La biografía de Rembrandt es trágica. El artista murió en la pobreza, pero primero perdió a todos sus seres queridos. Sus pinturas no fueron valoradas durante su vida y sus alumnos lo traicionaron durante su período más difícil. Pero las pruebas no doblegaron al gran pintor; la fuerza de su espíritu era tan grande que pudo hacer frente a sus propios dolores e incluso a mi propia muerte.
Era de Rembrandt
En el siglo XVII, Holanda era uno de los estados más ricos de Europa. Diversos productos de todo el mundo acudían a Ámsterdam. Los banqueros y comerciantes querían ver obras que reflejaran sus vidas de la forma más fiel posible. En tales condiciones, la pintura era la forma de arte más popular y desarrollada. Todo holandés que se precie creía que el cuadro debía estar presente en su casa. Y fue precisamente en tales condiciones que tomó forma la biografía creativa de Rembrandt.
artistas holandeses
Algunos maestros pintaron cuadros, otros pintaron naturalezas muertas y otros fueron excelentes en escenas de género. Otros prefirieron representar la naturaleza. Sin embargo, todos buscaron retratar la realidad con sinceridad y sin adornos. Pero, por muy grande que fuera la habilidad de los pintores holandeses, Rembrandt los superó a todos.
Estas personas nacen una vez por siglo, o incluso con menos frecuencia. En su habilidad vivían la sencillez y la humanidad, pero en sí mismo había todo un universo. Como nadie, Rembrandt supo comprender el mundo interior del hombre y sus complejas experiencias emocionales. Hoy en día se presenta una breve biografía de este maestro en varias fuentes, y después de leerla, uno se pregunta cómo este hombre pudo crear sus lienzos cuando la necesidad lo obligó a regalarlos por casi nada, y sus colegas escritores lo llamaron desdeñosamente "un hereje". en pintura”. En verdad, un verdadero artista crea incluso cuando le arrojan piedras.
pintor solitario
Nunca estuvo rodeado de admiradores. Ningún poeta lo cantó durante su vida. Este pintor no fue invitado a celebraciones oficiales, y en los días de celebraciones grandiosas también se olvidaron de él. Sin embargo, él no estaba molesto. La compañía favorita habitual de Rembrandt estaba formada por comerciantes, habitantes de la ciudad, campesinos y artesanos. La gente común estaba muy cerca de él. El lugar favorito del artista era una de las tabernas del puerto, donde corrían marineros, actores errantes y ladrones. Allí permaneció sentado durante horas, observando y dibujando. Rembrandt pasó toda su vida en el mundo del arte, que no es más que un reflejo especial de la realidad, que sólo unos pocos elegidos pueden ver. A continuación se presenta una biografía, cuyo breve resumen presenta solo los hechos más importantes de la vida. Sin embargo, para experimentar la increíble habilidad de esta brillante personalidad, es necesario ver las obras. Al fin y al cabo, la vida del artista se transmite en sus cuadros.
Nacimiento de un genio
En 1606, nació un hijo en la familia de un rico molinero holandés llamado Harmens, que se convirtió en el sexto hijo. Lo llamaron Rembrandt. El molino estaba ubicado cerca de la ciudad de Rhein y, por lo tanto, se añadió Van Rijn al nombre de todos los miembros de la familia. El nombre completo de una de las figuras más importantes de la pintura mundial es Rembrandt Harmens Van Rijn.
Una breve biografía de esta persona se puede describir en pocas palabras: trabajo continuo y búsqueda creativa constante. Quizás fue su talento lo que lo salvó. Hubo tantas pérdidas y decepciones en la vida del artista que, tal vez, sólo el arte podría salvarlo de la desesperación. Pero antes de pasar a los trágicos acontecimientos de su vida, conviene decir algunas palabras sobre esa época, que se distinguió por la tranquilidad y un éxito sin precedentes en la creatividad. Vale la pena rendir homenaje al destino del gran maestro. Rembrandt Van Rijn no siempre estuvo solo e infeliz.
biografia corta
Cuando era niño, Rembrandt estudió latín y otras ciencias importantes. Los padres no escatimaron en la educación de su amado hijo, porque soñaban que se convertiría en un funcionario o un científico famoso. Sin embargo, el deseo por el dibujo, que en sus primeros años se manifestó en lindos dibujos, más tarde, ya en la adolescencia, llevó a Rembrandt al taller de uno de los pintores locales. Allí estudió sólo seis meses y luego abrió el suyo propio.
Los maestros de Rembrandt fueron contemporáneos y artistas del pasado. Dominó las técnicas de la pintura y el grabado y estudió el arte de Italia a partir de copias. Una de las primeras pinturas es “Lección de anatomía de Tulpa”. Podemos decir que fue con esta pintura que el artista Rembrandt inició su camino creativo independiente. Su biografía dice que los primeros años después de terminar sus estudios de pintura solo hubo acontecimientos alegres en su vida.
Saxia
A los veinticinco años, el artista se mudó a la capital y tres años después se casó con la hija del burgomaestre. El nombre de la niña era Saxia. Y se convirtió en la musa principal del maestro. La imagen de su esposa fue inmortalizada por el famoso retratista con extraordinaria ternura.
La felicidad familiar también coincidió con su despegue creativo: Rembrandt comenzó a recibir pedidos muy bien pagados de personas adineradas. Y al mismo tiempo tuvo muchos alumnos. El artista finalmente pudo comprar su propia casa. cuya breve biografía se describe en el artículo, no sólo escribió mucho, sino que también respetó el talento de otros maestros. Era un coleccionista que coleccionaba conchas, jarrones y bustos antiguos originales. En su nueva casa había espacio suficiente para un taller, salas de estar y una sala especial donde se guardaban obras de Rafael, Durero y Mantegna.
Así comenzó su carrera Rembrandt, cuya breve biografía incluye sólo un breve período de reconocimiento y éxito, a saber, los años 30. En este momento, el artista pintó más de sesenta retratos. La más famosa de ellas es "Danae". Durante el período de trabajo en esta pintura, el pintor se encontraba en el cenit de su fama.
Pero de repente todo cambió: murieron tres hijos, murió su amada esposa. Pronto perdió a su madre y a sus hermanas. Rembrandt se quedó solo con su hijo pequeño. La vida le dio una grieta que no sanó hasta el final de sus días.
Pobreza
En los años 50, los pedidos eran cada vez menos. La gente rica ya no necesitaba sus retratos. Las iglesias tampoco requerían pinturas. Esto se explica por el hecho de que, sin embargo, ganó el protestantismo en Holanda, cuyos representantes tenían una visión muy negativa del uso de motivos religiosos en las bellas artes.
Además, se hicieron sentir las deudas pendientes. Se presentó una demanda oficial contra Rembrandt. Fue declarado insolvente y se vendieron todos sus bienes. Pero incluso después de esto, no todos los acreedores quedaron satisfechos y el tribunal dictaminó que las pinturas que se crearían en el futuro también deberían destinarse al pago de las deudas restantes. Todo esto significó una existencia absolutamente miserable.
El pintor, que había conocido fama y fortuna en el pasado, a los cincuenta años se había convertido en un pobre solitario, olvidado por todos. Aunque todavía pintaba mucho, todos sus lienzos fueron inmediatamente embargados por los acreedores. El consuelo fue su segunda esposa, con quien Rembrandt estaba solo en un matrimonio civil, lo que fue percibido con mucha desaprobación por la sociedad. Sin embargo, casarse con esta mujer significó perder la custodia de su hijo.
Así comenzó un nuevo período difícil, que Rembrandt Harmens van Rijn soportó con extraordinario coraje. A partir de ese momento, la biografía del artista se compone cada vez más de dolores, e incluso si hubo momentos de iluminación, fue solo por un corto tiempo, y luego volvió a ocurrir alguna tragedia.
Hendrickje
La imagen de la segunda esposa también está plasmada en los lienzos del famoso pintor. Era inferior a la primera en juventud y belleza, pero el artista la miró con ojos de amor y la representó con gran calidez. Pero la iglesia condenó su estilo de vida y la hija que su segunda esposa le dio a Rembrandt fue declarada ilegítima. La difícil situación llevó a que la familia del pintor se viera obligada a mudarse a uno de los barrios más pobres de Ámsterdam.
Rembrandt, cuya biografía contiene muchos hechos tristes, conoció el amor verdadero. Y Hendrikje no sólo era una esposa cariñosa y cariñosa, sino que también se distinguía por una bondad extraordinaria. Esta mujer pudo sustituir a la madre del hijo de Rembrandt de su primer matrimonio.
Durante un tiempo logramos mejorar nuestra situación financiera. En esto, el artista contó con la ayuda de su hijo, quien junto con su madrastra abrieron una tienda de antigüedades. Pero el destino siguió poniendo a prueba al artista. En 1663, Rembrandt perdió a su amado Hendrickje.
La biografía y los libros dedicados a la biografía del gran maestro cuentan que hubo otra musa en su vida. Esta mujer era mucho más joven que Rembrandt, pero el desafortunado artista también la sobrevivió.
El hijo murió cinco años después de la muerte de Hendrickje. Sólo su hija permaneció con Rembrandt, que en ese momento tenía catorce años. Pero, a pesar de todo, el pintor no se quedó ahí y no se rindió. Todavía continuó pintando cuadros, realizando grabados...
En 1669, el gran pintor murió en brazos de su hija. Se fue silenciosamente y sin ser visto. Y su talento fue apreciado sólo después de su muerte.
Creación
Biografía de Rembrandt: la biografía de un mártir. Su creatividad es la cima. Este maestro, sin embargo, se sentía extremadamente solo entre sus compañeros artistas. Sus contemporáneos no lo reconocieron. Pero el arte del barroco, y sobre todo la obra de Miguel Ángel, tuvo una gran influencia en la obra del pintor holandés.
El artista pintó lo que vio con sus propios ojos en la vida real. La biografía de Rembrandt dice que su vida se desarrolló de tal manera que tuvo la oportunidad de ver el mundo que lo rodeaba sin adornos. Trasladó la triste experiencia de la contemplación al lienzo. Pero la forma en que lo hizo fue inusualmente poética. Siempre hay un crepúsculo en las pinturas de Van Rijn. La suave luz dorada resalta las figuras.
Motivos bíblicos
La religión ocupó un lugar importante en la obra del artista holandés. Fue aquí donde mostró la originalidad de su habilidad. La principal fuente de inspiración a lo largo de la carrera de Rembrandt fueron las escenas bíblicas. Incluso cuando ya no había demanda de cuadros sobre temas religiosos, los pintó para sí mismo, porque sentía una necesidad irresistible de hacerlo. Puso su alma, su oración, así como una lectura profunda del Evangelio en los lienzos dedicados a este tema.
Los últimos trabajos del artista son sorprendentes. Y lo primero que llama la atención es el refinamiento del estilo, la profundidad de la penetración en el mundo interior de las imágenes artísticas. La biografía de Rembrandt y sus pinturas parecen no tener conexión. Las imágenes de los lienzos son tan pacíficas que esto no encaja de ninguna manera con el difícil y trágico destino del autor.
Nuevo genero
En los últimos años, el artista pintó frecuentemente autorretratos. Cuando los miras, tienes la impresión de que Rembrandt estaba tratando de desentrañar su propia vida. Mirándose en ellos, como en un espejo, buscó conocer su destino y el plan de Dios, que tan caprichosamente lo guió por la vida. Sus autorretratos no sólo se convirtieron en la cima de la creatividad. No hay nada parecido en el arte mundial. Estas pinturas no tienen análogos en la historia del retrato.
Los últimos autorretratos muestran a un hombre de rostro inspirado, que soporta heroicamente pruebas difíciles y supera la amargura de la pérdida. Rembrandt es el fundador de una pintura única. Tales pinturas transmiten no solo la apariencia externa, sino también el destino de una persona, su mundo interior.
La biografía y la obra de Rembrandt de los años cincuenta están marcadas principalmente por logros destacados en el retrato. Durante este período, sus obras se distinguían por su impresionante tamaño, formas monumentales y poses tranquilas y pacíficas. Los asistentes a menudo se sentaban en sillones pomposos y profundos, con las manos cruzadas sobre las rodillas y el rostro vuelto hacia el espectador. Uno de los rasgos característicos del gran retratista es resaltar con luz el rostro y las manos.
Por regla general, los asistentes eran personas mayores, sabias tras experiencias difíciles de la vida: hombres y mujeres ancianos con pensamientos sombríos en sus rostros y un trabajo agotador en sus manos. Tales modelos brindaron al artista la oportunidad de demostrar brillantemente no solo los signos externos de la vejez, sino también el mundo interior de una persona. En los retratos inusualmente conmovedores del gran Rembrandt, uno puede sentir, tras un largo estudio, la vida vivida por una persona. Cuando el maestro retrataba a familiares, amigos, ancianos desconocidos, mendigos de la ciudad, con asombrosa vigilancia podía transmitir movimientos emocionales ligeramente perceptibles, vivaz inquietud en el rostro e incluso cambios de humor.
El legado de este maestro es enorme. Rembrandt se distinguió por su increíble capacidad de trabajo: creó más de doscientas cincuenta pinturas, trescientos grabados y miles de dibujos. El gran maestro murió en la pobreza. Y sólo después de su muerte las pinturas que creó Rembrandt comenzaron a ser muy valoradas.
En este artículo se presenta una breve biografía y obra del pintor holandés. Pero esto da una idea completamente superficial del difícil camino del genio que jugó un papel destacado en el desarrollo de las bellas artes mundiales. Hoy en día, las pinturas del maestro se encuentran en muchos museos de todo el mundo y forman parte de colecciones privadas.
😉 ¡Hola queridos lectores! El artículo “Rembrandt: biografía, creatividad, hechos y vídeo” trata sobre la vida del artista holandés, el gran maestro del claroscuro, el mayor representante de la Edad de Oro de la pintura holandesa.
Biografía de Rembrandt
Rembrandt Harmensz van Rijn nació a mediados del verano de 1606 en Leiden, en la familia de un molinero bastante rico. El apellido “van Rijn” significa “del río Rin”, aquí se encontraban los molinos que pertenecieron a la familia.
La madre Cornelia era hija de un panadero. El padre y la madre tenían la misma edad y el mismo estatus social. Quizás esta fuera la razón por la que reinaba la paz y la tranquilidad en la familia. Aunque la casa no se puede llamar tranquila, porque aquí crecían una docena de marimachos. El noveno fue Rembrandt.
Los padres trabajaron duro toda su vida para criar a sus hijos. Su padre murió a los 62 años y su madre le sobrevivió diez años. Tres de los hermanos del artista se convirtieron en molineros y Rembrandt fue el único que recibió una educación.
Un adolescente de 13 años aprobó con éxito sus exámenes en la Universidad de Leiden. Debido a sus estudios, recibió un aplazamiento del servicio militar obligatorio. Al mismo tiempo empieza a dibujar.
Autorretrato de Rembrandt a los 23 años
Johannes Orpers, alcalde de Leiden, dedicó varias líneas a la vida de Rembrandt en uno de sus libros, publicado en 1641. Era una breve biografía sobre el artista. De donde aprendemos que al principio Rembrandt estudió con Jacob van Swanenburch durante unos tres años.
Luego, en 1624, viajó a Ámsterdam durante seis meses para trabajar con el pintor de cuadros históricos P. Lastman. En 1625, el pintor regresó a su tierra natal y encontró en Jan Lievens un buen amigo. Durante varios años crearon sus creaciones juntos y, en ocasiones, sus pinturas eran tan similares que era casi imposible identificar al autor.
Ámsterdam
En enero de 1632, Rembrandt se trasladó a Ámsterdam. En tres décadas, la población de esta ciudad se ha triplicado y ha llegado a 150 mil habitantes. El pintor pensó que su carrera en esta gran ciudad progresaría mucho más rápido.
Anteriormente pintó obras breves de temática religiosa y retratos. En Amsterdam trabajó en grandes pedidos y pronto alcanzó popularidad. Durante unos dos años, Rembrandt vivió con Hendrik van Uylenburch, un marchante de arte. Se hizo amigo de él inmediatamente después de su llegada.
saskia
En el verano de 1634, el artista se casó con la prima de Eulenburch, Saskia. Era huérfana, pero tenía una buena herencia. Rembrandt también logró convertirse en un pintor destacado en esta época.
Los jóvenes estaban apasionadamente enamorados. Vivieron durante varios meses en la casa de Eulenbürch y luego compraron una nueva y magnífica casa para su familia.
“Saskia como Flora” - pintura de Rembrandt, 1634
Durante 5 años, Saskia dio a luz a tres hijos, pero murieron en la infancia. En 1641 dio a luz a su cuarto hijo. Era un niño al que sus padres le pusieron el nombre de Tito. El hijo sobrevivió, pero los médicos no pudieron salvar a su madre, Saskia, de 29 años.
En ese momento, Rembrandt estaba trabajando en la finalización del famoso cuadro "La ronda de noche". Pero su vida fue triste. Estaba inmensamente entristecido por la repentina muerte de su amada esposa y no pudo trabajar durante mucho tiempo, todo el tiempo volviendo a pensar en la tragedia.
"La ronda de noche". 1642. Óleo sobre lienzo. 363×437cm
Tenía muchos encargos de retratos ceremoniales. Pero al posponer constantemente el trabajo en ellos, rápidamente perdió clientes. Prefirieron no esperar a que Rembrandt finalmente tomara su pincel mágico, sino que dieron órdenes a otros artistas.
"Dánae" (1636-1647). ¡Rembrant trabajó en la pintura durante 11 años!
Hendrikje Stoffels
El artista trabajó con gran inspiración sobre lienzos, principalmente basados en temas bíblicos. En los momentos difíciles, Rembrandt recurría a menudo a la religión, pero también tenía que pensar en su hijo, que aún era muy joven.
Se vio obligado a contratar a una niñera, Gertje Dirks. Geertje acusó al artista de romper su promesa de casarse con ella. Este incidente se resolvió: el artista tuvo que desembolsar. Hubo muchas audiencias judiciales. Como resultado, la declararon culpable y la sentenciaron a 5 años.
Hendrikje Stoffels (1655)
Tres años más tarde, Rembrandt se involucró con su joven doncella Hendrikje Stoffels. Hendrikje dio a luz a un hijo, que murió siendo un bebé, y a una hija, Cornelia. Al parecer, la hija recibió el nombre de la madre del maestro.
La situación económica del pintor era deplorable. Prácticamente no recibió encargos muy bien pagados de retratos ceremoniales, pero gastó enormes sumas de dinero en la colección. Había pinturas del Renacimiento, armas, bustos, trajes antiguos, curiosidades orientales...
últimos años de vida
En 1652-1654. Holanda libró una guerra con Inglaterra, que agotó por completo el tesoro estatal. El comercio casi se detuvo, lo que inmediatamente afectó el valor de las obras de arte. Rembrandt vendió parte de la colección, pero esto no ayudó.
En 1656, Rembrandt ya no pudo pagar todas sus deudas acumuladas y estuvo a punto de ir a prisión. Logró evitarlo con la ayuda de la llamada operación de "transferencia de deuda". El artista demostró que las deudas se acumularon por una razón objetiva.
El artista vendió la propiedad y se le permitió quedarse en la casa que poseía hasta 1660. Posteriormente, el artista alquiló apartamentos económicos en algún barrio pobre de la ciudad.
Retrato de Tito, hijo de Rembrandt, 1657.
Titus ya creció y él y su madrastra crearon una empresa de venta de obras de arte. Pero Rembrandt nunca pudo saldar todas sus deudas, aunque todos en la ciudad lo respetaban. En 1661 - 1662 A Rembrandt le ofrecieron dos encargos muy bien pagados: el lienzo "La conspiración de Julio Civilis" y el retrato de "Syndicas" para el gremio de pañeros.
Los últimos años del pintor fueron tristes. En 1663 murió Hendrickje, seguido de Titus y su nuera. El 4 de octubre de 1669, el propio Rembrandt Harmensz van Rijn, uno de los más grandes pintores, abandonó este mundo. Tenía 63 años.
Este vídeo contiene información adicional interesante “Rembrandt: biografía”
Además, sobre el tema "Rembrandt: una biografía" hay una película dirigida por Alexander Korda. Lanzado en 1936.
Rembrandt Harmens van Rijn (1606-1669): artista, dibujante y grabador holandés, gran maestro del claroscuro, el mayor representante de la edad de oro de la pintura holandesa.
Biografía de Rembrandt van Rijn
Rembrandt Harmensz van Rijn nació en la ciudad holandesa de Leiden en 1606, el 15 de julio. El padre de Rembrandt era un molinero rico, su madre era una buena panadera y era hija de un panadero. El apellido "van Rijn" significa literalmente "del Rin", es decir, del río Rin, donde los bisabuelos de Rembrandt tenían molinos. De los 10 hijos de la familia, Rembrandt era el menor. Otros niños siguieron los pasos de sus padres, pero Rembrandt eligió un camino diferente: artístico y se educó en una escuela latina.
A los 13 años, Rembrandt comenzó a aprender a pintar y también ingresó en la universidad de la ciudad. La edad entonces no molestaba a nadie; lo principal en ese momento era el conocimiento al nivel. Muchos estudiosos sugieren que Rembrandt ingresó a la universidad no para estudiar, sino para obtener un aplazamiento del ejército.
El primer maestro de Rembrandt fue Jacob van Swanenburch. El futuro artista pasó unos tres años en su estudio y luego se mudó a Ámsterdam para estudiar con Pieter Lastman.
De 1625 a 1626 Rembrandt regresó a su ciudad natal y conoció a artistas y algunos de los estudiantes de Lastman.
Sin embargo, después de muchas deliberaciones, Rembrandt decidió que la carrera de artista debía seguirse en la capital de Holanda, se mudó nuevamente a Ámsterdam y se casó con una rica habitante de la ciudad, Saskia van Uylenburg, y la pintura "La lección de anatomía del doctor Tulp" le trajo la Reconocimiento universal del joven pintor.
Obras de Rembrandt van Rijn
Comenzó para el maestro la década más próspera de su vida. Tuvo muchos alumnos (la escuela de Rembrandt).
Durante este período, escribió obras maestras como “Autorretrato con Saskia” (1635) y “Danae” (1636).
El arte extremadamente alegre de Rembrandt de los años 30. combina la experiencia de los maestros del Renacimiento y el Barroco y un enfoque innovador de los temas clásicos.
El período de éxito terminó repentinamente en 1642: la magnífica obra "Night Watch", un retrato grupal de miembros del Shooting Guild de Amsterdam, fue rechazada por los clientes que no apreciaron las innovaciones del artista y lo sometieron a duras críticas.
Rembrandt prácticamente dejó de recibir encargos; casi todos sus alumnos lo abandonaron. Saskia murió ese mismo año.
Desde los años 40 Rembrandt abandonó los efectos teatrales en su obra; el principio místico y contemplativo se intensificó en su pintura. El artista recurrió a menudo a la imagen de su segunda esposa, Hendrikje Stoffels.
El cuadro “La Sagrada Familia” (1645), una serie de autorretratos y los mejores paisajes están marcados por la profundidad, la calma y la riqueza emocional. Pero los fracasos siguieron acosando a Rembrandt: en 1656 fue declarado deudor insolvente, su propiedad se vendió en una subasta y la familia se mudó a una modesta casa en el barrio judío de Ámsterdam.
El cuadro "La conspiración de Julius Civilis" (1661), encargado por el ayuntamiento, compartió el destino de "La Ronda de Noche". En 1663, el artista enterró a su esposa y a su hijo.
A pesar del deterioro de su visión, Rembrandt continuó pintando. Un resultado único de su obra fue el lienzo "El regreso del hijo pródigo" (1668-1669).
Los autorretratos de Rembrandt capturaron casi todas las etapas de su vida y de su trayectoria creativa. Son notables en sí mismos porque nos permiten rastrear el desarrollo del maestro y también porque muchos artistas posteriores (desde Sir Joshua Reynolds hasta Marc Chagall) intentaron imitar el ejemplo de Rembrandt con la esperanza de comprender algo sobre ellos mismos.
El "Retrato de Jacob de Ghein III" de Rembrandt figura en el Libro Guinness de los Récords como la obra de arte más robada del mundo. El cuadro fue robado y encontrado cuatro veces. Incluso le pusieron el sobrenombre de "Rembrandt para ir". El retrato se conserva en Londres, en la Dulwich Gallery.
Algunas de las pinturas de Rembrandt, incluidas las famosas "Danae", "Sacrificio de Abraham" y "Desfavor de Amán", se conservan en el Museo Estatal del Hermitage (San Petersburgo). En 1985, un enfermo mental arrojó ácido sulfúrico sobre Danae. La restauración llevó 20 largos años. Ahora “Danae” sólo se puede ver detrás de una gruesa capa de cristal protector.
El Proyecto de Investigación Rembrandt es un grupo de científicos que analizan el legado del gran artista. El proyecto ha estado en marcha desde 1968.
Hasta ese momento se creía que el pincel del artista pertenecía a 800 pinturas. El proyecto refutó esta cifra: después de una cuidadosa investigación, resultó que solo hay alrededor de 350.
El resto fueron pintados por alumnos de Rembrandt, así como por artistas influenciados por Rembrandt. Por ejemplo, el famoso “Hombre con casco dorado” de la Galería de Arte de Berlín, considerado durante mucho tiempo obra de un maestro, resultó ser una pintura de otro artista desconocido.
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Rembrandt Harmenszoon van Rijn
El mayor representante del Siglo de Oro, artista, grabador, gran maestro del claroscuro, y todo esto en un solo nombre: Rembrandt.
Rembrandt nació el 15 de julio de 1606 en Leiden. Este gran artista holandés logró plasmar en sus obras todo el espectro de experiencias humanas con una riqueza emocional que las bellas artes nunca antes habían conocido.
Vida
Creció en una familia numerosa del rico propietario de un molino, Harmen Gerritszoon van Rijn. Entre otras cosas, la propiedad de Rhein incluía dos casas más y también recibió una importante dote de su esposa Cornelia Neltje. La madre de la futura artista era hija de un panadero y sabía cocinar. Incluso después de la Revolución Holandesa, la familia de su madre se mantuvo fiel a la fe católica.
En Leiden, Rembrandt asistió a la escuela de latín en la universidad, pero no le gustaban las ciencias exactas y mostró gran interés por la pintura. Al darse cuenta de este hecho, sus padres, a la edad de 13 años, enviaron a Rembrandt a estudiar bellas artes con el pintor histórico de Leiden, Jacob van Swanenburch, que era católico. Las obras de Rembrandt, variadas en género y tema, están imbuidas de ideas de moralidad, belleza espiritual y dignidad de la persona común, una comprensión de la incomprensible complejidad de su mundo interior, la versatilidad de su riqueza intelectual y la profundidad de sus experiencias emocionales. . Nos ha llegado muy poca información sobre Jacob, por lo que los historiadores y críticos de arte no pueden decir con seguridad sobre la influencia de Swanenberg en el estilo creativo de Rembrandt.
Luego, en 1623, estudió en Amsterdam con el entonces pintor de moda Pieter Lastman, tras lo cual, al regresar a Leiden, abrió su propio taller en 1625 junto con su compatriota Jan Lievens.
Pitera Lastman se formó en Italia y se especializó en temas históricos, mitológicos y bíblicos. Cuando Rembrandt abrió un taller y comenzó a reclutar estudiantes, se hizo muy famoso en poco tiempo. Si nos fijamos en las primeras obras del artista, podemos comprender inmediatamente que el estilo de Lastman (pasión por la diversidad y mezquindad en la ejecución) tuvo una gran influencia en el joven artista. Por ejemplo, su obra “La lapidación de St. Stephen" (1629), "Escena de la historia antigua" (1626) y "El bautismo del eunuco" (1626), muy brillantes, inusualmente coloridos, Rembrandt se esfuerza por describir cuidadosamente cada detalle del mundo material. Casi todos los héroes aparecen ante el espectador vestidos con elegantes trajes orientales, brillando con joyas, lo que crea una atmósfera de pompa, pompa y festividad.
En 1628, el artista de veintidós años fue reconocido como un maestro “muy famoso”, un famoso retratista.
El cuadro “Judas devuelve las piezas de plata” (1629) provocó una crítica entusiasta del famoso conocedor de arte Constantin Huygens, secretario del estatúder Federico Hendrik de Orange: “... este cuerpo que tiembla de patética inquietud es lo que prefiero al buen gusto de todos los tiempos."
Gracias a las conexiones de Constantino, Rembrandt pronto adquirió ricos admiradores del arte: gracias a la mediación de Hagens, el Príncipe de Orange encargó varias obras religiosas al artista, como “Cristo ante Pilato” (1636).
El verdadero éxito para un artista llega en Ámsterdam. El 8 de junio de 1633, Rembrandt conoció a la hija de un rico burgués, Saskia van Uylenburch, y obtuvo una posición fuerte en la sociedad. El artista pintó la mayoría de sus cuadros mientras se encontraba en la capital de los Países Bajos.
Amsterdam: un puerto bullicioso y una ciudad industrial, a la que acudían bienes y curiosidades de todo el mundo, donde la gente se enriquecía a través del comercio y las transacciones bancarias, donde los marginados de la Europa feudal acudían en masa en busca de refugio y donde el bienestar de los ricos Los burgueses convivieron con una pobreza deprimente, tiene fuertes vínculos con el artista.
El período de Rembrandt en Ámsterdam comenzó con el sorprendente éxito que le supuso La lección de anatomía del Dr. Tulp (1632, La Haya, Mauritshuis), que cambió la tradición de los retratos de grupo holandeses. Rembrandt contrastó la demostración habitual de personas de profesión general posando para el artista con la dramaturgia de una escena elegida libremente, cuyos participantes, miembros del gremio de cirujanos, escuchando a sus colegas, están unidos por una inclusión intelectual y espiritualmente activa en el proceso de investigación científica.
Rembrandt se inspira en la belleza de su amada, por lo que suele pintar sus retratos. Tres días después de la boda, van Rijn representó a una mujer con un lápiz plateado y un sombrero de ala ancha. Saskia apareció en las pinturas del holandés en un ambiente hogareño acogedor. La imagen de esta mujer de mejillas regordetas aparece en muchos lienzos, por ejemplo, la misteriosa chica del cuadro "La ronda de noche" se parece mucho a la amada del artista.
Los años treinta en la vida de Rembrandt fueron un período de fama, riqueza y felicidad familiar. Recibió numerosos encargos, estuvo rodeado de estudiantes, le apasionaba coleccionar obras de pintores italianos, flamencos y holandeses, esculturas antiguas, minerales, plantas marinas, armas antiguas y objetos de arte oriental; Cuando trabajaba en pinturas, las exhibiciones de la colección a menudo servían como accesorios para el artista.
Las obras de Rembrandt de este período son sumamente variadas; dan testimonio de una búsqueda incansable, a veces dolorosa, de una comprensión artística de la esencia espiritual y social del hombre y la naturaleza y demuestran tendencias que implacablemente, paso a paso, llevan al artista a un conflicto con la sociedad.
En retratos "para sí mismo" y autorretratos, el artista experimenta libremente con la composición y los efectos de claroscuro, cambia la tonalidad del esquema de color, viste a sus modelos con ropas fantásticas o exóticas, varía poses, gestos, accesorios ("Flora", 1634 , San Petersburgo, Museo Estatal del Hermitage ).
En 1635 se pintó el famoso cuadro basado en la historia bíblica "El sacrificio de Abraham", que fue muy apreciado en la sociedad secular.
En 1642, van Rijn recibió el encargo de la Sociedad de Tiro de realizar un retrato de grupo para decorar el nuevo edificio con lienzos. El cuadro fue llamado erróneamente “La Ronda de Noche”. Estaba manchado de hollín y recién en el siglo XVII los investigadores llegaron a la conclusión de que la acción que se desarrollaba en el lienzo se desarrollaba durante el día.
Rembrandt representó meticulosamente cada detalle de los mosqueteros en movimiento: como si en un momento determinado el tiempo se detuviera cuando la milicia salió del oscuro patio, de modo que Van Rijn los capturó en el lienzo.
A los clientes no les gustó el hecho de que el pintor holandés se desviara de los cánones desarrollados en el siglo XVII. Luego, los retratos de grupo eran ceremoniales y los participantes aparecían de frente y sin estática.
Según los científicos, esta pintura fue la causa de la quiebra del artista en 1653, ya que ahuyentaba a posibles clientes.
Cambios trágicos en el destino personal de Rembrandt (la muerte de sus hijos recién nacidos, su madre, en 1642, la enfermedad y muerte de Saskia, que le dejó un hijo de nueve meses, Titus), el deterioro de su situación financiera debido a su obstinada desgana. sacrificar la libertad de espíritu y la creatividad para complacer los gustos cambiantes de los burgueses, agravó y expuso el conflicto que maduraba gradualmente entre el artista y la sociedad.
Información sobre la vida privada de Rembrandt en la década de 1640. Poco queda en los documentos. De los estudiantes de este período, sólo se conoce a Nicholas Mas de Dordrecht. Al parecer, el artista siguió viviendo a lo grande, como antes. La familia de la fallecida Saskia expresó su preocupación por cómo dispuso él de su dote. La niñera de Titus, Geertje Dirks, lo demandó por romper su promesa de casarse; Para solucionar este incidente, el artista tuvo que desembolsar dinero.
A finales de la década de 1640, Rembrandt se hizo amigo de su joven doncella Hendrickje Stoffels, cuya imagen aparece en muchos retratos de este período: (“Flora” (1654), “Mujer bañándose” (1654), “Hendrickje en la ventana” (1655)). El consejo parroquial condenó a Hendrickje por “cohabitación pecaminosa” cuando en 1654 le nació a su hija Cornelia. Durante estos años, Rembrandt se alejó de temas que tenían una resonancia nacional o universal grandiosa.
El artista dedica mucho tiempo a trabajar en retratos grabados del burgomaestre Jan Six (1647) y de otros burgueses influyentes. Todas las técnicas y técnicas de grabado que conocía se utilizaron en la producción del elaborado grabado "Cristo curando a los enfermos", más conocido como la "Hoja de los cien florines", que una vez se vendió por un precio tan alto en el siglo XVII. siglo. Trabajó en este grabado, sorprendente por su sutileza de luces y sombras, durante siete años, de 1643 a 1649.
En 1653, atravesando dificultades económicas, el artista transfirió casi todas sus propiedades a su hijo Tito, tras lo cual se declaró en quiebra en 1656. Después de la venta en 1657-58. Casa y propiedad (se conserva un interesante catálogo de la colección de arte de Rembrandt), el artista se mudó a las afueras de Amsterdam, al barrio judío, donde pasó el resto de su vida.
La muerte de Tito en 1668 fue uno de los últimos golpes del destino para el artista; él mismo murió un año después.
Rembrandt Harmens van Rijn murió en octubre de 1669. Tenía 63 años. Era viejo, enfermo y pobre. El notario no tuvo que dedicar mucho tiempo a realizar un inventario de la propiedad del artista. El inventario fue breve: “tres sudaderas gastadas, ocho pañuelos, diez boinas, material de pintura, una Biblia”.
Pinturas
El regreso del hijo pródigo
El famoso cuadro “El regreso del hijo pródigo”, una de las últimas obras de Rembrandt. Fue escrito el año de su muerte y se convirtió en la cima de su talento.
Esta es la pintura más grande de Rembrandt sobre un tema religioso. Pintura de Rembrandt basada en la parábola del hijo pródigo del Nuevo Testamento.
Encontramos la parábola del hijo pródigo en el Evangelio de Lucas. Habla de un joven que abandonó la casa de su padre y desperdició su herencia. Pasó sus días en el ocio, el libertinaje y la borrachera hasta que se encontró en un corral, donde comía del mismo comedero que los cerdos. Al encontrarse en una situación desesperada y en completa pobreza, el joven regresa con su padre, dispuesto a convertirse en su último esclavo. Pero en lugar de desprecio, encuentra una bienvenida real, en lugar de ira: un amor paternal tierno, profundo y que todo lo perdona.
1669 Rembrandt representa un drama humano ante el espectador. Las pinturas se depositan sobre el lienzo con trazos gruesos. Están oscuros. Al artista no le importan los personajes secundarios, aunque sean bastantes. La atención vuelve a centrarse en padre e hijo. El anciano padre, encorvado por el dolor, se enfrenta al espectador. En este rostro hay dolor, ojos cansados de llorar y la alegría de un encuentro tan esperado. El hijo nos da la espalda. Se enterró como un bebé en la túnica real de su padre. No sabemos qué expresa su rostro. Pero los tacones rotos, el cráneo desnudo del vagabundo, la pobre ropa dicen basta. Como las manos del padre apretando los hombros del joven. A través de la calma de estas manos, que perdonan y sostienen, Rembrandt, por última vez, cuenta al mundo una parábola universal sobre la riqueza, las pasiones y los vicios, el arrepentimiento y el perdón. “...Me levantaré e iré a mi padre y le diré: ¡Padre! He pecado contra el cielo y contra ti y ya no soy digno de ser llamado hijo tuyo; acéptame como uno de tus jornaleros. Se levantó y fue hacia su padre. Y cuando aún estaba lejos, su padre lo vio y tuvo compasión; y corriendo, se echó sobre su cuello y lo besó”.
Además de padre e hijo, en la imagen aparecen 4 personajes más. Se trata de siluetas oscuras que son difíciles de distinguir sobre un fondo oscuro, pero quiénes son sigue siendo un misterio. Algunos los llamaban "hermanos y hermanas" del protagonista. Es característico que Rembrandt evite el conflicto: la parábola habla de los celos de un hijo obediente y la armonía del cuadro no se altera de ninguna manera.
Van Gogh dijo con mucha precisión sobre Rembrandt: “Hay que morir varias veces para pintar así... Rembrandt penetra tan profundamente en el misterio que habla de objetos para los que no hay palabras en ningún idioma. Por eso a Rembrandt lo llaman: mago. Y esto no es un oficio sencillo”.
La guardia nocturna
Nombre con el que se conoce tradicionalmente el retrato de grupo de Rembrandt “La actuación de la compañía de fusileros del capitán Frans Banning Cock y el teniente Willem van Ruytenburg”, pintado en 1642.
El lienzo del maestro holandés está lleno de “sorpresas”. Para empezar, el título de la imagen al que estamos acostumbrados no se corresponde con la realidad: la patrulla que se muestra en ella no es en realidad de noche, sino de día. Lo que pasa es que la obra de Rembrandt fue barnizada varias veces, por eso se oscureció mucho. Además, durante casi 100 años (desde principios del siglo XVIII hasta principios del XIX), el lienzo decoró una de las salas del Ayuntamiento de Ámsterdam, donde colgaba justo enfrente de la chimenea, y año tras año se cubrió de hollín. año. No es sorprendente que a principios del siglo XIX el nombre "La Ronda de Noche" estuviera firmemente establecido detrás de la pintura: en ese momento la historia de su creación estaba completamente olvidada y todos estaban seguros de que el maestro representaba la hora oscura del día. . Sólo en 1947, durante la restauración en el Rijksmuseum de Ámsterdam, donde se conserva el cuadro hasta el día de hoy, quedó claro que su color era incomparablemente más claro de lo que generalmente se creía. Además, las cortas sombras que proyectan los personajes indican que tiene lugar entre el mediodía y las dos de la tarde. Sin embargo, los restauradores no quitaron todas las capas de barniz oscuro por miedo a dañar la pintura, por lo que “Night Watch” todavía está bastante crepuscular.
El título real de la pintura es “Actuación de la compañía de fusileros del capitán Frans Banning Cock y el teniente Wilhem van Ruytenburg”. Este es un retrato grupal de mosqueteros-milicianos de uno de los distritos de Ámsterdam. De 1618 a 1648, la Guerra de los Treinta Años hizo estragos en Europa y los residentes de las ciudades holandesas tomaron las armas para defender sus hogares. La creación de Rembrandt, junto con retratos de otras compañías de fusileros, debía decorar la sala principal de Kloveniersdolen, la sede de los fusileros de la ciudad. Pero los clientes quedaron decepcionados: Rembrandt no realizó un retrato ceremonial monumental, sino un cuadro de género en el que tenían dificultades para encontrar sus propios rostros, a menudo medio ocultos por otros personajes. ¡Todavía lo haría! Después de todo, el artista, además de 18 clientes (cada uno de los cuales pagó alrededor de 100 florines de oro por su retrato, una cantidad muy impresionante para aquellos tiempos), ¡metió a 16 personas más en el lienzo! Se desconoce quiénes son.
Museo – ¿Museo de Historia de Ámsterdam?
tres cruces
Uno de los grabados más famosos de Rembrandt, tiene cinco estados. Sólo el tercero está firmado y fechado, por lo que Rembrandt consideró el resto intermedio. La quinta condición es muy rara, sólo se conocen cinco ejemplares.
El grabado representa el dramático momento de la muerte de Cristo en la cruz del Calvario, descrito en los Evangelios. En este grabado, Rembrandt utilizó las técnicas del cincel y la punta seca a una escala sin precedentes, lo que aumentó el contraste de la imagen.
El 2 de diciembre de 2008, en Christie's, este grabado (condición IV) se vendió por 421.250 libras esterlinas.
Descendimiento de la Cruz
En 1814, Alejandro I compró la galería Malmaison, que le pertenecía, a la emperatriz Josefina. Algunas de las pinturas proceden de la famosa Galería de Kassel, incluido el Descendimiento de la Cruz. Anteriormente, estas pinturas eran propiedad de Madame de Roover en Delft y, junto con otras pinturas de su colección, fueron adquiridas por el Landgrave de Hesse-Kassel Luis VII. En 1806, Napoleón se apoderó de su galería y se la presentó a Josefina.
El sucesor del Landgrave de Hesse-Kassel, Luis VII, antiguo aliado de Alejandro I, presentó al emperador en 1815 una demanda para la devolución de las pinturas capturadas por Napoleón. Esta demanda fue rechazada decisivamente por Alejandro I, quien pagó dinero por las pinturas y mostró la atención de Josefina hacia su hija Hortense de todas las formas posibles. En 1829, Hortense, que en aquel momento ostentaba el título de duquesa de Saint-Leu, compró treinta cuadros en la galería Malmaison.
El tema “Descendimiento de la Cruz” tenía una gran tradición iconográfica en el arte europeo. Su mayor logro fue considerado el cuadro del altar de Rubens en la Catedral de Amberes, ampliamente conocido por el grabado de Vorstermann.
El pensamiento creativo de Rembrandt deambula por algún lugar cercano a esta tradición, utilizándola y al mismo tiempo eligiendo constantemente otros caminos. Inusuales en el desarrollo anterior del arte europeo, son muy características del estilo creativo personal de Rembrandt; no en vano “El Descendimiento de la Cruz” se parece tanto a “La incredulidad del apóstol Tomás”.
Rubens describió el dolor sublime de un grupo de personas majestuosas y hermosas por un héroe majestuoso y hermoso; La inquieta escena nocturna de masas de Rembrandt. Numerosas figuras se esconden en la oscuridad o caen bajo un rayo de luz, y parece que la multitud se mueve, vive, llora por el crucificado y se compadece de su madre. No hay nada ideal en la apariencia de las personas; muchas de ellas son groseras y feas. Sus sentimientos son muy fuertes, pero son los sentimientos de la gente corriente, no iluminada por esa catarsis sublime que hay en el cuadro de Rubens.
El Cristo muerto es un hombre como ellos; Precisamente por la intensidad de su dolor, su sufrimiento y su muerte cobran un significado especial. La clave del contenido de la imagen tal vez no sea tanto Cristo como el hombre que lo sostiene y presiona su mejilla contra él.
Desde un punto de vista artístico, la composición fragmentaria e inquieta es inferior tanto al famoso cuadro de Rubens como a algunas de las obras del propio Rembrandt, realizadas en los mismos años. Por ejemplo, "La incredulidad del apóstol Tomás", que es menos significativa en su contenido, parece exteriormente más armoniosa en su conjunto. Sin embargo, en “El Descendimiento de la Cruz”, la comprensión inherente de Rembrandt de los temas bíblicos y evangélicos emerge más claramente.
La obra del joven Rembrandt se diferencia de su prototipo en los rasgos más básicos. En primer lugar, no fue creada ni formal ni esencialmente como una imagen de altar de oración. El tamaño de su gabinete no está dirigido a la percepción de la multitud, sino a la experiencia individual. Esta apelación a los sentimientos y la conciencia de una persona, el establecimiento de un estrecho contacto espiritual con el espectador, obligó al artista a crear un sistema completamente nuevo de medios y técnicas artísticas. Rembrandt vio la escena de la leyenda del evangelio como un acontecimiento trágico y real, privándola fundamentalmente de su patetismo místico y heroico.
Buscando la máxima sinceridad y veracidad de la imagen, Rembrandt mostró a una multitud cercana de personas cerca de la cruz, conmocionadas por el dolor, buscando la unidad familiar entre sí ante una muerte terrible. El color marrón oliva unió toda la composición y el flujo de luz destacó dramáticamente su principal centro semántico. La mayor profundidad del sufrimiento está encarnada en la imagen de la Madre de Dios, que ha caído inconsciente, con su rostro delgado y demacrado de trabajadora. El segundo grupo de dolientes se encuentra en el extremo izquierdo de la diagonal espacial: las mujeres colocan con reverencia el sudario, cumpliendo con su deber directo hacia el difunto. El cuerpo caído de Cristo sostenido por el anciano, la encarnación de la carne humana atormentada, evoca, en primer lugar, un sentimiento de profunda compasión.
novia judía
Uno de los últimos y más misteriosos cuadros de Rembrandt. El nombre le fue dado en 1825 por el coleccionista de Ámsterdam Van der Hop. Creyó erróneamente que representaba a un padre dándole un collar a su hija judía para su boda. Quizás este sea un retrato encargado, pero la ropa de los personajes es claramente similar a la antigua, bíblica, por lo que "Artajerjes y Ester", "Jacob y Raquel", "Abram y Sara", "Booz y Rut" fueron propuestos como el título.
Saskia como Flora
Una pintura de Rembrandt, pintada en 1634, que probablemente representa a la esposa del artista, Saskia van Uylenbuch, como la antigua diosa italiana de las flores, los capullos, la primavera y los frutos del campo, Flora.
En 1633, Saskia van Uylenburch se casó con Rembrandt van Rijn. El encantador retrato de la joven Saskia con el traje de Flora es un testigo silencioso pero elocuente de esta “época de primavera y amor” del genial pintor.
El rostro pensativo, pero indudablemente feliz, de la niña coincide bastante con los sentimientos de la novia. Ya no es una niña juguetona que mira despreocupadamente el mundo de Dios. Se enfrenta a una tarea seria: ha elegido un nuevo camino y tiene mucho que cambiar de opinión y experimentar antes de llegar a la edad adulta. El tocado y el bastón entrelazados con flores ciertamente apuntan a Flora, la antigua diosa romana de la primavera. El traje de la diosa fue pintado con asombrosa habilidad, pero la verdadera grandeza del talento de Rembrandt se revela en la expresión de ternura que el artista puso en su rostro.
Su amada esposa trajo una luz de felicidad y satisfacción sincera al solitario hogar del modesto artista. A Rembrandt le encantaba vestir a Saskia con terciopelo, seda y brocado, según la costumbre de la época, la colmó de diamantes y perlas, observando con amor cómo su hermoso y joven rostro se beneficiaba del brillante atuendo.
Museo – Ermitage Estatal
Estilo
Profundamente humanista en su esencia y perfecta en su forma artística única, la obra de Rembrandt se convirtió en uno de los pináculos del desarrollo de la civilización humana. Las obras de Rembrandt, variadas en género y tema, están imbuidas de ideas de moralidad, belleza espiritual y dignidad de la persona común, una comprensión de la incomprensible complejidad de su mundo interior, la versatilidad de su riqueza intelectual y la profundidad de sus experiencias emocionales. . Ocultando muchos misterios sin resolver, las pinturas, dibujos y grabados de este notable artista cautivan por las reveladoras características psicológicas de los personajes, la aceptación filosófica de la realidad y la convincente justificación de decisiones artísticas inesperadas. Su interpretación de las historias de la Biblia, los mitos antiguos, las leyendas antiguas y el pasado de su país natal como eventos verdaderamente significativos en la historia del hombre y la sociedad, los conflictos vitales profundamente sentidos de personas específicas abrieron el camino para una interpretación libre y multivalor. de imágenes y temas tradicionales.
Amor de Rembrandt
La famosa musa de Rembrandt, Saskia, era la hija menor del burgomaestre de la ciudad de Leeuwarden. Esta belleza pelirroja de piel blanca creció en una familia numerosa y muy rica. Cuando la niña tenía 12 años, murió la madre de la familia. Pero la niña todavía no sabía qué rechazar, y cuando llegó el momento, se convirtió en una novia muy envidiable.
Un importante encuentro entre el artista y la joven tuvo lugar en casa del primo de la joven, el artista Hendrik van Uylenburg, que también era anticuario. Rembrandt está literalmente enamorado de la chica: piel suave y resplandeciente, cabello dorado... Agregue a esto la capacidad de mantener una conversación informal. En broma, invitó al famoso pintor a pintar su retrato. Y eso es todo lo que se necesita: Saskia es un modelo ideal para los sujetos de Rembrandt en colores oscuros y apagados.
Rembrandt comienza a pintar un retrato. Conoce a Saskia no sólo durante las sesiones. Desmentiendo sus principios, intenta asistir a paseos y fiestas de placer. Cuando terminó el trabajo en el retrato y cesaron las frecuentes reuniones, Rembrandt se dio cuenta: esta es con quien quiere casarse. En 1633, Saskia van Uylenburgh se casó con el artista y el 22 de julio de 1634 tuvo lugar la tan esperada boda.
El matrimonio con Saskia abre al artista el camino a la alta sociedad. El padre burgomaestre dejó a su favorito una herencia colosal: 40.000 florines. Incluso con una pequeña parte de esta cantidad se podría vivir cómodamente durante muchos, muchos años.
La feliz y amorosa pareja comenzó a arreglar una casa común. Pronto empezó a parecerse a un museo. Las paredes estaban decoradas con grabados de Miguel Ángel y pinturas de Rafael. Saskia estuvo de acuerdo con todo, amaba mucho a su marido. Y él, a su vez, la colmó de joyas y pagó los baños más exquisitos. Y, por supuesto, intenté capturar mi imagen favorita. Se podría decir que Rembrandt se convirtió en un cronista de su vida familiar. En los primeros días de luna de miel de la pareja se pintó el famoso “Autorretrato con Saskia en su regazo”.
En 1635 nació el primer hijo de la familia, pero no vivió mucho, lo que fue un duro golpe para la joven madre.
Durante mucho tiempo no quiso separarse del cuerpo de su hijo, alejó a todos de ella, sin soltar al niño muerto. La infortunada madre caminaba con él por la casa, acunándolo y llamándolo con todos los tiernos nombres que ella y su marido llamaban Rembrantus en los primeros días felices.
Rembrandt se dio cuenta de que, a excepción de las horas que pasaba delante de su caballete, sólo podía vivir cerca de Saskia. Sólo con ella se siente humano: el amor es la fuente de la vida y sólo ama a Saskia y a nadie más.
Después de la muerte de Rembrantus, Saskia perdió hijos al nacer dos veces más. Sólo el cuarto hijo, Tito, nacido en 1641, pudo sobrevivir a los difíciles años de la infancia. El niño recibió este nombre en memoria de la fallecida Titia, la hermana de Saskia.
Sin embargo, el trabajo constante tuvo un efecto perjudicial sobre la salud de Saskia. La aparición de imágenes puramente paisajísticas del artista a finales de la década de 1630 se explica a veces por el hecho de que en aquella época, debido a la enfermedad de su esposa, Rembrandt pasaba mucho tiempo con ella fuera de la ciudad. El artista pintó relativamente pocos retratos en la década de 1640.
Saskia van Uylenburgh murió en 1642. Ella sólo tenía treinta años. En el ataúd parecía viva...
En ese momento, Rembrandt estaba trabajando en el famoso cuadro "La ronda de noche".
Casa Museo de Rembrandt
Museo de Arte en Jodenbreestraat en el barrio judío de Ámsterdam. El museo abrió sus puertas en 1911 en la casa que Rembrandt compró en el apogeo de su fama en 1639 y en la que vivió hasta su quiebra en 1656.
Durante casi 20 años de su vida (de 1639 a 1658) en la calle Jodenbrestraat, Rembrandt logró crear muchas obras hermosas, hacerse famoso, coleccionar una colección única de pinturas y rarezas de todo el mundo, adquirir estudiantes, desperdiciar la fortuna de su primera esposa, pierde a sus principales clientes, contrae enormes deudas y arruina la casa.
Rembrandt también tuvo que vender la mayor parte de su lujosa colección de pinturas y antigüedades, incluidas obras de grandes artistas europeos, bustos de emperadores romanos e incluso armaduras de batalla japonesas, y mudarse a una casa más modesta. Habiendo sobrevivido a sus dos esposas e incluso a su propio hijo, Rembrandt murió en la pobreza y la soledad.
Dos siglos y medio después, en 1911, por orden de la reina Guillermina, la casa se convirtió en un museo que, a diferencia de, por ejemplo, el Museo Van Gogh, no es, ante todo, una galería de arte, sino una galería restaurada. apartamentos del gran artista: en la planta baja hay una enorme cocina, en la segunda la sala de estar, el dormitorio principal y el dormitorio de invitados, en la tercera la habitación más grande de la mansión, el estudio, y en el ático se encuentran los talleres de sus alumnos.
La restauración del interior fue posible gracias a un inventario de bienes redactado por un notario cuando todos los bienes del artista se vendieron en una subasta y a dibujos del propio artista en los que representaba su casa.
Aquí podrá ver sus objetos personales, muebles del siglo XVII y otras piezas interesantes, como un hermoso grabador o rarezas extranjeras.
El museo exhibe casi todos los grabados del gran Rembrandt: 250 de 280, magníficos autorretratos del artista, dibujos que representan a sus padres, su esposa y su hijo Titus, maravillosas vistas de Ámsterdam y sus alrededores.
Incluso el baño del museo requiere una atención especial: allí se pueden ver dibujos de Rembrandt sobre el mismo tema: una mujer agachada entre los arbustos y un hombre de pie en una pose característica de este establecimiento.
Rembrandt: todo lo que necesitas saber sobre el famoso artista holandés actualizado: 13 de noviembre de 2017 por: sitio web
El arte hace nuestra vida más interesante y hermosa. Hay personas que quedarán en la memoria durante muchos siglos, cuya obra será heredada por las nuevas generaciones.
Después de leer este artículo, estará más cerca de comprender el legado del arte mundial que dejó el gran maestro, el artista Rembrandt van Rijn.
Biografía
Hoy en día se le llama el maestro de las sombras, además de un hombre que podía plasmar absolutamente cualquier emoción en el lienzo. A continuación, conozcamos el camino de la vida que tuvo que recorrer.
Rembrandt Harmens van Rijn (1606-1669) nació en Holanda, en la ciudad de Leiden. Desde muy joven se interesó por la pintura y desde los 13 años estudió bellas artes con Jacob van Swanenburch, que era un pintor histórico.
Después de esto, se sabe que Rembrandt a la edad de 17 años estudió con Pieter Lastman, llegando a Amsterdam. Su maestro se especializó en motivos bíblicos y mitología.
Me ocupé de mis propios asuntos
A la edad de 21 años, Rembrandt van Rijn, junto con su amigo, abrió un taller de dibujo y dirigió inscripciones periódicas de estudiantes y clases de bellas artes. Pasaron apenas unos años y se hizo popular entre quienes lo rodeaban como un maestro en su oficio.
Junto con su amigo Lievens, ya en ese momento estaban creando obras maestras, y Constantin Huygens, que era el secretario del Príncipe de Orange, se fijó en ellos. Llamó al cuadro de Judas una de las mejores obras de arte de la antigüedad. Jugó un papel importante en el desarrollo del artista, ayudando a establecer contactos con clientes adinerados.
Nueva vida en Ámsterdam
En 1631, Rembrandt van Rijn ya se había mudado por completo a vivir a Ámsterdam. La vida en esta ciudad estuvo llena de encargos de importantes clientes que veían en él un gran artista joven. En ese momento, su amigo se fue a estudiar a Inglaterra, donde también trató de lograr el éxito bajo los auspicios de un nuevo maestro.
Mientras tanto, el artista comienza a interesarse por representar rostros. Le interesan las expresiones faciales de cada persona, intenta experimentar con cabezas pintadas de personas. Rembrandt van Rijn supo transmitir con precisión todo lo que se decía a los ojos de la persona de quien pintó la obra maestra.
Fueron los retratos los que le dieron éxito comercial al artista en ese momento. Además, también le gustaban los autorretratos. Puedes encontrar muchas de sus obras en las que se representa a sí mismo con trajes y túnicas imaginarias y poses interesantes.
tiempo de gloria
Rembrandt Harmensz van Rijn obtuvo reconocimiento general en Amsterdam después de pintar “La lección de anatomía del doctor Tulp” en 1632, donde representaba a cirujanos a quienes el médico enseñaba a diseccionar usando el ejemplo de un cadáver.
Si miras esta imagen, notarás la fina línea con la que el maestro representó la expresión facial de cada uno de ellos. No se trata sólo de los rostros de las personas, sino que fue capaz de transmitir la emoción general de cautela de todo un grupo de estudiantes.
Y la forma en que representó la sombra en la imagen asombró a muchos expertos de la época. Unánimemente empezaron a decir que Rembrandt Harmens van Rijn había madurado junto con sus pinturas.
Podemos decir que esta época es considerada una de las más favorables en la vida de un joven artista. Después de su matrimonio con Saskia van Uylenburch en 1634, los pedidos llegaron a tal velocidad que no podía dibujar.
En los primeros años de su vida en la nueva ciudad, el joven Rembrandt van Rijn logró pintar más de 50 cuadros. Las pinturas eran especiales y brillantes, los escritores recordaron sus creaciones más de una vez. Por ejemplo, Joost van den Vondel, entonces famoso poeta y dramaturgo, rindió homenaje al autor en sus poemas sobre el retrato que pintó de Cornelis Anslo.
En ese momento, tenía suficiente dinero para comprar su propia mansión. Apasionado por el arte y el estudio de las obras de los clásicos y otros maestros, llenó su casa de obras famosas tanto de sus contemporáneos como de creaciones de la antigüedad.
Vida familiar
Los críticos de arte de hoy celebran las buenas obras de aquella época que pintó Rembrandt van Rijn. Las pinturas de su esposa Saskia con diferentes ropas y con diferentes fondos indican que el maestro maduró por completo y comenzó a crear su arte sobre lienzo.
También hubo dolor: los tres hijos que tuvo durante su matrimonio murieron a una edad temprana. Pero en 1641 la pareja tuvo un hijo, Tito, que fue una salida para los jóvenes padres. Esa época turbulenta está perfectamente impresa en el cuadro del artista “El hijo pródigo en la taberna”.
evento desagradable
Como en sus primeros años, la imaginación del gran artista siempre le empujó a crear cuadros con determinadas escenas bíblicas. ¡Basta con mirar su cuadro “El sacrificio de Abraham”, que pintó en 1635! Las emociones y el estado de ánimo se transmiten con tanta claridad que comienzas a preocuparte de que tan pronto como pestañees, un cuchillo te atraviese la carne.
En el arte moderno, ese sentimiento sólo lo pueden transmitir los fotógrafos que toman una imagen clara en movimiento. De hecho, es asombrosa su capacidad para representar la atmósfera de las situaciones procesadas por la imaginación del gran maestro.
El comienzo de los problemas.
Los fracasos del artista no terminaron con la muerte de su esposa. Las opiniones del artista cambiaron gradualmente. Poco a poco, aquel joven Rembrandt van Rijn, cuya obra admiraba a sus contemporáneos, fue desapareciendo.
En 1642 recibió una excelente oferta para pintar un retrato de mosqueteros, que se colocaría en el edificio recién construido de la Sociedad de Tiro. Se trataba de uno de los cuadros más grandes jamás pintados por el maestro: alcanzaba los cuatro metros.
Según la visión de los clientes, el artista tenía que crear un retrato corriente de soldados que irradiara fuerza y confianza. Desafortunadamente, el artista Rembrandt van Rijn realizó la tarea a su manera.
Como se puede ver en el cuadro "La ronda de noche", que se muestra a continuación, su obra difícilmente puede considerarse un retrato. El lienzo representa toda una escena de una compañía de fusileros que se prepara para una campaña sorpresa.
Además, puedes notar cómo el movimiento en la imagen se ha congelado. Este es un plano aparte de la vida de los soldados. Hubo mucha indignación por parte de los clientes por esto. Algunos mosqueteros quedaron relegados a un segundo plano, mientras que otros fueron capturados en una pose incómoda.
Además, el agudo juego de luces y sombras, que, tal vez, nadie podría haber representado de manera tan brillante y audaz en el lienzo, tampoco despertó admiración.
Después de esto, Rembrandt van Rijn, cuyas obras ayer eran consideradas entre las mejores, empezó a perder interés para el público de alto nivel. Y esto significaba en aquel momento que nadie le haría pedidos caros.
Ahora imaginemos a una persona que vivió toda su vida con gran estilo y de repente perdió su fuente de ingresos. ¿Podrá abandonar su vida habitual?
La modernidad requería pinturas detalladas.
Sus alumnos lo están abandonando gradualmente. La visión de Rembrandt se fue volviendo gradualmente inconsistente con la moda de la época: las nuevas tendencias avanzaban hacia el máximo detalle. Es decir, si el artista comenzara a pintar como lo hacía en su juventud, entonces habría una demanda considerable para él.
Pero la vida es impredecible, como una verdadera persona creativa. Su mano se volvió más firme, le gustaba jugar con la sombra, difuminando los bordes claros de los objetos.
La incapacidad de ganar un buen dinero afectó su situación financiera. Teniendo en cuenta que su difunta esposa era una dama de una familia adinerada, su dote pasó íntegramente a su posesión. Y, al no tener ingresos, simplemente los gastó o los “quemó” en sus propias necesidades.
A finales de los años cuarenta del siglo XVII se hizo amigo de su doncella Hendrikje. Se puede ver en algunas de sus pinturas. En aquella época, las leyes eran estrictas en relación con los lazos familiares, y su musa fue condenada por el tribunal cuando nació su bebé Cornelia.
Es difícil encontrar cuadros famosos de este período de la vida del artista. Poco a poco se alejó de los ricos motivos y escenas que escribió en el pasado reciente.
Pero él, como persona creativa, se mostró en otros ámbitos. En aquella época ya era un maestro en la realización de grabados. Le tomó 7 años completos completar la obra maestra llamada “Cristo sanando a los enfermos”.
Pudo venderlo por 100 florines, una cantidad bastante grande para aquella época. Se considera el mejor de los que pudo crear Rembrandt.
El atardecer de Rembrandt
El anciano artista se enfrentaba cada vez más a problemas económicos. En 1656 quebró por completo, transfiriendo toda su herencia a su hijo. No quedaba nada de qué vivir. Un año después tuvo que vender su propiedad. Las ganancias lo ayudaron a mudarse a las tranquilas afueras de Ámsterdam. Se instaló en la judería.
La persona más cercana a él durante su vejez fue su hijo. Pero Rembrandt tuvo mala suerte porque vivió para ver su muerte. Ya no pudo soportar los golpes del destino y un año después también murió.
El Rembrandt de hoy
El arte nunca muere. Los creadores viven en sus obras, en particular, los artistas son siempre parte de sus lienzos. La esencia de una persona se transmite en su estilo y habilidad en la pintura.
Hoy en día, Rembrandt van Rijn es considerado un artista con “A” mayúscula y reconocido por todos los críticos. Sus obras gozan de bastante prestigio. Por ejemplo, en 2009, en una subasta, su cuadro “Retrato de medio cuerpo de un hombre desconocido de pie con los brazos en jarras”, pintado en 1658, se vendió por un precio récord de 41 millones de dólares estadounidenses (calculado al tipo de cambio de ese momento).
También fue muy apreciado su cuadro “Retrato de una anciana”, que se vendió en 2000 por aproximadamente 32 millones de dólares. Ni siquiera me atrevo a llamar “cuadro” a este lienzo. Parece una fotografía de gran tamaño: sólo un gran maestro podría detallar tanto el rostro.
Personas como Rembrandt Harmens van Rijn son verdaderamente inspiradoras. Y no es necesario que te conviertas en artista, solo debes hacer lo que te gusta y, lo más importante, desde el corazón.