Resumen sobre la disciplina:
Arte popular

Sujeto
"La fotografía es como una forma de arte moderno".

Completado por: Zakharova M.S.
Estudiante 529 – 3 GRUPOS
Comprobado por: E. Streltsova

MOSCÚ

2010
Contenido:

1.Los orígenes de la fotografía

2. Maestros de la fotografía

3. fotógrafos rusos

4. Tipos de fotografía

Conclusión

1. El nacimiento de la fotografía

Inicialmente surgió como una forma de capturar retratos o imágenes naturales, mucho más rápido que con la mano del artista, pero luego penetró en todas las esferas de la actividad humana. La objetividad y exactitud de la imagen fotográfica la han convertido en una de las formas efectivas de visualizar la realidad, el medio de información y documentación más importante. La fotografía se utiliza ampliamente en el arte, lo que ha creado el término fotografía artística. Se hizo posible hablar de diferentesgéneros de fotografía . La capacidad de diversos materiales para capturar imágenes se ha vuelto muy demandada en diversas ramas de la ciencia, lo que ha determinado el surgimiento de la fotografía científica. En la tecnología, no sin la participación de la fotografía, se desarrollaron ramas como la imprenta y la reprografía. La fotografía ocupó un lugar igualmente importante en la vida cotidiana. En menos de 200 años de existencia, la fotografía mundial ha recorrido un largo y complejo camino de continuo desarrollo y mejora. Al mismo tiempo, todos los aspectos de la industria se desarrollaron de forma orgánica: materiales fotográficos y procesos físicos y químicos, principios de producción de imágenes, equipos fotográficos, géneros y técnicas creativas.

Se considera que la fecha de nacimiento de la fotografía es el 7 de enero de 1839, cuando el físico francés D.F. Arago (1786-1853) informó a la Academia de Ciencias de París sobre la invención del artista e inventor L.Zh.M. Daguerre (1787-1851) del primer método de fotografía prácticamente aceptable, llamado por el inventor daguerrotipo. Sin embargo, este proceso fue precedido por los experimentos del inventor francés J.V. Niépce (1765–1833), asociado a la búsqueda de formas de captar imágenes de objetos obtenidas bajo la influencia de la luz. La primera impresión que se conserva de un paisaje urbano, realizada con una cámara oscura, la obtuvo en 1826. Niépce utilizó una solución de asfalto en aceite de lavanda como capa fotosensible aplicada sobre placas de estaño, cobre o plata. Intentando implementar el invento, el 28 de diciembre de 1827, el autor envió una "Nota sobre heliografía" y muestras de su trabajo a la Royal Society británica. En 1829, Niepce firmó un acuerdo con Daguerre para formar la empresa comercial Niepce-Daguerre con el objetivo de trabajar juntos para mejorar el método inventado por Niepce y Daguerre. Una continuación de los desarrollos de Niépce fue el trabajo posterior de Daguerre, quien ya en 1835 descubrió la capacidad del vapor de mercurio para revelar una imagen latente en una placa expuesta no yodada que no sea de plata, y en 1837 logró capturar una imagen visible. La diferencia de fotosensibilidad en comparación con el proceso de Niépce cuando se utiliza cloruro de plata fue de 1:120.
El apogeo del daguerrotipo se remonta a las décadas de 1840 y 1860. Casi simultáneamente con Daguerre, el científico inglés W.G.F. informó sobre otro método de fotografía, el calotipo (talbotipo). Talbot (1800–1877) obtuvo la fotografía en 1835 utilizando el “dibujo fotogénico” que había propuesto anteriormente. Una desventaja significativa del "dibujo fotogénico" fue la larga exposición. La similitud entre los métodos de Daguerre y Talbot se limitó al uso de yoduro de plata como capa fotosensible. Por lo demás, las diferencias eran fundamentales: en el daguerrotipo se obtenía inmediatamente una imagen positiva de plata reflectante, lo que simplificaba el proceso, pero imposibilitaba la obtención de copias, y en el calotipo Talbot se hacía un negativo, con el que se posible realizar cualquier número de impresiones, se implementó una secuencia del proceso de dos etapas negativo-positivo: el prototipo de la fotografía moderna.
Ni Niepce, ni Daguerre, ni Talbot utilizaron el término “fotografía”, que no fue legalizado y autorizado a existir hasta 1878 en el Diccionario de la Academia Francesa. La mayoría de los historiadores de la fotografía creen que el término “fotografía” fue utilizado por primera vez por el inglés J. Herschel el 14 de marzo de 1839. Sin embargo, se conoce otra versión, dando prioridad al astrónomo berlinés Johann von Madler (25 de febrero de 1839).
El inventor de la película fotográfica fue el fotógrafo aficionado estadounidense G.V. Goodwin (1822-1900) presentó una invención en 1887 para "La película fotográfica y el proceso para su fabricación". La introducción de la película fotográfica y luego el desarrollo por parte de J. Eastman (1854-1933) de un sistema fotográfico que utilizaba este material fotográfico provocaron cambios fundamentales en la industria fotográfica e hicieron que la fotografía fuera accesible al consumidor masivo, tanto desde el punto de vista técnico como económico.
Posteriormente los equipos fotográficos cambiaron notablemente, y sobre todo, en su parte óptica. La óptica ha logrado avances significativos. Hay muchostipos de lentes , que comenzó a utilizarse para diversos tipos de rodajes. La variedad de tareas artísticas ha enfrentado a los fotógrafos con la necesidad de un enfoque más sutil y diferenciado para su implementación. Para la fotografía de paisajes y arquitectura, con el fin de conseguir “mayor capacidad” del encuadre, se empezó a utilizarlentes gran angular , que resultó inaplicable para un género de fotografía como los retratos, ya que el uso de este último provoca una distorsión significativa al disparar a corta distancia. Complejofiltros de luz , permitiendo una corrección muy sutil de los efectos visuales y un control magistral de la fijación del color. Pero todas estas características de los tipos modernos de dispositivos fotográficos merecen una consideración aparte.

Desarrollo de equipos fotográficos.

Una cámara réflex de un solo objetivo fue patentada por el inglés T. Sutton en 1861. Posteriormente, los dispositivos de varias empresas extranjeras se diseñaron basándose en el modelo de su cámara réflex Reflex. La cámara réflex de dos lentes fue inventada por los ingleses R. y J. Beck (1880). En 1929, los diseñadores alemanes R. Heidicke y P. Franke desarrollaron la cámara SLR Rolleiflex, que se fabricó con diversas modificaciones durante unos 60 años y se convirtió en una etapa importante en el desarrollo de la fabricación de cámaras. En 1955, se patentó una cámara de caja que podía colocarse en el bolso de una mujer o del médico. Para la policía, el inglés T. Bolas desarrolló en 1981 dos cámaras "de detectives" portátiles (una de ellas en forma de libro), que permitían tomar fotografías. A las cámaras de “detectives” se les dio la apariencia de un bolso, binoculares o relojes.
En 1890-1950 Las cámaras llamadas cámaras de caja se han generalizado. Entre ellos, un lugar destacado lo ocupa la cámara Kodak (1888), que marcó el inicio de una nueva etapa en la tecnología fotográfica. La cámara era capaz de disparar 100 fotogramas en una película con base de papel. Después de la exposición, los especialistas de la empresa («acabadores fotográficos») llevaron a cabo el procesamiento de la película, la impresión y la recarga de la cámara. Las instrucciones de la cámara decían: “...Ahora la fotografía es posible para todos. Tú presionas el botón y nosotros hacemos el resto". Aparición en la década de 1890 materiales fotográficos con alta sensibilidad a la luz, la introducción de películas de carrete a carrete con papel protector de la luz impulsó un mayor desarrollo de los equipos fotográficos, acompañado de una transición de cámaras de caja relativamente pesadas y voluminosas a cámaras plegables de bolsillo, más livianas y en miniatura. con pelaje ondulado. La más famosa y técnicamente avanzada fue la familia de cámaras del tipo Ikonta (Alemania), la primera de las cuales se fabricó en 1929.
En 1912, el estadounidense J. Smith fabricó una cámara de pequeño formato con un tamaño de fotograma de 24x36 mm para películas de 35 mm. Luego se lanzaron cámaras de este tipo en Francia (Homeos-3, 1913), Alemania (Minograph, 1915) y otros. Sin embargo, no tuvieron un impacto notable en el desarrollo de los equipos fotográficos. En 1913, O. Barnack, ingeniero de diseño de la empresa alemana E. Leitz, realizó el primer prototipo de una cámara de pequeño formato, más tarde llamada "Pra-Leika". En 1925 se fabricó el primer lote (1000 unidades) de cámaras Leika-1 de pequeño formato con obturador de distancia focal, velocidades de obturación de 1/20 a 1/500 s y lente Elmax 3,5/50. Gracias a su fabricación de precisión y diseño original, esta cámara abrió una nueva etapa en la fabricación de cámaras y la fotografía.
El desarrollo de los equipos fotográficos condujo a la creación de cámaras en miniatura (el primer desarrollo fue la cámara Minox de V. Zappa, residente de Riga, 1935), cámaras que utilizan película de disco (patente de D. Dilks, 1926), cámaras para fotografía técnica en la industria. y ciencia (la familia de dispositivos Tekhnika " de la empresa alemana "Linhof" y dispositivos "Sinar" de la empresa suiza del mismo nombre).
Ampliamente utilizado en la segunda mitad del siglo XX. Los materiales fotográficos en color, así como el blanco y negro con mayor resolución, pero menos latitud fotográfica, requirieron la producción en masa de cámaras con dispositivos de automatización para controlar el proceso de disparo. La producción de este tipo de equipos comenzó en la segunda mitad de los años cincuenta. Tras la aparición de cámaras con control semiautomático (“Agfa Siletta SL”, 1956) y velocidad de obturación automática (“Agfa Avtomatik 66”, 1956), se propusieron diseños que contaban con medición de exposición interna y medición de luz puntual (“Pentax Spotmatic” , 1960), y medición de luz local (“ Leykaflex", 1965), medición de brillo en la apertura de trabajo (Asahi Pentax SP, 1964), sistema dinámico. control de exposición TTLDM (“Olympus OM-2”, 1969).
Las primeras fotografías requirieron un tiempo de exposición considerable, a veces hasta varias horas. En 1839-1840 L. Ibbetson, que utilizó un dispositivo que aprovechaba el efecto luminoso de la cal en una llama de hidrógeno y oxígeno (luz Drummond), logró obtener un daguerrotipo de un trozo de coral en 5 minutos, lo que requirió una exposición de más de 25 minutos cuando fotografiado al sol. En 1854, en Francia, Gaudin y Delamare patentaron una bengala como fuente de luz. La mezcla inflamable estaba compuesta de azufre, nitrato de potasio y antimonio. Sólo tomó 2-3 segundos obtener el retrato. El primer intento exitoso de utilizar luz eléctrica en fotografía lo realizó F. Talbot, quien utilizó la descarga de una jarra de Leyden para fotografiar un objeto en rápido movimiento (1851). Los estudios fotográficos con iluminación eléctrica aparecieron en Inglaterra (1877), Francia (1879) y Alemania (1882). R. Bunsen y G. Roskow (1859) dominaron el uso de la luz actínica brillante emitida por la combustión de alambre de magnesio. El primer retrato natural con esta fuente fue realizado por A. Brothers en 1864. El concepto de "flash" se generalizó en 1886, cuando se utilizó polvo de magnesio mezclado con otros componentes que aumentaron la intensidad de la luz y acortaron el período de combustión. . En 1893, Schaufer desarrolló una lámpara de magnesio con encendido eléctrico, que era una bola de vidrio con alambre de magnesio llena de oxígeno. Su desventaja era la posibilidad de destrucción del cilindro como resultado de la expansión del oxígeno a altas temperaturas. El diseño es moderno. Las lámparas de destello seguras fueron desarrolladas en Alemania por J. Ostermeier en 1929, en las que el cilindro estaba lleno de papel de aluminio.
En 1932, el estadounidense G. Edgerton propuso utilizar una lámpara de flash electrónica reutilizable en fotografía. En 1939, fabricó un flash basado en un tubo de xenón y desarrolló un método para encender una lámpara de flash desde el obturador de una cámara, que luego se generalizó. El flash Mekablitz 100 con un convertidor de transistor CC producido por P. Metz marcó el comienzo de la producción de lámparas de flash electrónicas (1958). La búsqueda de un mayor control del proceso de filmación llevó a la aparición de una lámpara de flash automático coordinada (Canon Speedlight 155A para la cámara Canon AE-1, 1976), que, cuando se instalaba en un soporte, se conectaba funcionalmente a la cámara a través de dispositivos adicionales. contactos de control.

2. Maestros de la fotografía

En la segunda mitad del siglo XIX. Los avances técnicos y científicos en el campo de la fotografía han propiciado la aparición de nuevas técnicas exclusivas de la fotografía. Uno de los innovadores fue el maestro inglés O. Reilander (1813-1875), quien compiló la composición alegórica "Dos caminos de la vida" (1856) a partir de 30 negativos.
El escritor inglés L. Carroll (autor de Alicia en el país de las maravillas) fue reconocido como el mejor maestro del retrato fotográfico infantil.
Desde la década de 1860 Se difundió la técnica de la fotografía al aire libre. Hasta la década de 1920 se desarrolló con el espíritu de imitación de un paisaje pintoresco: R. Lamar (Francia), L. Misson (Bélgica), A. Keighley (Gran Bretaña), etc.
Fotografía etnográfica de naturaleza de la segunda mitad del siglo XIX. se fijó como objetivo un registro fiable de la vida de las personas. Durante el mismo período, aparecieron fotografías de reportaje, por ejemplo, R. Fenton fotografió episodios de los frentes de la Guerra de Crimea de 1853-1856, M.B. Brady, A. Gardner - Guerra civil estadounidense 1861–1865, A.I. Ivanov, D.N. Nikitin, M.V. Revensky: guerra ruso-turca de 1877-1878. La invención y luego la mejora del obturador de cortina hicieron posible fotografiar objetos en movimiento, lo que impulsó el desarrollo posterior de la fotografía de reportaje.
A principios del siglo XX. En las obras de los fotógrafos todavía se nota la influencia de diversas tendencias en la pintura. Al mismo tiempo, hubo un creciente interés por la fotografía en la interpretación de las formas del mundo real. Las obras de los representantes de este movimiento (la llamada fotografía de vanguardia) combinan juegos de formas, líneas pretenciosas, transiciones de tonos claros, construcciones en perspectiva poco realistas y composiciones no objetivas. Los fotógrafos fotografiaron yeso viejo, grietas en el asfalto, etc., cambiando la escala y la textura hasta quedar irreconocibles, creando composiciones con el espíritu del arte abstracto. Las búsquedas en el camino de las vanguardias no siempre fueron infructuosas; llevaron al desarrollo de medios de expresión propios y específicos en la fotografía, como, por ejemplo, el uso de ángulos, primeros planos y composiciones polifacéticas. Al mismo tiempo, se formaron los principios de las decisiones artísticas, basadas en la esencia documental de la fotografía. El poder periodístico del arte fotográfico se reveló en muchos géneros.
Los reportajes de guerra tuvieron una influencia significativa en el giro de la fotografía hacia formas documentales y el surgimiento del fotoperiodismo humanista.

3. fotógrafos rusos

Grekov abrió una “oficina de arte” en San Petersburgo y en 1841 publicó en Moscú un folleto “Un pintor sin pincel y sin pinturas, que toma todo tipo de imágenes, retratos, paisajes, etc., en su luz real y con todas las posibilidades”. las cortinas en unos minutos”. En la década de 1840. El famoso fotógrafo ruso S.L. Levitski. Especialmente buena es la foto de grupo que tomó de los escritores rusos. En 1849, el fotógrafo abrió el establecimiento de daguerrotipo "Svetopis" en San Petersburgo y, en 1859, un taller en París, que se convirtió en uno de los mejores salones de retratos de Europa. Ha recibido repetidamente premios en exposiciones internacionales. S.L. Levitsky fue el ganador de una medalla de oro otorgada por su trabajo fotográfico en la Exposición Universal de París (1851). En la década de 1850. A.I. se destacó. Denyer (1820–1892) se graduó en la Academia de las Artes, abrió el “Establecimiento de daguerrotipos del artista Denyer” en San Petersburgo (1851) y publicó un álbum de retratos fotográficos de personajes famosos de Rusia, que incluía imágenes de famosos viajeros, científicos, médicos, artistas y escritores rusos. El último representante destacado de los primeros fotógrafos rusos fue otro graduado de la Academia de las Artes, V.A. Carrick (hacia 1827-1878). Es conocido por su fotografía de género y visión de campesinos en las regiones de Rusia Central. Colecciones de V.A. Las obras de Carrick se mostraron (fuera de competición) en exposiciones internacionales en Londres y París. En 1876, el maestro recibió el título de fotógrafo de la Academia de las Artes.

4. Tipos de fotografía

Fotografía en blanco y negro
Las fotografías en negativo en blanco y negro tienen una sensibilidad al color diferente a la de la visión humana. Si, por ejemplo, se filman objetos de color violeta y amarillo sobre una película negativa no sensibilizada, entonces, bajo la influencia de los rayos violetas, la imagen se vuelve negra, y bajo la influencia de los rayos amarillos no aparece y permanece transparente. Al imprimir un positivo (en papel fotográfico), el color violeta se reproducirá en blanco y el amarillo en negro, es decir, el brillo del objeto se distorsionará al transmitir tonos en fotografía en blanco y negro.

Fotocromía
A diferencia de la fotografía en blanco y negro, la fotografía en color cubre métodos para obtener imágenes en las que el brillo y las características de color del sujeto se reproducen en colores cercanos a los naturales. El desarrollo de materiales fotográficos de tres capas permitió resolver el problema de obtener imágenes en color de alta calidad tanto en película como en papel fotográfico. La base es la posibilidad de obtener todos los colores sumando flujos de luz de tres colores primarios (rojo, verde, azul), o restando flujos de luz del blanco mediante capas que absorben la luz de forma selectiva. Uno de los métodos más comunes de fotografía en color fue el método de obtener una imagen en color sobre materiales fotográficos multicapa.

Fotografía con haluro de plata
Este tipo de fotografía se basa en el uso de materiales fotográficos: película, placas fotográficas y papel fotográfico. ¡¡¡El método es muy caro!!!

Fotografía sin plata
Características de los materiales sin plata: baja fotosensibilidad, transmiten mal los medios tonos y tienen imágenes "ruidosas"; Es imposible o difícil obtener imágenes en color con ellos. Los materiales fotográficos sin plata se utilizan para microfilmar, copiar y duplicar documentos, visualizar información, etc.

Fotografía de avión
El arsenal de los medios visuales tradicionales de la fotografía y la objetividad de los documentos fotográficos están limitados por la bidimensionalidad de las imágenes fotográficas. La fotografía en blanco y negro y en color, la electrografía y la grabación de vídeo son tipos de fotografía planos y no permiten imaginar un objeto tridimensionalmente, tal como lo ve el ojo. La ausencia de una tercera dimensión en estas imágenes fotográficas se debe a las propiedades de la luz ordinaria (incoherente) que se utiliza en la práctica fotográfica.

Fotografía estereoscópica
La fotografía estereoscópica abarca métodos de obtención de imágenes fotográficas; cuando se miran, se crea una sensación de su volumen (estereoscopicidad). La diferencia entre una imagen estereoscópica y una normal es que una imagen estéreo consta de dos (mínimo) imágenes conjugadas. Las imágenes conjugadas son aquellas que se obtienen fotografiando el mismo objeto desde puntos correspondientes a la ubicación de los ojos, es decir, tomadas en la misma escala. , con la misma luminosidad y conectados por una única perspectiva.

Holografía
Una imagen prácticamente adecuada al objeto fotografiado se obtiene mediante holografía, una forma especial de registrar cualquier información mediante campos de ondas coherentes. A diferencia de la fotografía convencional, en la holografía, en la capa fotosensible, no es la imagen óptica del objeto fotografiado la que caracteriza la distribución del brillo de sus detalles lo que se registra, sino un patrón de interferencia sutil y complejo del frente de onda del objeto holográfico. , que lleva información completa al respecto. A diferencia de otros tipos de fotografía, un holograma transmite relaciones espaciales con una precisión asombrosa: distintos grados de distancia de los objetos individuales al observador, sus dimensiones angulares y lineales, su ubicación relativa en el espacio; hace posible ver imágenes desde diferentes ángulos y obtener la ilusión completa de los objetos que realmente se ven.

5. Géneros de fotografía

Naturaleza muerta (del francés naturaleza morte, literalmente - naturaleza muerta): una imagen de objetos domésticos inanimados, atributos de cualquier actividad, flores, frutas.
El género de la naturaleza muerta comenzó a tomar forma inmediatamente con la llegada de la fotografía.
El dominio de la fotografía de sus propios medios visuales específicos, distintos de la pintura, también afectó la comprensión de la naturaleza muerta. La gama de objetos y motivos de la naturaleza muerta se amplió y la realidad cotidiana que rodeaba al artista la penetró cada vez más. En los bodegones aparecieron elementos de otros géneros.
La naturaleza muerta ha encontrado un lugar digno en el trabajo de muchos representantes de la fotografía mundial.

Escenario (Paisaje francés, de pays - país, localidad): un género en el que el objeto de la imagen es la naturaleza.
El género del paisaje, como la naturaleza muerta, empezó a gestarse desde el nacimiento de la fotografía.
Para crear obras altamente artísticas en el género del paisaje, es importante comprender claramente las peculiaridades de la percepción de un paisaje fotográfico. Como sabéis, percibimos la naturaleza viva con diferentes sentidos, pero principalmente a través de la visión. La visión es binocular y no es comparable a la visión fotográfica ni en términos de cobertura, ni en el rango de brillo percibido, ni en la reproducción del color.
Al fotografiar paisajes, una de las tareas más importantes es transmitir el espacio de forma convincente. En la naturaleza lo vemos como continuo.
En todo paisaje siempre hay un elemento común y cambiante que tiene un poder excepcional sobre nuestras emociones: este es el cielo. Toda la experiencia del paisaje mundial atestigua que un paisajista debe fotografiar el cielo y... todo lo demás.
Cuando no se colocan acentos de brillo, los pequeños detalles resaltan demasiado.
El color del papel utilizado es de gran importancia en la fotografía monocromática. Puede fortalecer o inhibir nuestras asociaciones.
El paisaje fotográfico amateur de hoy a menudo adolece de una convencionalidad injustificada de la imagen, y los atributos modernos, encajados en la naturaleza, destruyen por completo su origen espiritual. Esta contradicción, sin embargo, puede formar la base de historias ambientales que no pueden dejar indiferente a nuestra gente contemporánea.
A menudo, un paisaje arquitectónico, especialmente en caso de destrucción irreflexiva o natural de monumentos, puede adquirir el valor de un documento histórico. La ecología de la cultura es un tema de gran actualidad y extremadamente importante para un fotógrafo, que aparentemente debería abordarse de formas nuevas y extravagantes.
También son interesantes los paisajes fotográficos que incluyen orgánicamente a una persona en toda la diversidad de sus manifestaciones personales.
El género paisajístico es de gran importancia para la autoeducación visual. En los últimos tiempos, cuando la representación de la naturaleza en la pintura era muy valorada, la formación en dibujo y el estudio pictórico de la naturaleza eran algo natural incluso para los grandes maestros. Esto es especialmente necesario para los fotógrafos sin educación, tradición o escuela. Sería ingenuo pensar que la tecnología por sí sola puede hacer que un bosque parezca bosque o que la lluvia parezca lluvia. La naturaleza debe ser estudiada fotográficamente constantemente y, a partir de la naturaleza accesible, “recorrer” todos los estados posibles, logrando su reproducción visual de forma positiva. Entonces los temas únicos y apreciados, generalmente raros en la práctica de un fotógrafo, se volverán más accesibles y frecuentes. La actitud hacia la naturaleza, debido a la amenaza de su destrucción, así como la actitud hacia los monumentos culturales, está cambiando hoy. Ésta es la condición previa para un nuevo resurgimiento del género del paisaje, en el que la fotografía ha creado valores artísticos como ningún otro.
Retrato Siempre ha sido uno de los tipos populares de bellas artes, y en la era prefotográfica, escrito por la mano del artista, generalmente era la única forma de capturar la apariencia de una persona y preservarla en la memoria de la posteridad. Con la llegada del daguerrotipo, se volvió más accesible, y la fotografía en el género del retrato inmediatamente se hizo muy popular, atreviéndose a competir, y hasta cierto punto con éxito, con la pintura (aunque recibió un apodo despectivo entre los artistas: "pintura para los pobres"). ”).
Si hablamos del desarrollo del género del retrato fotográfico en su conjunto, entonces dos cualidades: la profundidad de la comprensión de la esencia del carácter humano, por un lado, y el deseo de la máxima fiabilidad de los detalles recreados en la fotografía. por otro, son fundamentales, inherentes a toda la historia de la fotografía.
Las variedades de este género están ampliamente representadas en la fotografía de estudio. M. Sherling fue un defensor del retrato expresivo: en sus fotografías, la mayoría de las veces las personas aparecían en violentos movimientos internos. No es casualidad que este maestro eligiera como modelos a personas dotadas naturalmente de un temperamento poderoso.
A. Shterenberg se ha consolidado como retratista lírico. Utilizando el rango de luz, prefería en las fotografías los primeros planos: en ellos, en la mayoría de los casos, sólo vemos la cabeza de la persona. Los ojos juegan un papel especial en estos retratos.

retrato reportaje . (evento, celebrantes, bodas)
El retrato de estudio constituye hoy la mitad del género. La otra mitad se destina a retratos de reportaje, que forman parte de la fotografía documental. En géneros de fotoperiodismo tan populares, como ensayos, series, reportajes, se encuentran cada vez más fotografías de retratos de participantes en eventos de la vida real. A diferencia de las obras de estudio, donde el autor tiene la oportunidad de transformar seriamente los datos externos de una persona utilizando medios fotográficos, aquí hay un fuerte comienzo documental.
etc.................

Las fotografías de fotografía son diferentes.

A menudo se toman fotografías sólo para congelar algunos momentos, para preservar el recuerdo de eventos o lugares que una persona ha visitado; a este género lo llamamos "Yo y la palmera". Pero a veces quieres fotografiar algo que despierte emociones independientemente de los recuerdos, quieres tomar una fotografía que se cuelgue en la pared como si abriera una ventana a otro mundo, a un lugar donde aún no hemos estado y donde es poco probable. a lo haremos. Ventana al mundo del arte.

Sí, sí, será el arte que tú mismo creaste, no Miguel Ángel, ni Saryan ni Malevich, solo tú. ¿Por qué no? Esto está disponible para todos. Sólo tienes que quererlo.

Precisamente para aquellos que se esfuerzan por hacer semejante fotografía, y nuestro ABC te vendrá muy bien. Para las sesiones de fotos de la clase "Yo y la palmera", todo este conocimiento no es absolutamente necesario: las cámaras digitales modernas son tan fáciles de usar y tan complejas por dentro que permiten fotografiar "crónicas de la vida" sin el menor esfuerzo, sin sobrecarga espiritual, y con excelentes resultados que puedes usar para llenar la cuerda en un álbum grueso de 10x15.

¿Cómo determinar si es arte o no?

Si, cuando miras la fotografía de otra persona, deseas haberla tomado, eso es arte. Broma. Pero sólo casi.

Supongamos que siempre conocemos nuestras obras maestras, pero no intente convencerse de lo contrario. Algunos fotógrafos se esfuerzan tanto por alcanzar la perfección absoluta que descuidan el éxito simple y ordinario. Y con ello se empobrecen a ellos mismos y a nosotros. Otros, por el contrario, ven cada fotografía sólo a través de un filtro rosa y se privan del lujo de una valoración crítica.

Si logras evitar esos extremos (y los extremos son siempre extremadamente dañinos), entonces todo lo que queda es escuchar tu voz interior. A los suyos. Él nunca te engañará. Después de todo, lo principal es que a ti te guste la foto. Al Creador.

Y si te gusta la foto, es arte. Y el verdadero arte merece ser divulgado a las masas, en forma impresa y en el mundo.

La impresión como resultado preciado

Su maravillosa fotografía se convertirá en una verdadera obra maestra sólo después de que se la presente al espectador. Aunque ya se acerca el momento en que se colgarán paneles de plasma en las galerías o en las paredes de los apartamentos para exhibir cuadros (los marcos electrónicos de escritorio ya están a la venta en las tiendas), la forma más fácil de materializar una obra maestra sigue siendo la impresión.

Después de la llegada de las impresoras de inyección de tinta más o menos económicas, fue posible imprimir fotografías directamente en casa y, lo más importante, fue posible controlar la calidad y el proceso de impresión.

Gestionar el proceso es muy importante. Probablemente todo propietario de una cámara se ha encontrado al menos una vez en esta situación: vienes al laboratorio a sacar fotografías y...

• demasiado rojo...
• demasiado azul...
• ¡Demasiado nublado!
• ...sí, ¡¡¡estas no son tus fotos en absoluto!!!

Por tanto, imprimir fotografías en casa es más fiable. Tendrás que gastar dinero en papel (que, ¡cuanto mejor, más caro!) y en tinta (que puede ser original, es decir, del fabricante de tu impresora, o más barata, es decir, no del fabricante de tu impresora). impresora).

Hacer una impresión de alta calidad en casa no es tan fácil. En primer lugar, es necesario calibrar la impresora y el monitor, para lo cual será necesario utilizar un equipo especial. También necesitará habilidades en la gestión del color, cambio de contraste, color, saturación y muchas otras características de la imagen. Puedes leer sobre todo esto en nuestro ABC.

Sin embargo, no es necesario que lo haga todo usted mismo; simplemente busque profesionales que lo hagan todo por un precio razonable. Recientemente, han aparecido cada vez más servicios de este tipo. Aquí es importante no equivocarse a la hora de elegir. Y para esto, nuevamente le resultará útil leer nuestro ABC hasta el final; después de todo, incluso si no procesa ni imprime sus obras maestras usted mismo, el conocimiento de estas tecnologías le permitirá elegir conscientemente al ejecutor más profesional de su pedidos.

Aspectos teóricos de la fotografía como forma de bellas artes. La historia del desarrollo de la fotografía, clasificación de sus tipos de medios de expresión en la fotografía. Uno de los objetivos de la fotografía es transmitir la esencia interior del objeto fotográfico. Las fotografías son un depósito de momentos de la vida capturados visualmente y actúan como un vínculo de conexión entre generaciones.

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El arte de la fotografía es una de las formas de arte más maravillosas del mundo moderno. La gente suele confundir lo que es verdad. pasión por la fotografía con muchas fotos de tu ser querido. El verdadero amor por la fotografía es más que una foto de “yo y un monumento”. La oportunidad de detener el flujo del tiempo en algún momento increíble, expresar tus emociones y sentimientos en una pequeña foto, expandir los límites de tu "yo": de eso se trata habilidades de fotografía. Cuando te interesas por la fotografía, empiezas a mirar el mundo con ojos completamente diferentes, descubriendo cada vez más límites nuevos. Capturar una gota de lluvia para que la persona que ve las imágenes escuche su sonido es un verdadero fotos, para ello deberás aprender a tomar fotografías.

Para las personas que recién comienzan a familiarizarse con la fotografía, esto parece una actividad bastante simple. Cogí el marco, presioné el botón y listo, la tecnología digital hará el resto. Ahora no necesita, como antes, sentarse durante horas en un baño oscuro con un montón de soluciones y desarrolladores para ver el resultado de su trabajo. Hoy en día, es cierto, gracias a las cámaras digitales como aquí http://www.e-katalog.ru/list/206/panasonic/ y otros equipos, el trabajo del fotógrafo es cada vez menor. Pero una cámara es sólo un medio para crear una imagen, y el maestro hace de ella no sólo una imagen, sino una historia completa.

De hecho, arte fotográfico Contiene muchas sutilezas y matices. La palabra "" del griego se traduce como "pintar con luz"; esencialmente significa dibujar con luz, esto explica un poco algunos de los componentes técnicos del proceso. Toda la tecnología para crear una fotografía radica en encontrar la composición adecuada, la iluminación adecuada y la fotografía en sí. Todo esto lo determina él mismo, basándose en sus habilidades y capacidades y, por supuesto, en su gusto personal.

Hoy es difícil imaginar nuestro mundo sin fotografía. Cada persona otorga un significado determinado a sus fotografías. Para alguien arte de la fotografía artística– este es el documento más valioso que almacena toda la historia de la vida. Para algunos, esta es una forma de acercarse al mundo, una forma de hablar. Fotografía contemporánea- esta es una maravillosa forma de comunicación, en primer lugar, con su ayuda te presentas a un gran número de personas y, en segundo lugar, es un diálogo contigo mismo. Te exploras a ti mismo, tus emociones, posibilidades creativas. Foto Evoca en cada persona algunas asociaciones, recuerdos, nuevas ideas sobre uno mismo y la realidad circundante, y permite atraer la atención de los demás. En el arte de la fotografía cada persona puede hablar de sus deseos, sentimientos y fantasías sin mirar atrás.

En el desarrollo de la fotografía como arte, el aspecto más importante es la crítica objetiva. En primer lugar, el propio maestro debe poder distinguir las desventajas de su trabajo de las ventajas. Las críticas de los demás juegan un papel igualmente importante. Cuanto más competente y autorizadamente se critiquen las obras fotográficas de los maestros principiantes, más rápido se eliminarán del mundo de la fotografía las disputas de aficionados que distraen e interfieren con la creación y observación del arte elevado.

Género de fotografía- esta es, en esencia, la autoexpresión del maestro. El verdadero arte trasciende los límites de una fotografía ordinaria. Puede combinar tanto los métodos más modernos, como los gráficos por ordenador, como materiales y equipos muy antiguos: papel fotográfico grueso, tintados y lentes monoculares. En cualquier caso, el factor principal en el arte de la fotografía es el lugar que ocupa en nuestras vidas. Estas fotografías no se hacen por encargo; se crean para galerías y colecciones privadas; ésta es la diferencia más importante entre la fotografía amateur y la fotografía.

Hoy en día, ninguno de nosotros duda de que la fotografía artística es un arte que refleja la visión creativa del fotógrafo como artista. Sin embargo, incluso en los albores del desarrollo de la fotografía, durante varias décadas la cuestión acuciante fue si la fotografía podía clasificarse como arte o si simplemente no era más que un medio para registrar y transmitir información sobre el mundo que nos rodea.

La fotografía necesitó muchos años para hacerse un hueco en el mundo del arte, junto con la escultura, el cine, la pintura y el teatro. Pero ahora cualquier fotógrafo puede expresar su actitud hacia el mundo y los fenómenos que lo rodean a través de medios fotográficos como el ángulo, el color o la elección del momento de la toma.

Cuando aparecieron las primeras impresiones fotográficas, nadie se tomaba en serio la fotografía. Se consideraba un simple mimo y un juego de niños para un círculo limitado de personas. En los primeros años después de su aparición, la fotografía, debido a limitaciones técnicas, no podía pretender ni un valor documental ni artístico, ni la libertad de las soluciones de iluminación y la visión creativa del fotógrafo.

En el siglo XIX, se creía ampliamente que sólo una obra hecha por el hombre podía considerarse arte. En consecuencia, las impresiones fotográficas obtenidas mediante diversos métodos físicos y químicos simplemente no podían reclamar el estatus de arte. Aunque la primera generación de fotógrafos intentó animar un poco la composición de sus fotografías con algunas técnicas y enfoques interesantes, la fotografía siguió siendo una baratija divertida a los ojos de la opinión pública.

La fotografía era considerada por los críticos de esa época sólo como una copia mecánica de la realidad, capaz de ser sólo una apariencia de pintura artística. Hasta los años 20 y 30 del siglo XX, artículos y publicaciones consideraban seriamente la cuestión de si la fotografía es un arte o es simplemente una habilidad práctica y aplicada, donde el papel clave lo juega la técnica y no el propio fotógrafo.

Hay varios períodos en el desarrollo de la fotografía como arte. Incluso en los albores del desarrollo de la fotografía, no se diferenciaba mucho de la pintura, es decir, los fotógrafos intentaron utilizar técnicas pictóricas que conocían bien en la fotografía. Fotografiaron principalmente objetos monumentales e inmuebles. Estas primeras impresiones fotográficas pertenecían al género del retrato o del paisaje. Además, con el surgimiento de la industria periodística en el siglo XIX, la fotografía ocupó el nicho de la simple evidencia documental de determinados acontecimientos. Podemos decir que en ese momento no se hablaba de la expresividad y el arte de la fotografía. ¿Cuándo se convirtió realmente la fotografía en arte?

Probablemente sea imposible nombrar una fecha exacta. Pero los historiadores de la fotografía señalan un acontecimiento significativo que ocurrió en 1856. Luego, el sueco Oscar G. Reilander hizo una impresión compuesta única a partir de treinta negativos retocados diferentes. Su fotografía, titulada “Dos caminos de la vida”, parecía describir una antigua saga sobre la entrada en la vida de dos jóvenes. Uno de los personajes principales de la fotografía recurre a diversas virtudes, la caridad, la religión y la artesanía, mientras que el otro, por el contrario, se deja llevar por delicias pecaminosas de la vida como el juego, el vino y la inmoralidad. Esta fotografía alegórica se hizo ampliamente conocida instantáneamente. Y después de la exposición en Manchester, la propia reina Victoria compró la fotografía de Reilander para la colección del Príncipe Alberto.

Esta fotografía combinada puede considerarse legítimamente como una de las primeras obras independientes relacionadas con la fotografía. El enfoque creativo de Oscar G. Rejlander se basó, por supuesto, en la educación clásica en historia del arte que recibió en la Academia Romana. En el futuro, su nombre se asociará con varios experimentos con fotomontaje, con el desarrollo de la doble exposición y con una impresionante fotografía de exposición múltiple.

El trabajo de Reilander fue continuado por el talentoso artista y fotógrafo Henry Peach Robinson, quien se hizo famoso gracias a su fotografía compuesta “Leaving”, hecha a partir de cinco negativos. Esta fotografía artística mostraba a una niña agonizando en una silla, con su hermana y su madre de pie junto a ella con tristeza, y su padre mirando por la ventana abierta. La fotografía "Saliendo" fue criticada por distorsionar la verdad, pero aun así se hizo ampliamente conocida. Fue adquirida inmediatamente por la corte real inglesa, y el Príncipe Heredero incluso le dio a Robinson una orden permanente para una copia de dicha fotografía.

El propio Robinson se convirtió en un destacado exponente de la llamada fotografía pictórica en Inglaterra y Europa. Esta dirección del arte fotográfico ocupó una posición dominante en la fotografía hasta la primera década del siglo XX. En la fotografía pictórica se utilizaron muchos efectos y técnicas pictóricas.

Hay que decir que la fotografía durante mucho tiempo no pudo escapar de la “sombra” de la pintura. Sin embargo, el desarrollo de la fotografía como arte independiente a principios del siglo pasado se vio facilitado en gran medida por las exposiciones periódicas, en las que, junto con fotografías sencillas y hermosas, los espectadores podían ver fotografías interesantes que merecían el título de "obra de arte". Una de las primeras exposiciones internacionales de este tipo fue la modesta 291 Photography Gallery, inaugurada por Alfred Stieglitz en 1905 en Nueva York. Se trataba de una auténtica exposición de arte contemporáneo, en la que los nombres de artistas famosos estaban a la par de los de los fotógrafos.

Con principios de los años 20 y 30 se inicia una nueva etapa en la fotografía, directamente relacionada con la producción masiva de periódicos y revistas. La fotografía está cambiando de estilo en favor de la fotografía documental y reportaje. La realización documental y artística se fue entrelazando gradualmente en la fotografía en un todo único. Surgió una nueva generación de fotógrafos que, a través del reportaje y la fotografía documental, hacían diariamente la historia de su país y del mundo entero. Durante este período, el arte de la fotografía combinó estrechamente la expresividad artística con un componente ideológico y social.

La fotografía se convierte en portadora de una determinada verdad histórica, un reflejo de hechos que realmente sucedieron. No en vano, en los años 20 y 30 fueron de especial valor diversos carteles, álbumes de fotos y revistas. Fue durante estos años cuando comenzaron a aparecer mancomunidades y sociedades de artistas fotográficos, que buscaban convertir la fotografía en una forma de arte autosuficiente.

En nuestro país, sin embargo, estos procesos positivos quedaron prácticamente congelados a finales de los años treinta. El Telón de Acero aisló durante mucho tiempo a la fotografía rusa de las tendencias de la vida artística internacional. Los fotógrafos soviéticos talentosos se vieron obligados a dedicarse únicamente al reportaje fotográfico realista socialista. Durante la Segunda Guerra Mundial, muchos de ellos visitaron los frentes de batalla y pudieron plasmar en películas momentos memorables de la gran victoria.

En los años 60 y 70, las fotografías volvieron a ser consideradas obras de arte independientes. Esta es la era del fotorrealismo y los experimentos audaces con diversas tecnologías fotográficas y técnicas artísticas. A partir de este período, todas las áreas de la fotografía que estaban en la periferia de la atención pública finalmente recibieron el derecho a ser presentadas como un valor artístico independiente en el arte. Están surgiendo nuevos géneros de fotografía, en los que el punto clave es la intención del autor y la visión creativa del fotógrafo. Fotógrafos famosos de esa época en sus obras de arte comenzaron a abordar problemas sociales tan importantes como la desigualdad social, la pobreza, el trabajo infantil y muchos otros.

La próxima revolución de la fotografía se la debemos a la transición de la película a las cámaras digitales. El formato de imagen digital ha permitido a los fotógrafos alejarse un poco de una simple imagen reflejada de la realidad que los rodea. Con la llegada de las cámaras digitales, las computadoras y los editores gráficos, el fotógrafo tiene la oportunidad de transformar sus fotografías de tal manera que el espectador tenga la oportunidad de familiarizarse con la visión creativa del creador de la imagen y sumergirse en su mundo surrealista. Aunque hoy en día la fotografía se ha convertido en un fenómeno de masas, la selectividad y una “visión” personal especial siguen siendo importantes para la fotografía como arte, que permite a una persona crear una verdadera obra de arte utilizando medios fotográficos.

A pesar de que con una cámara digital se pueden tomar varios cientos de fotografías en cuestión de minutos, por supuesto, no todos los fotogramas pueden clasificarse como artísticos. Un fotógrafo moderno expresa su visión del mundo o la intención del autor a través de la perspectiva, el hábil juego de luces y sombras, la elección sutil del momento de la toma y otras técnicas. Así, el fotógrafo, no el técnico, sigue siendo el centro mismo del arte de la fotografía. Sólo una persona es capaz de plasmar una parte de su mundo interior en una imagen, de modo que la imagen se “cubra” de nuevas emociones y revele el talento del propio fotógrafo.