดวงตามีบทบาทพิเศษในการถ่ายภาพบุคคลเหล่านี้

ภาพเหมือนรายงาน - (งานอีเว้นท์ งานเฉลิมฉลอง งานแต่งงาน)
การถ่ายภาพบุคคลในสตูดิโอในปัจจุบันคิดเป็นครึ่งหนึ่งของแนวเพลง อีกครึ่งหนึ่งมอบให้กับภาพบุคคลรายงานข่าว ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของการถ่ายภาพสารคดี ในประเภทที่ได้รับความนิยมของการถ่ายภาพวารสารศาสตร์ เช่น บทความ ซีรีส์ รายงาน ภาพถ่ายบุคคลของผู้เข้าร่วมในเหตุการณ์ในชีวิตจริงนั้นพบมากขึ้นเรื่อยๆ ซึ่งแตกต่างจากงานในสตูดิโอที่ผู้เขียนมีโอกาสที่จะแปลงข้อมูลภายนอกของบุคคลอย่างจริงจังโดยใช้วิธีการถ่ายภาพ ที่นี่คือจุดเริ่มต้นที่ชัดเจนของสารคดี
ฯลฯ................

ภาพถ่ายการถ่ายภาพจะแตกต่างกัน

รูปภาพมักถูกถ่ายเพียงเพื่อหยุดช่วงเวลาหนึ่ง เพื่อรักษาความทรงจำของเหตุการณ์หรือสถานที่ที่บุคคลเคยไป เราเรียกภาพประเภทนี้ว่า "ฉันกับต้นปาล์ม" แต่บางครั้งคุณอยากถ่ายภาพที่จะปลุกอารมณ์โดยไม่คำนึงถึงความทรงจำ คุณต้องการถ่ายภาพที่จะแขวนบนผนังราวกับว่ามันเปิดหน้าต่างไปสู่อีกโลกหนึ่ง - ไปยังสถานที่ที่เรายังไม่เคยไปและไม่น่าเป็นไปได้ ถึงเราจะ หน้าต่างสู่โลกแห่งศิลปะ

ใช่ ใช่ มันจะเป็นงานศิลปะที่คุณสร้างขึ้นเอง ไม่ใช่ Michelangelo ไม่ใช่ Saryan และไม่ใช่ Malevich - แค่คุณ ทำไมจะไม่ล่ะ? สิ่งนี้ใช้ได้กับทุกคน คุณเพียงแค่ต้องต้องการมัน

สำหรับผู้ที่มุ่งมั่นที่จะทำอย่างแน่นอน เช่นรูปถ่าย แล้ว ABC ของเราจะมีประโยชน์ สำหรับการถ่ายภาพในชั้นเรียน "ฉันกับต้นปาล์ม" ความรู้ทั้งหมดนี้ไม่จำเป็นอย่างยิ่ง - กล้องดิจิตอลสมัยใหม่ใช้งานง่ายมากและซับซ้อนมากจนทำให้คุณสามารถถ่ายภาพ "พงศาวดารแห่งชีวิต" ได้โดยไม่ต้องใช้ความพยายามแม้แต่น้อย การโอเวอร์โหลดทางจิตวิญญาณ - และด้วยผลลัพธ์ที่ยอดเยี่ยมที่คุณสามารถใช้เติมสตริงลงในอัลบั้มหนา 10x15

จะทราบได้อย่างไรว่าเป็นศิลปะหรือไม่?

หากคุณอยากเห็นรูปถ่ายของคนอื่นเมื่อคุณดูรูปถ่ายของคนอื่น นั่นก็คือศิลปะ เรื่องตลก. แต่แค่เกือบเท่านั้น

สมมติว่าเรารู้จักผลงานชิ้นเอกของเราอยู่เสมอ - อย่าพยายามโน้มน้าวตัวเองเป็นอย่างอื่น ช่างภาพบางคนพยายามอย่างหนักเพื่อให้ได้มาซึ่งความสมบูรณ์แบบโดยละเลยความสำเร็จที่เรียบง่ายและธรรมดาๆ และด้วยเหตุนี้พวกเขาจึงยากจนทั้งตนเองและเรา ในทางกลับกัน คนอื่นๆ จะเห็นแต่ละภาพผ่านฟิลเตอร์สีชมพูเท่านั้น และกีดกันตัวเองจากการประเมินเชิงวิพากษ์อย่างหรูหรา

หากคุณสามารถหลีกเลี่ยงความสุดขั้วดังกล่าวได้ (และความสุดขั้วมักเป็นอันตรายอย่างยิ่ง) สิ่งที่เหลืออยู่ก็คือการฟังเสียงภายในของคุณ เพื่อตัวของเขาเอง เขาจะไม่หลอกลวงคุณ ท้ายที่สุดสิ่งสำคัญคือคุณชอบรูปถ่ายของตัวเอง ถึงผู้สร้าง

และถ้าคุณชอบภาพถ่าย มันคือศิลปะ และงานศิลปะที่แท้จริงสมควรที่จะได้รับการเผยแพร่สู่สาธารณชนทั้งในสื่อสิ่งพิมพ์และในโลก

พิมพ์เป็นผลอันเป็นที่รัก

ภาพถ่ายที่ยอดเยี่ยมของคุณจะกลายเป็นผลงานชิ้นเอกที่แท้จริงหลังจากที่คุณนำเสนอต่อผู้ชมเท่านั้น แม้ว่าเวลากำลังใกล้เข้ามาแล้วเมื่อแผงพลาสมาจะแขวนในแกลเลอรีหรือบนผนังอพาร์ทเมนต์เพื่อแสดงภาพวาด (กรอบอิเล็กทรอนิกส์บนเดสก์ท็อปมีจำหน่ายแล้วในร้านค้า) แต่วิธีที่ง่ายที่สุดในการทำให้ผลงานชิ้นเอกเป็นรูปเป็นร่างยังคงมีการพิมพ์อยู่

หลังจากการถือกำเนิดของเครื่องพิมพ์อิงค์เจ็ทราคาถูกไม่มากก็น้อย คุณสามารถพิมพ์ภาพถ่ายได้โดยตรงที่บ้าน และที่สำคัญที่สุดคือสามารถควบคุมคุณภาพและกระบวนการพิมพ์ได้

การจัดการกระบวนการเป็นสิ่งสำคัญมาก เจ้าของกล้องทุกคนน่าจะเคยตกอยู่ในสถานการณ์นี้อย่างน้อยหนึ่งครั้ง: คุณมาที่ห้องปฏิบัติการเพื่อถ่ายรูป แล้วพวกเขาก็...

• แดงเกินไป...
• สีฟ้าเกินไป...
• เมฆมากเกินไป!
• ...ใช่แล้ว นี่ไม่ใช่รูปถ่ายของคุณเลย!!!

ดังนั้นการพิมพ์ภาพที่บ้านจึงมีความน่าเชื่อถือมากกว่า คุณจะต้องใช้จ่ายเงินกับกระดาษ (ซึ่งยิ่งดีก็ยิ่งแพง!) และหมึก (ซึ่งอาจเป็นต้นฉบับได้ กล่าวคือ จากผู้ผลิตเครื่องพิมพ์ของคุณ หรือถูกกว่า นั่นคือ ไม่ใช่จากผู้ผลิตเครื่องพิมพ์ของคุณ เครื่องพิมพ์).

การพิมพ์คุณภาพสูงที่บ้านไม่ใช่เรื่องง่าย ก่อนอื่นจำเป็นต้องปรับเทียบเครื่องพิมพ์และจอภาพซึ่งคุณจะต้องใช้อุปกรณ์พิเศษ คุณจะต้องมีทักษะในการจัดการสี การเปลี่ยนคอนทราสต์ สี ความอิ่มตัวของสี และลักษณะเฉพาะของภาพอื่น ๆ อีกมากมาย คุณสามารถอ่านเกี่ยวกับทั้งหมดนี้ได้ใน ABC ของเรา

อย่างไรก็ตาม คุณไม่จำเป็นต้องทำทั้งหมดนี้ด้วยตัวเอง แค่หาผู้เชี่ยวชาญที่จะทำทุกอย่างให้คุณในราคาที่สมเหตุสมผล เมื่อเร็ว ๆ นี้มีบริการดังกล่าวปรากฏขึ้นมากขึ้นเรื่อย ๆ สิ่งสำคัญคือต้องไม่ทำผิดพลาดในการเลือก และสำหรับสิ่งนี้มันจะมีประโยชน์สำหรับคุณอีกครั้งในการอ่าน ABC ของเราจนจบ - แม้ว่าคุณจะไม่ได้ประมวลผลและพิมพ์ผลงานชิ้นเอกของคุณด้วยตัวเอง แต่ความคุ้นเคยกับเทคโนโลยีเหล่านี้จะช่วยให้คุณเลือกผู้ดำเนินการที่เป็นมืออาชีพมากที่สุดของคุณได้อย่างมีสติ คำสั่งซื้อ

แง่มุมทางทฤษฎีของการถ่ายภาพในฐานะรูปแบบหนึ่งของวิจิตรศิลป์ ประวัติความเป็นมาของการพัฒนาการถ่ายภาพการจำแนกประเภทของวิธีการแสดงออกในการถ่ายภาพ เป้าหมายประการหนึ่งของการถ่ายภาพคือการถ่ายทอดแก่นแท้ของวัตถุในการถ่ายภาพ ภาพถ่ายเป็นแหล่งรวบรวมช่วงเวลาแห่งชีวิตที่มองเห็นได้ และทำหน้าที่เชื่อมโยงระหว่างรุ่นต่างๆ

หากงานนี้ไม่เหมาะกับคุณ ที่ด้านล่างของหน้าจะมีรายการผลงานที่คล้ายกัน คุณยังสามารถใช้ปุ่มค้นหา

ศิลปะแห่งการถ่ายภาพเป็นหนึ่งในรูปแบบงานศิลปะที่มหัศจรรย์ที่สุดในโลกสมัยใหม่ ผู้คนมักสับสนว่าอะไรคือความจริง ความหลงใหลในการถ่ายภาพพร้อมรูปภาพคนที่คุณรักมากมาย ความรักที่แท้จริงในการถ่ายภาพเป็นมากกว่าภาพถ่าย “ฉันและอนุสาวรีย์” โอกาสที่จะหยุดการไหลของเวลาในช่วงเวลาที่น่าตื่นตาตื่นใจ เพื่อแสดงอารมณ์และความรู้สึกของคุณในภาพถ่ายเล็กๆ เพียงภาพเดียว เพื่อขยายขอบเขตของ “ฉัน” ของคุณ - นั่นคือทั้งหมด ทักษะการถ่ายภาพ- เมื่อคุณสนใจการถ่ายภาพ คุณจะเริ่มมองโลกด้วยสายตาที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง และค้นพบขอบเขตใหม่ๆ ให้กับตัวคุณเองมากขึ้นเรื่อยๆ การเก็บภาพเม็ดฝนเพื่อให้ผู้ที่ดูภาพได้ยินเสียงฝน - นี่เป็นเรื่องจริง ภาพถ่ายเพื่อสิ่งนี้ คุณควรเรียนรู้การถ่ายภาพ

สำหรับผู้ที่เพิ่งเริ่มคุ้นเคยกับการถ่ายภาพ กิจกรรมนี้ดูเหมือนเป็นกิจกรรมที่ค่อนข้างง่าย ฉันจับเฟรมได้กดปุ่มแล้วเทคโนโลยีดิจิทัลจะจัดการที่เหลือเอง ตอนนี้คุณไม่จำเป็นต้องนั่งเป็นเวลาหลายชั่วโมงในห้องน้ำมืดพร้อมกับโซลูชันและนักพัฒนามากมายเพื่อดูผลงานของคุณเหมือนเมื่อก่อน ทุกวันนี้มันเป็นเรื่องจริง ต้องขอบคุณกล้องดิจิตอลอย่างที่นี่ http://www.e-katalog.ru/list/206/panasonic/ และอุปกรณ์อื่นๆ งานของช่างภาพก็น้อยลงอย่างเห็นได้ชัด แต่กล้องเป็นเพียงเครื่องมือในการสร้างภาพ และปรมาจารย์ทำให้มันไม่ใช่แค่ภาพ แต่เป็นเรื่องราวทั้งหมด

ในความเป็นจริง, ศิลปะการถ่ายภาพมีรายละเอียดปลีกย่อยและความแตกต่างมากมาย คำว่า "" จากภาษากรีกแปลว่า "การวาดภาพด้วยแสง" - โดยพื้นฐานแล้วหมายถึงการวาดภาพด้วยแสงซึ่งจะอธิบายเล็กน้อยเกี่ยวกับองค์ประกอบทางเทคนิคบางส่วนของกระบวนการ เทคโนโลยีทั้งหมดในการสร้างภาพถ่ายอยู่ที่การค้นหาองค์ประกอบภาพ แสงที่เหมาะสม และตัวภาพถ่ายเอง ทั้งหมดนี้ถูกกำหนดโดยตนเอง โดยอาศัยทักษะและความสามารถของตนเอง และรสนิยมส่วนตัวโดยธรรมชาติ

ปัจจุบันเป็นเรื่องยากที่จะจินตนาการถึงโลกของเราที่ไม่มีการถ่ายภาพ แต่ละคนใส่ความหมายบางอย่างลงในรูปถ่ายของตน สำหรับบางคน ศิลปะแห่งการถ่ายภาพเชิงศิลปะ– นี่เป็นเอกสารที่มีค่าที่สุดที่เก็บประวัติศาสตร์ของชีวิตทั้งหมด สำหรับบางคน นี่เป็นวิธีที่จะเข้าถึงโลก เป็นวิธีการพูด การถ่ายภาพร่วมสมัย- นี่เป็นวิธีการสื่อสารที่ยอดเยี่ยม ประการแรก ด้วยการช่วยให้คุณแนะนำตัวเองกับผู้คนจำนวนมาก และประการที่สอง เป็นการสนทนากับตัวคุณเอง คุณสำรวจตัวเอง อารมณ์ของคุณ ความเป็นไปได้ที่สร้างสรรค์ รูปถ่ายมันกระตุ้นให้ทุกคนมีความเชื่อมโยง ความทรงจำ ความคิดใหม่เกี่ยวกับตัวเองและความเป็นจริงโดยรอบ และช่วยให้สามารถดึงดูดความสนใจของผู้อื่นได้ ในศิลปะการถ่ายภาพ ทุกคนสามารถพูดคุยเกี่ยวกับความปรารถนา ความรู้สึก และจินตนาการของตนได้โดยไม่ต้องหันกลับมามอง

ในการพัฒนาภาพถ่ายในฐานะงานศิลปะ สิ่งที่สำคัญที่สุดคือการวิจารณ์อย่างเป็นกลาง ก่อนอื่นตัวอาจารย์เองจะต้องสามารถแยกแยะข้อเสียของงานของเขาจากข้อดีได้ คำวิจารณ์จากผู้อื่นก็มีบทบาทสำคัญไม่แพ้กัน ยิ่งผลงานภาพถ่ายของปรมาจารย์มือใหม่ถูกวิพากษ์วิจารณ์อย่างมีความสามารถและมีอำนาจมากขึ้นเท่าใด ข้อพิพาทเชิงสมัครเล่นที่รวดเร็วขึ้นเท่านั้นที่เบี่ยงเบนความสนใจและขัดขวางการสร้างสรรค์และการสังเกตงานศิลปะชั้นสูงจะถูกกำจัดออกจากโลกแห่งการถ่ายภาพ

ประเภทการถ่ายภาพ- โดยพื้นฐานแล้วนี่คือการแสดงออกถึงตัวตนของอาจารย์ ศิลปะที่แท้จริงก้าวข้ามขอบเขตของภาพถ่ายธรรมดาๆ สามารถผสมผสานทั้งวิธีการใหม่ล่าสุด เช่น คอมพิวเตอร์กราฟิก และวัสดุและอุปกรณ์ที่เก่ามาก เช่น กระดาษภาพถ่ายหยาบ การย้อมสี เลนส์ตาข้างเดียว ไม่ว่าในกรณีใด ปัจจัยหลักในศิลปะการถ่ายภาพคือสถานที่ในชีวิตของเรา ภาพถ่ายดังกล่าวไม่ได้จัดทำขึ้นตามคำสั่ง แต่สร้างขึ้นสำหรับแกลเลอรีและคอลเลกชันส่วนตัว นี่คือข้อแตกต่างที่สำคัญที่สุดระหว่างการถ่ายภาพมือสมัครเล่นและการถ่ายภาพ

ทุกวันนี้ ไม่มีใครสงสัยเลยว่าการถ่ายภาพเชิงศิลปะเป็นศิลปะที่สะท้อนวิสัยทัศน์ที่สร้างสรรค์ของช่างภาพในฐานะศิลปิน อย่างไรก็ตาม แม้ในช่วงรุ่งอรุณของการพัฒนาการถ่ายภาพ คำถามที่เฉียบแหลมมานานหลายทศวรรษก็คือ ภาพถ่ายสามารถจัดเป็นงานศิลปะได้ หรือเป็นเพียงไม่มีอะไรมากไปกว่าวิธีการบันทึกและส่งข้อมูลเกี่ยวกับโลกรอบตัวเรา

การถ่ายภาพต้องใช้เวลาหลายปีในการสร้างจุดยืนของตัวเองในโลกศิลปะ ควบคู่ไปกับงานประติมากรรม ภาพยนตร์ ภาพวาด และโรงละคร แต่ตอนนี้ช่างภาพคนใดก็ตามสามารถแสดงทัศนคติของเขาต่อโลกรอบตัวและปรากฏการณ์ต่างๆ ผ่านวิธีการถ่ายภาพ เช่น มุม สี หรือช่วงเวลาที่ต้องการถ่ายภาพ

เมื่อภาพถ่ายพิมพ์ครั้งแรกปรากฏขึ้น ไม่มีใครสนใจการถ่ายภาพอย่างจริงจัง ถือเป็นเพียงการเอาอกเอาใจและการเล่นของเด็กธรรมดาๆ สำหรับกลุ่มคนจำนวนจำกัด ในช่วงปีแรกๆ หลังจากการถือกำเนิดขึ้น การถ่ายภาพไม่สามารถอ้างสิทธิ์ในสารคดีหรือคุณค่าทางศิลปะใดๆ หรือเสรีภาพในการจัดแสงและวิสัยทัศน์ที่สร้างสรรค์ของช่างภาพได้ เนื่องจากข้อจำกัดทางเทคนิค

ในศตวรรษที่ 19 เชื่อกันอย่างกว้างขวางว่าเฉพาะผลงานที่มนุษย์สร้างขึ้นเท่านั้นที่สามารถถือเป็นงานศิลปะได้ ด้วยเหตุนี้ ภาพพิมพ์ที่ได้มาจากวิธีการทางกายภาพและเคมีต่างๆ จึงไม่สามารถอ้างสถานะของงานศิลปะได้ แม้ว่าช่างภาพรุ่นแรกจะพยายามทำให้การจัดองค์ประกอบภาพมีชีวิตชีวาขึ้นด้วยเทคนิคและวิธีการที่น่าสนใจ แต่การถ่ายภาพยังคงเป็นสิ่งเล็กๆ น้อยๆ ที่น่าขบขันในสายตาของความคิดเห็นของสาธารณชน

การถ่ายภาพได้รับการพิจารณาโดยนักวิจารณ์ในยุคนั้นเพียงเป็นเพียงการจำลองกลไกของความเป็นจริง ซึ่งสามารถเป็นเพียงรูปลักษณ์ของการวาดภาพทางศิลปะเท่านั้น จนถึงช่วงทศวรรษที่ 20 และ 30 ของศตวรรษที่ 20 บทความและสิ่งพิมพ์ได้พิจารณาอย่างจริงจังถึงคำถามที่ว่าการถ่ายภาพเป็นศิลปะหรือเป็นเพียงทักษะเชิงประยุกต์และใช้งานได้จริง โดยที่เทคนิคดังกล่าวมีบทบาทสำคัญ ไม่ใช่ตัวช่างภาพเอง

การพัฒนาการถ่ายภาพในฐานะศิลปะมีอยู่หลายช่วงด้วยกัน แม้ในช่วงรุ่งเช้าของการพัฒนาการถ่ายภาพ แต่ก็ไม่ได้แตกต่างจากการวาดภาพมากนัก กล่าวคือ ช่างภาพพยายามใช้เทคนิคการถ่ายภาพที่พวกเขาคุ้นเคยดีในการถ่ายภาพ พวกเขาถ่ายภาพวัตถุขนาดใหญ่และเคลื่อนที่ไม่ได้เป็นหลัก ภาพพิมพ์ภาพถ่ายชุดแรกเหล่านี้เป็นภาพบุคคลหรือแนวนอน นอกจากนี้ เนื่องจากการเกิดขึ้นของอุตสาหกรรมหนังสือพิมพ์ในศตวรรษที่ 19 การถ่ายภาพจึงกลายเป็นช่องทางของหลักฐานสารคดีธรรมดาๆ ของเหตุการณ์บางอย่าง เราบอกได้เลยว่าตอนนั้นไม่มีการพูดถึงการแสดงออกและศิลปะของการถ่ายภาพเลย การถ่ายภาพกลายเป็นศิลปะจริงๆ เมื่อใด?

อาจไม่สามารถระบุวันที่ที่แน่นอนได้ แต่นักประวัติศาสตร์การถ่ายภาพบันทึกเหตุการณ์สำคัญที่เกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2399 จากนั้นชาวสวีเดน Oscar G. Reilander ก็สร้างภาพพิมพ์คอมโพสิตที่มีเอกลักษณ์เฉพาะจากภาพเนกาทีฟรีทัชที่แตกต่างกันสามสิบภาพ ภาพถ่ายของเขาชื่อ “Two Roads of Life” ดูเหมือนจะบรรยายถึงตำนานโบราณเกี่ยวกับการเข้ามาในชีวิตของคนหนุ่มสาวสองคน ตัวละครหลักตัวหนึ่งในภาพหันไปหาคุณธรรม การกุศล ศาสนา และงานฝีมือต่างๆ ในขณะที่ตัวละครอื่นๆ หันไปหาความสุขของชีวิตที่เป็นบาป เช่น การพนัน เหล้าองุ่น และการผิดศีลธรรม ภาพถ่ายเชิงเปรียบเทียบนี้กลายเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางในทันที และหลังจากนิทรรศการในแมนเชสเตอร์ พระราชินีวิกตอเรียเองก็ซื้อรูปถ่ายของ Reilander เพื่อเป็นของสะสมของเจ้าชายอัลเบิร์ต

ภาพถ่ายรวมนี้ถือได้ว่าเป็นผลงานอิสระชิ้นแรกๆ ที่เกี่ยวข้องกับการถ่ายภาพอย่างถูกต้อง แน่นอนว่าแนวทางสร้างสรรค์ของออสการ์ จี. ไรแลนเดอร์นั้นมีพื้นฐานมาจากการศึกษาประวัติศาสตร์ศิลปะคลาสสิกที่เขาได้รับจาก Roman Academy ในอนาคต ชื่อของเขามีความเกี่ยวข้องกับการทดลองต่างๆ ด้วยการตัดต่อภาพ การพัฒนาการถ่ายภาพซ้อน และการถ่ายภาพซ้อนที่น่าทึ่ง

งานของไรแลนเดอร์ดำเนินต่อไปโดยศิลปินและช่างภาพที่มีพรสวรรค์ เฮนรี พีช โรบินสัน ซึ่งมีชื่อเสียงจากภาพถ่ายประกอบของเขาเรื่อง "Leaving" ที่สร้างจากฟิล์มเนกาทีฟ 5 ชิ้น ภาพถ่ายเชิงศิลปะนี้แสดงให้เห็นเด็กผู้หญิงคนหนึ่งกำลังจะตายบนเก้าอี้ โดยพี่สาวและแม่ของเธอยืนอยู่เหนือเธออย่างเศร้าใจ และพ่อของเธอมองออกไปนอกหน้าต่างที่เปิดอยู่ ภาพถ่าย “จากไป” ถูกวิพากษ์วิจารณ์ว่าบิดเบือนความจริง แต่ก็ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวาง ราชสำนักอังกฤษได้มาทันทีและมกุฏราชกุมารยังทรงสั่งให้โรบินสันยืนหยัดเพื่อพิมพ์ภาพถ่ายดังกล่าวหนึ่งภาพ

โรบินสันเองก็กลายเป็นตัวแทนชั้นนำของสิ่งที่เรียกว่าการถ่ายภาพในอังกฤษและยุโรป ทิศทางของศิลปะการถ่ายภาพนี้ครองตำแหน่งที่โดดเด่นในการถ่ายภาพจนถึงทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 มีการใช้เอฟเฟ็กต์ภาพและเทคนิคมากมายในการถ่ายภาพ

ต้องบอกว่าการถ่ายภาพมาเป็นเวลานานไม่สามารถหนีจาก “เงา” ของการวาดภาพได้ อย่างไรก็ตาม การพัฒนาภาพถ่ายในฐานะงานศิลปะอิสระเมื่อต้นศตวรรษที่ผ่านมาได้รับการอำนวยความสะดวกอย่างมากจากการจัดนิทรรศการเป็นประจำ ซึ่งนอกเหนือจากภาพถ่ายที่สวยงามเรียบง่ายแล้ว ผู้ชมยังสามารถเห็นภาพถ่ายที่น่าสนใจซึ่งสมควรได้รับฉายาว่า "งานศิลปะ" หนึ่งในนิทรรศการระดับนานาชาติครั้งแรกๆ คือ 291 Photography Gallery ที่มีชื่อเรียกอย่างเรียบง่าย ซึ่งเปิดโดย Alfred Stieglitz ในปี 1905 ในนิวยอร์ก นี่เป็นนิทรรศการศิลปะร่วมสมัยอย่างแท้จริง ซึ่งชื่อของศิลปินชื่อดังทัดเทียมกับช่างภาพ

เมื่อต้นยุค 20 และ 30 ยุคใหม่เริ่มขึ้นในการถ่ายภาพซึ่งเกี่ยวข้องโดยตรงกับการผลิตหนังสือพิมพ์และนิตยสารจำนวนมาก การถ่ายภาพกำลังเปลี่ยนสไตล์โดยหันไปนิยมการถ่ายภาพสารคดีและรายงานข่าว การรับรู้ด้านสารคดีและศิลปะค่อยๆ ผสมผสานกันในการถ่ายภาพเป็นภาพเดียว ช่างภาพรุ่นใหม่ได้ถือกำเนิดขึ้น ซึ่งสร้างประวัติศาสตร์ของประเทศของตนและทั่วโลกผ่านการรายงานข่าวและการถ่ายภาพสารคดีทุกวัน ในช่วงเวลานี้ ศิลปะการถ่ายภาพผสมผสานการแสดงออกทางศิลปะเข้ากับองค์ประกอบทางอุดมการณ์และสังคมอย่างใกล้ชิด

การถ่ายภาพกลายเป็นสื่อนำความจริงทางประวัติศาสตร์บางประการ ซึ่งเป็นภาพสะท้อนของเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นจริง ไม่ใช่เพื่ออะไรเลยในช่วงทศวรรษที่ 20-30 โปสเตอร์ อัลบั้มภาพ และนิตยสารต่างๆ มีคุณค่าเป็นพิเศษ ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา เครือจักรภพและสังคมของศิลปินภาพถ่ายเริ่มปรากฏตัวขึ้น ซึ่งพยายามเปลี่ยนการถ่ายภาพให้กลายเป็นรูปแบบศิลปะแบบพอเพียง

อย่างไรก็ตาม ในประเทศของเรา กระบวนการเชิงบวกเหล่านี้แทบจะหยุดนิ่งเมื่อปลายทศวรรษที่ 1930 ม่านเหล็กได้แยกภาพถ่ายของรัสเซียออกจากเทรนด์ในชีวิตศิลปะระดับนานาชาติมาเป็นเวลานาน ช่างภาพโซเวียตผู้มีความสามารถถูกบังคับให้มีส่วนร่วมในการรายงานภาพถ่ายสัจนิยมสังคมนิยมเท่านั้น ในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง หลายคนได้ไปเยือนแนวรบและสามารถบันทึกช่วงเวลาที่น่าจดจำของชัยชนะอันยิ่งใหญ่ไว้บนฟิล์มได้

ในยุค 60-70 ภาพถ่ายเริ่มถูกมองว่าเป็นงานศิลปะอิสระอีกครั้ง นี่คือยุคแห่งความสมจริงด้วยแสงและการทดลองอันกล้าหาญด้วยเทคโนโลยีการถ่ายภาพและเทคนิคทางศิลปะที่หลากหลาย นับตั้งแต่ช่วงเวลานี้ การถ่ายภาพทุกด้านที่อยู่รอบนอกความสนใจของสาธารณชนก็ได้รับสิทธิ์ที่จะนำเสนอในฐานะคุณค่าทางศิลปะที่เป็นอิสระในงานศิลปะในที่สุด การถ่ายภาพประเภทใหม่กำลังเกิดขึ้น ซึ่งประเด็นสำคัญคือความตั้งใจของผู้เขียนและวิสัยทัศน์ที่สร้างสรรค์ของช่างภาพ ช่างภาพที่มีชื่อเสียงในสมัยนั้นเริ่มสัมผัสกับปัญหาสังคมที่สำคัญ เช่น ความไม่เท่าเทียมกันทางสังคม ความยากจน แรงงานเด็ก และอื่นๆ อีกมากมาย

เราเป็นหนี้การปฏิวัติครั้งต่อไปในการถ่ายภาพไปสู่การเปลี่ยนจากฟิล์มไปสู่กล้องดิจิตอล รูปแบบภาพดิจิทัลทำให้ช่างภาพสามารถออกห่างจากภาพสะท้อนที่เรียบง่ายของความเป็นจริงรอบตัวได้ ด้วยการถือกำเนิดของกล้องดิจิตอล คอมพิวเตอร์ และบรรณาธิการกราฟิก ช่างภาพมีโอกาสที่จะแปลงภาพถ่ายของเขาในลักษณะที่ผู้ชมมีโอกาสทำความคุ้นเคยกับวิสัยทัศน์ที่สร้างสรรค์ของผู้สร้างภาพ และดำดิ่งสู่โลกแห่งเหนือจริงของเขา แม้ว่าการถ่ายภาพจะกลายเป็นปรากฏการณ์ที่แพร่หลายในทุกวันนี้ แต่การเลือกสรรและ “วิสัยทัศน์” ส่วนบุคคลพิเศษยังคงมีความสำคัญสำหรับการถ่ายภาพในฐานะงานศิลปะ ซึ่งช่วยให้บุคคลสามารถสร้างสรรค์ผลงานศิลปะที่แท้จริงโดยใช้วิธีการถ่ายภาพได้

แม้ว่ากล้องดิจิตอลจะทำให้คุณสามารถถ่ายภาพได้หลายร้อยภาพในเวลาไม่กี่นาที แต่แน่นอนว่าไม่ใช่ทุกเฟรมที่จะจัดว่าเป็นงานศิลปะได้ ช่างภาพสมัยใหม่ถ่ายทอดวิสัยทัศน์ของเขาเกี่ยวกับโลกหรือความตั้งใจของผู้เขียนผ่านมุมมอง การเล่นแสงและเงาอย่างเชี่ยวชาญ การเลือกช่วงเวลาถ่ายภาพที่ละเอียดอ่อน และเทคนิคอื่นๆ ดังนั้น ช่างภาพ (ไม่ใช่ช่างเทคนิค) ยังคงเป็นศูนย์กลางของศิลปะการถ่ายภาพ มีเพียงคนๆ หนึ่งเท่านั้นที่สามารถใส่โลกภายในของเขาลงในภาพได้ เพื่อให้ภาพ "รก" ด้วยอารมณ์ใหม่ๆ และเผยให้เห็นพรสวรรค์ของช่างภาพเอง